[Este artículo forma parte de la obra The Beatles: It’s all too much – Una enciclopedia por entregas: disco a disco, tema a tema. Puedes acceder a la introducción, que contiene además el índice completo, pinchando aquí.]

Single. Parlophone R 5675 (mono)
15 de marzo de 1968

Si Lady Madonna no ha pasado a la Historia como un sonoro fracaso de The Beatles es solo gracias a que el single consiguió colocarse durante un par de semanas en la cumbre de las listas británicas, aunque se estancó en el número 4 en las estadounidenses y sus ventas globales resultaron decepcionantes para los estándares del grupo. Fue un bache pasajero (su sucesor, Hey Jude, arrasó clamorosamente en el mundo entero) y en cierta medida inmerecido: la pieza estrella del sencillo, es cierto, no rompía ningún molde —de hecho, se trataba de un tema que revivía intencionalmente un género con más de una década de antigüedad—… pero era un boogie-woogie más que resultón al que McCartney, su autor, ha seguido recurriendo durante décadas, dándole tratamiento de clásico de su propio repertorio. El rock ’n’ roll de los años ’50 volvió a estar de moda durante los primeros meses de 1968 y The Beatles supieron percibir los vientos de cambio antes que nadie. En la cara B se escuchaba la última pieza de inspiración india escrita por Harrison. Fue la primera composición del guitarrista que logró colarse en un single de los de Liverpool.

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Cara A:
LADY MADONNA (Lennon-McCartney)

Cara B:
THE INNER LIGHT (Harrison)

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Reediciones:

1. 6 de marzo de 1976. Parlophone R 5675 (mono)
2. 6 de marzo de 1976. Parlophone R 5675 (mono). Incluido en The singles collection 1962-1970 (22 singles, EMI, sin referencia)
3. Otoño de 1977. Parlophone R 5675 (mono). Incluido en The Beatles collection (24 singles, World Records, sin referencia)
4. Octubre de 1978. Parlophone R 5675 (mono). Incluido en The Beatles collection (25 singles, World Records, sin referencia)
5. 6 de diciembre de 1982. Parlophone R 5675 (mono). Incluido en The Beatles singles collection (26 singles, Parlophone BSCP 1)
6. 14 de marzo de 1988. Parlophone R 5675 (mono)
7. 14 de marzo de 1988. Parlophone RP 5675 (mono). Picture disc single
8. 10 de julio de 1989. Parlophone 20 2467 3/CD3R 5675 (mono). 3” CD single
9. 6 de noviembre de 1989. Parlophone 20 2467 3/CD3R 5675 (mono). 3” CD single. Incluido en The Beatles CD singles collection (22 3” CD singles, Parlophone CDBSC 1)
10. 12 de agosto de 1991. Parlophone TCR 5675 (mono). Cassette single
11. 12 de agosto de 1991. Parlophone TCR 5675 (mono). Cassette single. Incluido en The Beatles singles collection on cassette (22 cassette singles, Parlophone TCBSCX 1)
12. 2 de noviembre de 1992. Parlophone 2 02467 2/CDR 5675 (mono). CD single. Incluido en The Beatles CD singles collection (22 CD singles, Parlophone CDBSCP 1)
13. 22 de noviembre de 2019. Apple 0602547261625 (mono). Incluido en The singles collection (23 singles, Apple 0602547261717)

Grabación

A principios de 1968 los cuatro componentes de The Beatles eran todavía grandes amigos y tendían a implicarse como un único hombre en cuanto nuevo proyecto se les ponía por delante, fuera este artístico o de índole personal. La última obsesión colectiva del grupo era la Meditación Trascendental, una técnica no religiosa de desarrollo de la conciencia instituida por el maestro indio Maharishi Mahesh Yogi, que había penetrado en el entorno de la banda a través del interés inicial de Pattie Harrison, la esposa de George. En otoño de 1967, y tras decidirse por priorizar el rodaje de Magical Mystery Tour, The Beatles habían pospuesto un viaje de tres meses a la India en el que pretendían estudiar el método de Maharishi en su ashram, pero no habían renunciado a él. Solo habían retrasado los planes hasta febrero de 1968.

Poco antes de embarcarse en la que sería la primera de una serie de aventuras frustradas que minarían seriamente la cohesión del grupo, The Beatles decidieron encerrarse unos días en el estudio para producir un nuevo single. La intención era que el sencillo apareciera en el mercado mientras ellos se encontraban en la India empapándose de la sabiduría de su nuevo guía espiritual.

Así, el 3 de febrero de 1968 The Beatles regresaron a las instalaciones de EMI en Abbey Road a grabar los cortes que conformarían su nuevo single, el primero de los solamente dos que publicarían a lo largo del año. Quizá espoleados por el inminente viaje —George y John partían hacia la India el día 15 de aquel mes, Paul y Ringo les seguían el 19—, los músicos de Liverpool trabajaron de forma muy productiva, y en solo cuatro sesiones dejaron rematadas tres canciones, una compuesta por George, otra por John y otra más por Paul. Y aunque únicamente estas tres piezas eran candidatas a aparecer en el sencillo, una quinta sesión, concebida sobre la marcha en el estudio un día en el que solo estaba previsto rodar un vídeo-clip, produjo todavía una cuarta grabación: Hey bulldog, también de John, cedida a última hora al proyecto del filme Yellow submarine en vista de que You know my name (Look up the number), para la que también se había previsto ese destino, no estaba terminada.

Las otras tres piezas producidas por The Beatles eran todas pesos pesados: Lady Madonna, de McCartney; Across the universe, de Lennon; y The inner light, de Harrison, cuya pista musical se había grabado en Mumbai en enero. La selección de las canciones que debían conformar el nuevo single del grupo habría resultado francamente complicada de no ser porque el propio John renunció a la candidatura de su composición, insatisfecho como estaba con la grabación. Todos estaban de acuerdo, además, en que The inner light era un número magnífico que merecía ser publicado inmediatamente. Así las cosas, la cara A del sencillo fue asignada a la composición de Paul y la B, por primera vez, fue reservada para una canción escrita por George. Sobre el reparto de vueltas no cabía discusión alguna: Harrison podía haber compuesto una pieza con suficiente aceptación como para figurar por primera vez en un single del grupo, pero era poco menos que imposible que Lennon y McCartney le cedieran la cara A. No todavía.

Que los compositores del grupo escribían cada vez más de forma individual y con un estilo propio era evidente desde hacía tiempo. Quizá más que nunca, el contraste entre las dos canciones que conformaban el single era verdaderamente notable. La canción estrella, Lady Madonna, recuperaba el viejo R’n’R con el que The Beatles habían flirteado en sus inicios, mientras que The inner light era el último y, para muchos, el más logrado experimento de George con la música de inspiración india. El grupo había llegado a un estadio tal de perfección que era capaz de producir música magnífica enfrentándose a los más diversos géneros. Además, había acostumbrado a su público a esperar cualquier cosa: solo The Beatles se atrevían a complementar un rancio boogie-woogie, con el piano como protagonista, con un raga oriental presidido por el sonido de ignotos instrumentos indios, sabedores de que los compradores se mostrarían entusiasmados con el contraste.

Harrison había estado trabajando en Mumbai (entonces todavía Bombay) en enero de 1968, registrando temas para la banda sonora de la película Wonderwall junto a la flor y nata de los músicos locales. El plan inicial era que sus colegas viajaran días más tarde a la India para incorporarse todos juntos al curso de Meditación Trascendental que empezaba a inicios de febrero, pero distintas obligaciones profesionales lo impidieron. Así las cosas, George regresó al Reino Unido y la banda decidió dedicarle unos días al trabajo en el estudio para poder lanzar un single durante su prevista ausencia de meses. Con Lady Madonna listo para ser publicado en marzo, los cuatro músicos se sumaron a la formación impartida por Maharishi Mahesh Yogi a mediados de febrero, con el curso ya empezado.

Ventas y éxito en listas

• Reino Unido:

• • Primera entrada:
    • Debut: 26 de marzo de 1968
    • Puesto más alto: 1 (2 de abril de 1968, dos semanas)
    • Semanas en listas: 8
  • Segunda entrada:
    • Debut: 26 de marzo de 1988
    • Puesto más alto: 67 (26 de marzo de 1988, una semana; número 1: Don’t turn around, Aswad)
    • Semanas en listas: 2

• Estados Unidos:

• • Entrada única:
    • Debut: 23 de marzo de 1968
    • Puesto más alto: 4 (20 de abril de 1968, tres semanas; número 1: Honey, Bobby Goldsboro)
    • Semanas en listas: 11

Nuevo single de The Beatles. ¿Un nuevo número 1? La respuesta es sí… pero solo en el Reino Unido. El single debutó en las listas locales el 23 de marzo de 1968, en un inquietante número 11, aunque una semana más tarde ya ocupaba el primer puesto, del que desplazó a Dave Dee, Dozy, Beaky, Mick and Tich y su canción The legend of Xanadu. Tras dos semanas en lo más alto, en las que Delilah de Tom Jones se estancó en el número 2, Cliff Richard descabalgó a la composición de The Beatles con la eurovisiva Congratulations —derrotada en el festival internacional, por un solo punto, por la española Massiel y su canción La, la, la—. A pesar de su éxito innegable (250.000 copias vendidas en la primera semana, lo que supuso un disco de plata que se le concedió el 30 de marzo), Lady Madonna solo apareció durante seis semanas entre los veinte singles más vendidos del Reino Unido y ocho en el cómputo total. Además, la lista de Melody Maker le negó el primer puesto, concediéndole solo el segundo durante dos semanas (y era la primera vez desde Love me do que un single de The Beatles no coronaba esta lista), aunque Pick of the pops y New Musical Express, además de Record Retailer, sí le otorgaron el número 1, también en ambos casos casos durante dos semanas. Las demás listas ya no existían.

En la reedición conmemorativa del vigésimo aniversario de su primera aparición, Lady Madonna volvió a entrar en las listas británicas. Alcanzó el puesto 67 el 26 de marzo de 1988. Vendió unos 5.000 ejemplares. La cifra total de ventas del single en el Reino Unido ronda los 300.000 ejemplares, una de las más bajas de la discografía del grupo.

En los Estados Unidos el single se publicó el 18 de marzo de 1968 con la referencia Capitol 2138. Las ventas fueron francamente bien —un millón de copias en la primera semana no son ninguna tontería— pero, por primera vez desde que Yellow submarine se estancara en el número 2, The Beatles sufrieron un tropezón relativamente serio en las listas de éxitos: tras debutar en el Hot 100 el 23 de marzo con el número 23, Lady Madonna solo logró auparse hasta el cuarto puesto el 20 de abril siguiente, mientras el número 1 era para Bobby Goldsboro con su canción Honey. La pieza de The Beatles apareció durante once semanas en la lista de Billboard, tres de ellas en el número 4 y nueve en el Top 30. A lo largo de las tres semanas que Lady Madonna apareció en el número 4, Goldsboro conservó su número 1 y The Union Gap featuring Gary Puckett y The Box Tops se alternaron en el segundo y en el tercer puesto con Young girl y Cry like a baby. Cashbox y Record World otorgaron ambas un segundo puesto a la composición de Paul. The inner light solo consiguió colarse durante una semana en la parte baja de la lista de Billboard.

Lady Madonna recibió un disco de oro de la industria estadounidense el 8 de abril de 1968, que se convirtió en disco de platino décadas después, el 17 de febrero de 1999.

En Australia el single apareció el 29 de marzo de 1968 (Parlophone A-8293) y escaló hasta el número 1 el 20 de abril, conservándolo durante dos semanas. En la lista publicada por la revista australiana Go-Set el single apareció acreditado como Lady Madonna/The inner light, por lo que ambos temas fueron merecedores del número 1 durante las dos semanas que comenzaron el 1 de mayo de 1968.

El sencillo coronó además las listas de Austria, Nueva Zelanda, Países Bajos, Suecia y Suiza.

Repercusión social

The Beatles estrenaron 1968 con un single presidido por un tema rockero firmado por McCartney, lo que les colocó a la vanguardia del revival del R’n’R con el que los músicos de la época reivindicaban una vuelta a las raíces, pero las cosas podrían haber sido muy distintas si se hubieran presentado ante el público con la hermosísima Across the universe, una composición psicodélica escrita por Lennon. Es cierto que fue el propio John el que retiró la candidatura de su composición porque no consiguió dar con unos arreglos que le hicieran justicia, como lo es también que Paul no compitió abiertamente en esta ocasión por la primacía y se limitó a aprovechar su buena fortuna… pero las tensiones creativas eran cada vez mayores y resurgirían meses después. Lennon, además, guardaba en su corazón una íntima convicción: la de que McCartney boicoteaba inconscientemente sus composiciones en el estudio proponiendo arreglos excéntricos, mientras actuaba de forma cada vez más dictatorial cuando dirigía la grabación de temas escritos por él mismo, sin permitir sugerencias del resto de la banda. Ciertamente, Paul había asumido el control: desbordante de creatividad, se encargó incluso de diseñar el anuncio del single que se envió a los periódicos.

Lady Madonna fue el último disco de The Beatles publicado en el sello Parlophone en el Reino Unido y en el de Capitol en los Estados Unidos. A la vuelta de su viaje a la India, los cuatro músicos activaron por fin su tan anhelado sueño: un conglomerado de empresas llamado Apple. Una de sus divisiones, Apple Records, se encargó de la contratación y de la publicación de los trabajos de nuevos artistas, con distribución de EMI. The Beatles también empezaron a publicar propios sus discos atribuyéndoles el sello de Apple, aunque los números de serie siguieron siendo los de Parlophone y Capitol, empresas con las que estaban bajo contrato. La iniciativa empresarial de la banda fue el origen de casi todos los conflictos que acabaron con el mayor grupo de rock de la Historia.

Cara A

Lady Madonna (Lennon-McCartney) 2’18”

• Versión 1 de 5 de Lady Madonna
  • Variación 1 de 11: primera edición del disco y reediciones 1-7
  • Variación 4 de 11: reediciones 8-12
  • Variación 8 de 11: reedición 13

Grabación: 3 y 6 de febrero de 1968 (EMI Studios) [y 31 de enero de 1969 (Apple Studio)]
Productor: George Martin
Ingenieros de sonido: Ken Scott y Geoff Emerick

GEORGE HARRISON: Guitarra solista distorsionada, palmas, segunda voz y coros
JOHN LENNON: Guitarra solista distorsionada, palmas, segunda voz y coros
PAUL McCARTNEY: Bajo, piano, melotrón, palmas, voz principal, segunda voz y coros
RINGO STARR: Batería, pandereta y palmas

BILL POVEY: Saxofón tenor
RONNIE SCOTT: Saxofón tenor
BILL JACKMAN: Saxofón barítono
HARRY KLEIN: Saxofón barítono

LADY MADONNA (Lennon/McCartney)

Lady Madonna, children at your feet
wonder how you manage to make ends meet.
Who finds the money when you pay the rent?
Did you think that money was heaven sent?
Friday night arrives without a suitcase.
Sunday morning creeping like a nun.
Monday’s child has learned to tie his bootlace.
See how they run.
Lady Madonna, baby at your breast
wonders how you manage to feed the rest.
(Pa pa pa pa pa pa pa pa pa).
(Pa pa pa pa pa pa pa pa pa pa pa).
(Pa pa pa pa pa pa pa pa pa).
See how they run.
Lady Madonna, lying on the bed,
listen to the music playing in your head.
Tuesday afternoon is never ending
_(pa pa pa pa pa pa pa pa pa).
Wednesday morning papers didn’t come
_(pa pa pa pa pa pa pa pa pa pa pa).
Thursday night your stockings needed mending
_(pa pa pa pa pa pa pa pa pa).
See how they run.
Lady Madonna, children at your feet
wonder how you manage to make ends meet.

SEÑORA MADONNA (Lennon/McCartney)

Señora Madonna, los niños que están a sus pies
se preguntan cómo se las arregla usted para llegar a fin de mes.
¿Quién procura el dinero para pagar el alquiler?
¿Pensaba usted que el dinero caía del cielo?
La noche del viernes llega sin maleta.
La mañana del domingo repta como una monja.
El chaval del lunes ha aprendido a atarse los cordones de sus botas.
Mire cómo corren.
Señora Madonna, el bebé que tiene al pecho
se pregunta cómo se las arregla usted para alimentar a los demás.
Pa pa pa pa pa pa pa pa pa.
Pa pa pa pa pa pa pa pa pa pa pa.
Pa pa pa pa pa pa pa pa pa.
Mire cómo corren.
Señora Madonna, tumbada en la cama,
escuche la música que suena en su cabeza.
La tarde del martes es interminable.
El miércoles por la mañana no llegaron los papeles.
El jueves por la noche sus medias necesitaban un remiendo.
Mire cómo corren.
Señora Madonna, los niños que están a sus pies
se preguntan cómo se las arregla usted para llegar a fin de mes.

¿Vuelve el rock ’n’ roll? The Beatles olfatean el ambiente antes de que nadie se percate de que el viento está cambiando y, a mediados de marzo de 1968, encabezan su nuevo single con un tema de boogie-woogie: piano saltarín, batería con escobillas, vientos y una sección vocal que es puro Elvis. No, Lady Madonna no estaba a la altura de otras composiciones de McCartney lanzadas en formato de sencillo en el pasado reciente, como Penny Lane o We can work it out, pero seamos sinceros: si la hubiera publicado cualquier otro grupo, la pieza habría recibido alabanzas sin fin.

Composición

Lady Madonna es una canción esencialmente compuesta por McCartney, aunque con cierto apoyo en los textos por parte de Lennon. Suponía la aportación personal del bajista al resurgir del R’n’R más puro, una reacción que invadía el mundo de la música popular en aquellos primeros meses de 1968 y que resultaba comprensible tras un par de años de protagonismo casi absoluto de la psicodelia, un género que regaló al mundo grandes piezas y que siguió influyendo durante décadas, pero que perdió fuelle tan rápidamente como explosiva había sido su aparición en escena. 1968 sería el año de la vuelta a los orígenes, del renacimiento del rock sin aditamentos. Una vez más, y habiendo sido los mayores adalides del rock psicodélico (aunque no los más radicales en sus planteamientos), The Beatles se adelantaron a las modas y colocaron en el mercado una pieza de R’n’R con influencias del boogie-woogie, que al fin y al cabo era uno de los padres del estilo: un subgénero del blues tocado al piano, popular como música de baile. Nada más auténtico si se trataba de revisar el pasado y glorificarlo.

La nueva composición de McCartney bebía de las fuentes más puras, el R’n’R y el boogie-woogie de los músicos negros: el sonido de Nueva Orleans. Una pieza como Lady Madonna, con su animado estilo vocal y su protagonismo del piano, habría sido firmada sin ningún empacho por teclistas negros de los ’50 como Little Richard o Fats Domino, o incluso por Jerry Lee Lewis, el más negro de los rockers blancos. La interpretación vocal, por su parte, era digna del mismísimo Rey, quien de hecho realizó una grabación informal de la pieza que vio la luz en 1995:

«Suena como Elvis, ¿no? No; no, no suena como Elvis. Es Elvis; incluso esas partes en las que sube muy alto» (Ringo Starr).

En realidad, Paul había buscado inspiración directa a la hora de crear la música y el acompañamiento instrumental de Lady Madonna, hecho que nunca ocultó. La canción que McCartney utilizó como patrón para escribir la suya propia se titulaba Bad penny blues (Lyttelton) y era un viejo número con el que Humphrey Lyttelton and his Band habían logrado un pequeño éxito en el Reino Unido en 1956. La pieza, cara B del single Close your eyes (Parlophone R 4184, julio de 1956), había sido oficialmente producida por Denis Preston, pero el auténtico artífice de su particular sonido fue el ingeniero Joe Meek, futuro productor de éxito. El británico Lyttelton grababa para Parlophone pero, aunque muchas fuentes han asegurado que el registro del tema fue responsabilidad del que llegaría a ser productor de The Beatles, que acababa de ascender en esta época a responsable del sello, el artista no trabajaba con George Martin porque ambos habían tenido una agria disputa en el pasado. La intro de piano de Lady Madonna y su acompañamiento de batería con escobillas se inspiró en aquella antigua pieza, según reconoció el mismo Paul en 1968, y el comienzo del tema de The Beatles acabó siendo muy similar al de Bad penny blues, una canción que llegó al número 19 de las listas británicas el 26 de julio de 1956. Fue el primer tema de trad-jazz británico que se coló en el Top 20 local. El arreglo de Lyttleton se inspiraba por su parte en el trabajo del músico chicaguino de skiffle Dan Burley. El pianista de la banda era Johnny Parker y la batería era obra de Stan Greig.

«No se pueden reservar derechos de autor a un ritmo, y el ritmo fue todo lo que tomaron prestado. Me sentí muy halagado. Aunque a ninguno de los Beatles le interesaba el jazz tradicional, todos conocían y les gustaba Bad penny blues porque era algo bluesera y de estilo skiffle, más que un ejercicio de jazz tradicional» (Humphrey Lyttelton, 1994).

El mencionado Fats Domino (que lanzó al mercado poco después su propia versión de Lady Madonna, como diremos más adelante), sirvió de fuente adicional de inspiración para McCartney en una doble dirección: por una parte, Paul evocó su estilo vocal y decidió imitarlo expresamente… pero además, sin duda, el beatle tomó prestados elementos de una canción concreta popularizada por el artista estadounidense, Blue Monday. Compuesta por Dave Bartholomew y publicada originalmente por Smiley Lewis en la cara B de su single Down the road (Imperial 5268, enero de 1954), su letra narra las penas de un trabajador sin recursos que repasa sus cuitas de cada día, desde las del “triste lunes” del título hasta las del viernes, aunque ese día cobra la paga y el sábado puede salir a divertirse con su pareja. Como en la canción de The Beatles, el texto va repasando los días de la semana uno a uno. La versión de Fats Domino, publicada en diciembre de 1956 (Imperial 5417), se escucha en la mítica película The girl can’t help it, uno de los primeros filmes que celebró la emergente cultura ligada a la música de rock ’n’ roll.

A John, que colaboró en el redactado final de la letra de la canción de Paul, no acababa de gustarle la composición, aunque le reconocía algunas virtudes. Ringo fue algo más laudatorio.

«Buena frase de piano, pero la canción nunca fue realmente a ningún sitio. Tal vez le ayudé en parte con la letra, pero de todas formas no estoy orgulloso de ella» (John Lennon, 1980).

«Yo la describo como “rock-en-plan-swing”. (…) Paul la hizo originalmente al piano, con un toque a lo Fats Waller. Lady Madonna es el disco de rock ’n’ roll de The Beatles. Llevamos intentando hacer un disco de rock ’n’ roll decente desde que empezamos y, tal como yo lo veo, aún no hemos hecho ninguno decente. Este es otro intento; está bastante cerca de serlo. Si nos juntamos para una jam session o algo así, entre grabaciones, invariablemente empezamos a tocar los acordes y ritmos básicos del rock en cuanto cogemos nuestros instrumentos. Si hubiéramos sacado este disco en otro momento, quizá hace unos meses o así, nadie lo habría llamado rock ’n’ roll, pero ahora todo el mundo le pone esa etiqueta, porque está de moda» (Ringo Starr, 1968).

«Lo que pasa con Lady Madonna es… La gente dice que es un disco de rock ’n’ roll porque el rock ’n’ roll de repente está en todos los titulares debido al gran renacimiento. Fue una idea original de Paul. Lo que hace en el piano es algo así como Bad penny blues. George Martin dijo que habían usado escobillas en esa canción, así que usé escobillas e hicimos una toma solo con las escobillas y el piano. Entonces Paul decidió cantarla con su voz tipo Elvis. Ahora todo el mundo quiere que vuelva el rock, así que dicen que es un disco de rock. Están etiquetando como rock Fire brigade, de The Move, y el nuevo disco de Elvis, Guitar man. Si la gente no hubiera estado mentando “el gran renacimiento del rock ’n’ roll”, lo más probable es que aun así hubiéramos hecho este disco, y simplemente habría sido el nuevo single de The Beatles. Los primeros tiempos del rock ’n’ roll fueron los mejores tiempos para mí porque tenía exactamente la edad adecuada, pero ni siquiera estoy seguro de que las reediciones de los viejos discos de rock vayan a vender. Para nosotros, no es más que nostalgia» (Ringo Starr, 1968).

«No es rock puro y duro, pero es algo del estilo. Creemos que ha llegado el momento» (Paul McCartney, 1968).

«Lady Madonna es como el material de los inicios del rock. Nunca nos hemos alejado de él. No hay un álbum de The Beatles sin algo de rock ’n’ roll. Me refiero a que Sgt. Pepper es una canción de rock ’n’ roll y Good morning good morning era rock ’n’ roll bastante puro, excepto por algunos ritmos extraños» (John Lennon, 1968).

Como venía haciendo desde que compuso Eleanor Rigby, McCartney escribió una letra en la que desarrollaba una pequeña historia que reflejaba preocupaciones de cierto contenido social. Una vez más, el bajista abordaba el tema de la soledad y la vulnerabilididad, esta vez desde un punto de vista cuasifeminista y, en todo caso, como un homenaje a las sufridas amas de casa —sobre todo, aparentemente, las de clase media-baja, las de su propia extracción social, a las que les tocaba bregar en solitario para sacar adelante a su prole—.

«La señora Madonna es todas las mujeres. ¿Cómo lo hacen?, benditas sean; de eso va, ya sabes. Dando el pecho al bebé, ¿cómo conseguís tener tiempo para alimentarles? ¿Dónde consiguen el dinero? ¿Cómo se hace lo que hacen las mujeres?» (Paul McCartney, 1986).

El texto de la canción contiene pasajes crípticos, como el que se refiere a reptar “como una monja”. Por aquel entonces, según recuerda Antonio Cillero, se debatía intensamente en el Reino Unido sobre la píldora anticonceptiva y en torno a la controvertida postura moral adoptada por la Iglesia Católica, que se oponía a su uso. La mención en la letra de la composición a una monja y el hecho de que la “señora Madonna” fuera una mujer con una pequeña tropa de hijos a su cargo provocó la impresión, quizá no desacertada, de que la canción contenía referencias irónicas a la siempre conservadora Iglesia Romana. El mismo nombre que Paul eligió para la protagonista de su canción no fue ajeno a la polémica: tanto “Lady” (“Señora”) como “Madonna” (“Nuestra Señora”) son títulos utilizados, en inglés y en italiano respectivamente, para referirse a la Virgen María, madre de Jesús de Nazareth.

No era por casualidad: Paul nació en Inglaterra, una nación del Reino Unido en la que el anglicanismo es la religión oficial, pero, como buena parte de la población de Liverpool, contaba con ancestros irlandeses y se había criado en un ambiente católico. Su madre, de hecho, le había bautizado en dicha fe, a lo que no se opuso el agnóstico de tradición religiosa protestante James McCartney. Fue este poso de educación católica el que inspiró las referencias que aparecen en la letra de la composición, según reconoce el mismo Paul en la cita siguiente. Además, al parecer, Mary McCartney era la verdadera Lady Madonna en la que Paul pensaba mientras escribía la canción.

«Lady Madonna empezó siendo la Virgen María, luego fue una mujer de clase trabajadora, de las que obviamente hay millones en Liverpool. La gente que me rodeaba cuando crecía eran en su mayoría católicos. Hay muchas católicas en Liverpool debido a la conexión irlandesa y a menudo son muy religiosas. Cuando tienen un bebé, creo que perciben una gran conexión entre ellas y la Virgen María con su bebé. Así que el concepto original era la Virgen María, pero rápidamente se convirtió en el símbolo de todas las mujeres: la imagen de la Madonna, pero aplicada a la mujer corriente de clase trabajadora. En realidad es un homenaje a la figura de la madre, un homenaje a la mujer. Your mother should know es otro. Creo que las mujeres son muy fuertes, aguantan un montón de mierda, aguantan el dolor de tener un hijo, de criarlo, de cocinar para él, están básicamente en paños menores gran parte de sus vidas, así que siempre quiero rendirles homenaje» (Paul McCartney, 1997).

«El hecho de que mi madre Mary muriera cuando yo tenía catorce años es algo que nunca he superado. Una canción que retrata a una madre muy presente y cariñosa está necesariamente influida por esa terrible sensación de pérdida. La pregunta sobre cómo se las arregla la señora Madonna para “alimentar a los demás” me resulta especialmente conmovedora, ya que no hace falta ser psicoanalista para darse cuenta de que yo mismo fui uno de “los demás”. Quizá me sentía excluido. En realidad es un homenaje a la figura de la madre, un homenaje a la mujer» (Paul McCartney, 2021).

«Lady Madonna es una pieza de piano, un blues para piano. La idea vino de la imagen de la Virgen con el Niño. Iba a ser una canción sobre madres criando a sus hijos, como un tributo: ¿Cómo lo hacen en realidad? ¿Cómo consiguen mantener a toda la familia? Esa era la idea, lo que dice la letra: “Señora Madonna, el bebé que tiene al pecho se pregunta cómo se las arregla usted para alimentar a los demás”, mientras están ocurriendo todas estas cosas. Una cosa extraña de la que me he dado cuenta últimamente es que en la letra se mencionan todos los días de la semana excepto el sábado. Por alguna razón el sábado desaparece. Imagino que debió haber sido una noche de fiesta, porque, si escuchas la letra, dice: “La noche del viernes llega sin maleta. La mañana del domingo repta como una monja”. Así que imagino que debió ser un buen sábado. Nunca me di cuenta hasta que volví a ensayarla. Es lo bueno de reaprender estas canciones. De repente me doy cuenta de que me dejé un día» (Paul McCartney, 1992).

En realidad, la chispa original de inspiración que encendió la fuerza creativa de McCartney fue una fotografía de Howard Sochurek publicada en las páginas 58 y 59 del ejemplar de enero de 1965 de la revista National Geographic, cuyo título a pie de foto le sugirió incluso el de la canción: “Mountain Madonna”. Es el retrato de una mujer vietnamina malayo-polinesia que sostiene a uno de sus hijos en brazos mientras lo amamanta. A su lado, otro miembro de su prole se ríe mirándola y hay todavía un tercer niño a su espalda. La fotografía ilustraba un largo artículo de veintiocho páginas titulado “American Special Forces in action in Viet Nam”, firmado también por el fotógrafo.

«En un ejemplar en particular que vi en los sesenta aparecía una mujer, y parecía muy orgullosa y tenía un bebé. Y vi aquello como una especie de cosa tipo Madonna, madre e hijo, y yo, sencillamente… Ya sabes, a veces ves fotos de madres y te dices: “Es una buena madre”. Se nota que hay un vínculo, y esa foto me afectó. Así que me inspiré en esa foto para escribir Lady Madonna, mi canción» (Paul McCartney, National Geographic, 2017).

Algunas interpretaciones contemporáneas de la letra fueron más lejos y llegaron a la conclusión de que la señora Madonna tenía una particular forma de conseguir “llegar a fin de mes”: haciendo pasar un buen rato a cierto tipo de clientes. Al fin y al cabo, como también recuerda la letra, el dinero no cae del cielo. Así, de ser cierta esta teoría, las referencias a los días de la semana incluirían la descripción del personaje con el que se había citado la señora Madonna a lo largo de cada una de las jornadas; de forma que, por ejemplo, el cliente del viernes por la noche llegaría sin maleta y el del domingo por la mañana sería el que repta como una monja —quizá porque, con los niños en casa, conviene no hacer ruido—, mientras que el del lunes da la impresión de ser poco más que un niño al que ya no hay que atarle los cordones. Puede que McCartney no quisiera ir tan lejos… o quizá sí: Richie Unterberger seguía defendiendo esta interpretación de los versos décadas después.

Mark Hertsgaard tiene una explicación más convencional para la letra de Lady Madonna: la protagonista, una madre soltera, no puede permitirse escapadas de fin de semana (“la noche del viernes llega sin una maleta”), no tiene dinero y vive de subsidios públicos que cobra los miércoles, razón por la cual “la tarde del martes es interminable”. Alguna fatalidad burocrática ha sido la causa de que “el miércoles por la mañana” no hayan llegado “los papeles”, lo que explica la preocupación del jueves por una simple carrera en las medias.

El hecho es que la letra de Lady Madonna no es tan simple como parece en un principio. De hecho, algunos fans llegaron a la conclusión contraria a la expuesta en la primera teoría: que The Beatles habían decidido renunciar a su acercamiento a las religiones orientales y abrazaban con ahínco la fe católica. McCartney, para liar más las cosas, se permitió además el lujo de incluir unos cuantos juegos de palabras, todos ellos alrededor de la frase “mire cómo corren” (extraída de la rima infantil Three blind mice y utilizada por John muy recientemente en I am the walrus). Porque, ¿qué o quiénes corren? ¿Los clientes, en el caso de que la canción se refiera efectivamente a ellos y la protagonista de la canción sea una esforzada prostituta? ¿Los niños? ¿Los cordones de las botas? ¿Las medias que necesitan un zurcido, al final de la canción? La pieza, por cierto, incluye al menos dos referencias más a rimas infantiles inglesas. Monday’s child es una vieja cantinela que asigna una característica distinta, física o de carácter, a los niños nacidos en cada uno de los días de la semana. Los nacidos en lunes, por ejemplo, tienen un rostro hermoso (“Monday’s child is fair of face”), mientras que los que vienen al mundo en miércoles están llenos de dolor (“Wednesday’s child is full of woe”… y de ahí el nombre de Wednesday o Miércoles, la siniestra hija de la Familia Addams). Por otro lado, la numerosa prole de la señora Madonna tenía su correlato en una de las rimas infantiles inglesas más añejas, There was an old woman who lived in a shoe, cuya protagonista era una anciana que vivía en un zapato y que “tenía tantos hijos que no sabía qué hacer”.

«Lo que más me gusta de la canción es la frase recurrente “mire cómo corren”. Viene de la canción infantil Three blind mice, con aquella salvaje mujer del granjero que les corta el rabo [a los ratones] con un cuchillo de trinchar. Esa referencia otorga un aire ligeramente oscuro a la canción. En cualquier caso, la palabra “run” también hace referencia a las medias. Uno de los recuerdos que conservo de mi infancia es que, además de otros problemas bastante más importantes a los que se enfrentaban las mujeres, siempre estaban remendando sus medias: “El jueves por la noche sus medias necesitaban un remiendo”» (Paul McCartney, 2021).

También es posible que las citas de McCartney referidas al martes y al miércoles pretendieran evocar explícitamente dos composiciones pop recientes. La primera era un tema de The Moody Blues publicado en el álbum Days of future passed (Deram DML 707/SML 707, 10 de noviembre de 1967). La cara B del LP incluía tres cortes (The afternoon, Evening y The night) y los dos primeros se subdividían además en otros dos. El primer tema de The afternoon llevaba por título Forever afternoon (Tuesday?) (Hayward), su primer verso rezaba “Tuesday afternoon” y fue publicado como single en los Estados Unidos en mayo de 1968 con el título Tuesday afternoon (Forever afternoon) (Deram 45-85028). La segunda de las posibles referencias es Wednesday morning, 3 a.m. (Simon), el tema que cierra y da título al primer álbum de Simon & Garfunkel (Columbia CL 2249/CS 9049, 19 de octubre de 1964).

Definitivamente, y a pesar de que la música de las nuevas composiciones de The Beatles volvía a los orígenes, algo había cambiado irremisiblemente: la letra. Los textos de muchas de las canciones del doble álbum The Beatles, que vería la luz a finales de 1968, incluirían por ejemplo un elemento que los compositortes del grupo habían cultivado con cierta mesura hasta entonces, pero para el que demostraron ser unos maestros: el humor, en cualquiera de sus vertientes, ya fuera sátira, ironía, caricatura o simple broma. McCartney, en concreto, escribió a lo largo de 1968 algunas de sus más imaginativas letras, entre las que hay que citar la de Hey Jude, la de Back in the U.S.S.R. o la de Rocky Raccoon. Y, por supuesto, la de Lady Madonna.

«Me gusta la letra: el trocito de “el bebé que tiene al pecho”. De hecho, decir “el bebé que tiene al pecho” en una canción pop era un poco arriesgado para la época. Aunque en realidad no es tan controvertido, porque todos los pintores han hecho una “Madonna con Niño”» (Paul McCartney, 2018).

«No sabría decir qué significa la letra, porque solo Paul sabía lo que tenía en la cabeza. Paul compuso la canción en casa» (Ringo Starr, 1968).

La estructura de la pieza es en cierto sentido particular: Lady Madonna carece por completo de estribillo y está construida exclusivamente con los mimbres de unas breves estrofas de dos versos y un puente de cuatro. La canción comienza con una intro instrumental que reproduce la música de las estrofas. Siguen dos estrofas, un puente, otra estrofa, un puente instrumental (con coros que imitan a los instrumentos de viento-madera), otra estrofa, una estrofa instrumental (protagonizada por los auténticos saxos), un puente con versos distintos a los del primero, una estrofa que repite el texto de la del inicio y una breve coda instrumental. En el manuscrito que se conserva, la canción aparece en su encarnación casi definitiva, con tres únicas variantes menores: “Sunday morning creeps in like a nun” se convertiría en “creeping”, “wonders how you’ll manage to feed the rest” transmutaría en “you” y la cuarta estrofa, que aparece detrás del tercer puente, acabaría siendo trasladada delante del mismo.

Según testimonio de uno de los vecinos de Paul en su granja de Escocia, McCartney ya tenía compuesta Lady Madonna a principios de diciembre de 1967 y, durante una visita a la zona con Jane Asher, tocó la pieza al piano en un pub para la concurrencia local. De hecho, la propia Cilla Black afirmó que Paul le mostró la canción semanas antes de grabarla, cuando la artista trabajó junto a McCartney en el estudio a finales de noviembre para registrar una maqueta de la composición Step inside love. Según Black, originalmente la canción era un tema de blues, más densa y pausada.

Arreglos instrumentales y vocales

Lady Madonna era una pieza que hacía revivir el rock ’n’ roll básico de los ’50 y que se grabó sin recurrir a artificios de estudio, pero The Beatles mimaron los arreglos. George y John tocaron a la vez un mismo riff de guitarra solista distorsionada, Ringo se encargó de ejecutar dos pistas distintas de batería, una de ellas con escobillas, y Paul se hizo cargo de su bajo habitual. Harrison, Lennon y McCartney recordaron los viejos tiempos añadiendo un arreglo de palmas, acompañaron la interpretación vocal principal del propio Paul como segundas voces e incluso imitaron el sonido de unos saxos con las manos ahuecadas frente a la boca. Escuchamos también cuatro saxofones reales y una pandereta. Pero el protagonista principal de la canción es sin duda el extraordinario piano tocado por McCartney.

El instrumento en el que Paul interpretó el arreglo de Lady Madonna tenía una larga historia a sus espaldas. Era un viejo Steinway Vertegrand que EMI había adquirido en 1905 y que había sido modificado siguiendo las instrucciones del ingeniero de sonido Stuart Eltham para que sonara como una antigualla: los macillos fueron tratados con barniz para que el sonido generado evocara al de un piano preparado y siempre estaba ligeramente desafinado para que pareciera un viejo instrumento de bar. La artista de Parlophone que más partido sacaba del viejo instrumento era Mrs. Mills, una popular intérprete de piezas de music hall que había comenzado su carrera discográfica poco antes que The Beatles, y el piano acabó siendo popularmente etiquetado con su nombre. Los de Liverpool ya habían utilizado el instrumento para grabar temas como She’s a woman, I want to tell you, Penny Lane, Only a northern song y With a little help from my friends, y lo rescatarían en el futuro en las grabaciones de Ob-la-di, ob-la-da y Rocky Raccoon, pero nunca le sacaron tanto jugo como en el caso de Lady Madonna. Paul McCartney intentó décadas después que EMI le vendiera el mítico piano, pero la discográfica se negó a deshacerse de él. Dhani Harrison, el hijo de George, también lo ha utilizado para grabaciones de su banda, thenewno2. En el álbum de Eddie Vedder Earthling (Republic Records B0034911-01, 29 de julio de 2022) se incluye una canción titulada Mrs. Mills (Vedder/Wotman/Klighoffer), con Ringo Starr a la batería.

«El piano… todavía está allí, de hecho, en Abbey Road, pero solíamos llamarlo el piano de Mrs. Mills, porque había una pianista que solía hacer esa especie de… ataque. Pero el piano de Mrs. Mills inspiró eso. Ya sabes, quiero decir, la escribí en casa, pero era algo así como: “Tengo que hacer esto en ese pequeño piano funky”» (Paul McCartney, 2021).

«De todos los beatles, Paul era el músico con más talento. Cuando le conocí no sabía tocar el piano. Pasó muy poco tiempo desde entonces hasta Lady Madonna, que es un tema de piano muy complicado y extremadamente bueno, tocado enteramente por Paul, y una medida de su gran musicalidad» (George Martin, 1994).

Al inicio de la grabación escuchamos la batería de Starr tocada con escobillas, remedando el sonido de Bad penny blues. El arreglo más tradicional, con baquetas, se superpone a la percusión original a la vez que debuta la voz de McCartney. Ringo ha recordado que la banda consultó expresamente a George Martin sobre el sonido de Bad penny blues y sobre la técnica que se utilizó para conseguirlo… pero el productor no estaba en condiciones de dar detalles muy precisos en torno a la antigua sesión porque se había peleado con Humphrey Lyttelton años atrás y no trabajaba en el registro de sus discos: durante una jornada de trabajo de principios de los ’50, antes de dirigir Parlophone, Martin había afeado el trabajo del bajista de la banda y Lyttelton entró en cólera. Oscar Preuss, cabeza de Parlophone y mentor de Martin, forzó al joven productor a pedir disculpas y llegó a amenazarle con la pérdida de su empleo si Lyttelton abandonaba el sello.

«Musicalmente, yo tenía razón. Diplomáticamente, me equivoqué. El tacto es la condición sine qua non de un productor discográfico. Hay que mantener una línea muy fina entre, por un lado, someterse a todos los caprichos de un artista y, por otro, poner toda la carne en el asador. Tuve que aprender a salirme con la mía sin que el intérprete se diera cuenta de lo que estaba pasando. Tienes que liderar más que conducir» (George Martin).

Paul, que además toca su habitual bajo, canta en un registro muy grave, imitando el fraseo habitual de Fats Domino y vocalizando como si fuera Elvis Presley.

«Lady Madonna era yo sentado al piano tratando de escribir un tema de boogie-woogie bluesero. Hice que mi mano izquierda hiciera un arpegio con el acorde, un boogie-woogie ascendente con la izquierda, y luego un descenso con la derecha. Siempre me gustó eso, la yuxtaposición de una línea descendente con una ascendente. Básicamente era eso. Por alguna razón me recordó a Fats Domino, así que empecé a cantar imitando a Fats Domino. Llevó mi voz a un lugar muy extraño» (Paul McCartney, 1997).

«Con canciones así me gusta cambiar un poco mi voz, así que intento poner una voz más salvaje» (Paul McCartney, 2021).

McCartney forzó tanto su estilo vocal para interpretar esta canción que confundió al respetable y a la crítica: cuando el disco salió al mercado muchos creyeron que el vocalista de Lady Madonna era Ringo. Cashbox llegó a afirmarlo en la crítica al single publicada inmediatamente después de su lanzamiento: “The Beatles refrenan el paso en su progresismo con esta pieza rítmica que cuenta con Ringo Starr en una poco frecuente aparición vocal, con arreglos de rock duro y kazoo y una letra que expone, con un grano de sal, las dificultades de la clase trabajadora”. El propio Ringo admitió que la confusión había sido común entre los oyentes. A su vuelta de la India, semanas después de publicado el single, y preguntado sobre el particular, comentó:

«Sí, a mucha gente se lo pareció. A mí no me suena a mí» (Ringo Starr, 1968).

La labor instrumental de Harrison y Lennon fue paralela: ambos se encargaron de tocar dos guitarras solistas que ejecutaban el mismo arreglo. Los dos instrumentos, distorsionados, estaban enchufados en el mismo amplificador. Los guitarristas complementaron su labor participando en la grabación como coristas, segundas voces y palmeros, con el apoyo en los tres casos de McCartney. El sonido más original de Lady Madonna es el arreglo vocal en el que los tres músicos imitan, con las manos ahuecadas alrededor de la boca, el sonido de unos instrumentos de viento-madera durante el primer solo instrumental y como acompañamiento de la última estrofa. The Beatles remedaban en este caso un truco habitual de The Mills Brothers, un cuarteto vocal estadounidense al que admiraban sinceramente.

«Hay un sonido precioso en Lady Madonna, como de trompetas apagadas, o un kazoo, o algo así. Pero, en realidad, solo son John y Paul tarareando con las manos en un micrófono. Descubrimos ese sonido por pura casualidad. Acabábamos de grabar una parte del disco y John y Paul empezaron a tararear en el micrófono con las manos juntas alrededor de la boca. Cuando reprodujimos el trozo de cinta con esta parte inserta al final, sonaba muy bien, así que decidimos utilizarla» (Ringo Starr, 1968).

Pero, como decíamos, también hay saxos reales en Lady Madonna, dos tenores y dos barítonos. El solo instrumental es obra de Ronnie Scott, que sopla su saxofón tenor, aunque en la mezcla original de la canción el instrumento apenas tiene protagonismo. En las versiones del tema publicadas en Anthology 2 (1996) y Love (2006) este pasaje gana muchísima presencia, y McCartney ha confirmado que el saxo se puso al frente en ambas mezclas de manera intencional: Paul, aunque hubieran pasado décadas, pretendía lanzar un guiño al músico, que se había quejado públicamente del tratamiento que se le había dado a su trabajo en el single original. Su interpretación incluía un motivo instrumental que cerraba la grabación y que había sido completamente eliminado en la mezcla primigenia.

«Por fin se oye al saxofonista Ronnie Scott. (…) Vino a la sesión, tocó genial pero, por supuesto, en la mezcla lo enterramos. Cuando lo oyó en la radio, dijo: “¿Qué le habéis hecho a mi solo?”. Así que en Love, al final de Lady Madonna, ¡por fin se oye a Ronnie!» (Paul McCartney, 2006).

«Como de costumbre, Paul buscaba un tipo distinto de sonido, así que cogí el mismo micrófono barato que habíamos utilizado para la voz principal de John en I am the walrus y lo coloqué muy abajo, en la boca del saxo, lo que produjo un tono con los medios amortiguados» (Geoff Emerick, 2006).

Grabación

Lady Madonna fue la primera de las piezas que The Beatles comenzaron a grabar en las sesiones celebradas en febrero de 1968. Solo fueron necesarias dos jornadas de trabajo, ninguna dedicada con exclusividad a la canción, para completar la grabación de la pieza. El 3 de febrero, y entre las dos y media y las seis de la tarde, Paul y Ringo abordaron el registro de tres tomas de la pista básica, el primero al piano (y cantando para guiar la interpretación, rindiendo un aporte vocal que no se pretendía que fuera definitivo) y el segundo a la batería, tocada con escobillas. The Beatles habían vuelto a las esencias del R’n’R, pero los usos de grabación adquiridos en los últimos tiempos no habían variado: las canciones seguían registrándose capa a capa. La primera toma fue incompleta. Batería y piano (grabado con un viejo micrófono para acentuar el sonido de época) quedaron registrados en la pista 1.

Luego, entre las siete de la tarde y la una y media de la madrugada y sobre la toma tres, se acometieron varias sobregrabaciones, descritas de forma distinta por diversos autores: George y John grabaron sus guitarras gemelas, ambas distorsionadas y ambas enchufadas al mismo amplificador, Paul registró su bajo y Ringo incluyó una segunda pista de batería, esta vez tocada con baquetas. Hasta aquí el consenso de los cronistas.

Según Dave Rybaczewski, que parece seguir a Kevin Howlett y su descripción de la grabación tal como quedó plasmada en el libro que acompañó la edición deluxe de The Beatles, todos los instrumentos, tocados simultáneamente, se registraron en la pista 2, aunque tanto John C. Winn como la web The Beatles Bible afirman que fueron volcados en las pistas 2 y 3 (probablemente piano y batería en una de ellas y guitarras en la otra). Según Howlett y Rybaczewski, McCartney grabó a continuación su pista vocal principal, registrada con saturación, mientras Lennon imitaba con su boca el sonido de una tuba y los cuatro músicos añadían palmas (pista 4) y, posteriormente Harrison, Lennon y McCartney registraron las segundas voces y los coros, remedando el sonido de los vientos con las voces y con las manos sobre la boca (pista 3). Este arreglo se incluyó en el pasaje del solo instrumental y sobre la última de las estrofas. Howlett afirma que Starr participó en la grabación de las voces de acompañamiento pero, incongruentemente, no le asigna esa labor en el cuadro inicial en el que enumera las tareas asumidas por cada uno de los músicos. Las declaraciones contemporáneas de Ringo, en las que atribuye los coros a Lennon y McCartney en exclusiva (sin citar, por cierto, a Harrison), llevan a concluir que el batería no tuvo participación vocal en la grabación de Lady Madonna. Al principio de esta toma de sobregrabación se escucha a George y a Ringo comiendo patatas fritas (Harrison sugiere a Starr que escriba a la empresa que las comercializa y les pida que pongan a la venta una versión con sabor a Marmite, una pasta saborizante, y el batería contesta que no le gusta su sabor) y, al final, Lennon entona con la voz impostada un verso improvisado: “Lady Madonna-ha-ha-ha”.

The Beatles Bible y Winn aseguran que la voz principal de Paul y las segundas voces, que atribuyen únicamente a George y a John, se registraron a la vez en la pista 4.

Según Howlett, la grabación original de Lady Madonna incluía además pistas adicionales de melotrón (armonio tocado por McCartney y órgano Hammond tocado por Lennon según Walter Everett) y de pandereta, batida por Ringo, que se escucha en el segundo puente. Rybaczewski menciona que su registro fue simultáneo al de las segundas voces de la pista 3. Richie Unterberger afirma que estos añadidos, juntos a algunas improvisaciones vocales, fueron efectivamente registrados pero no fueron finalmente utilizados. Aquel mismo día The Beatles enfrentaron las primeras tomas de Across the universe.

Tres días después, y tras trabajar en The inner light entre las dos y media de la tarde y las ocho de la noche, The Beatles remataron Lady Madonna… aunque en ausencia de Starr, que había sido invitado a participar en la emisión en directo del primer capítulo del programa televisivo Cilla, presentado por Cilla Black. Después de un descanso de una hora que los tres musicos probablemente aprovecharon para ver a su compañero Ringo en televisión (su aparición se emitía de ocho a nueve de la noche), se procedió a encarar una mezcla de reducción (toma 4), que combinaba las pistas 3 y 4 en esta última. Según Winn y The Beatles Bible, Paul añadió entonces una segunda interpretación vocal, que doblaba a la primera en el segundo “see how they run”, y grabó una segunda pista de piano que reforzaba sobre todo la introducción, con lo que la canción ya contaba con doble piano, doble batería y doble interpretación vocal principal, todo ello sin recurrir al ADT que tanto había entusiasmado al grupo en años anteriores. Siguiendo con esta versión de los hechos, McCartney se unió entonces a Lennon y Harrison en la grabación de las segundas voces de los versos que remataban los puentes (“see how they run”) y se añadieron las palmas y los coros que imitaban el sonido de los saxos. Tal como describen el proceso de grabación John C. Winn y The Beatles Bible, se sumó un breve arreglo de órgano durante el añadido de la segunda pista vocal de McCartney y, a la vez que George, John y Paul imitaban con sus voces el sonido de los vientos, alguien agitaba una pandereta. Incongruentemente, estos dos instrumentos no aparecen citados en la propia web en el apartado que indica las labores vocales e instrumentales de cada participante. Según Howlett y Rybaczewski, recuérdese, todos estos añadidos habían quedado rematados en la primera de las sesiones de grabación.

Después de haber registrado los coros que imitaban el sonido de unos saxofones, Paul sintió la necesidad de sumar también un sonido real de instrumentos de viento. The Beatles trabajaban contra reloj y hubo que reclutar inmediatamente a cuatro saxofonistas que pudieran acudir al estudio aquel mismo día. El bueno de George Martin tuvo que recurrir a los buenos oficios de Laurie Gold, encargado de organizar las sesiones en los estudios de EMI, para que resolviera la papeleta en cuestión de horas. Aquella misma noche los músicos de sesión estaban a disposición de los de Liverpool: el primer contactado fue Harry Klein, saxofón baritóno, a quien Gold pilló en el baño. Klein sugirió el nombre de Ronnie Scott, dueño y fundador del club de jazz Ronnie Scott’s Jazz Club en el Soho londinense, para que se hiciera cargo del saxofón tenor. Según Winn y The Beatles Bible, hubo que proceder a una nueva reducción de pistas para registrar los cuatro saxofones (toma 5). Howlett no menciona esta reducción de pistas, pero sí lo hace Mark Lewisohn, que además coincide en afirmar que buena parte del trabajo de sobregrabación se desarrolló en la segunda sesión dedicada a Lady Madonna.

The Beatles habían convertido en costumbre no tener preparados los arreglos cuando llegaban sus artistas invitados, y esta vez habría sido poco menos que imposible contar con una partitura que sirviera de guía: los músicos habían sido reclutados como consecuencia de una idea de última hora. Los saxofonistas tuvieron que quedarse trabajando en el estudio hasta entrada la madrugada, perfeccionando su interpretación bajo las órdenes de Paul. El salvaje estilo del solo de Ronnie Scott probablemente refleja el soberano cabreo que le provocó tener que trabajar sin indicaciones precisas. Al final, entre quince y veinte segundos de la pista de saxo, correspondientes al puente instrumental de la pieza, fueron suprimidos en la mezcla.

«Estaban muy apurados por encontrar cuatro músicos y llamaron a Laurie para que les consiguiera algunos. Yo estaba en el baño a eso de las seis y media de la tarde cuando Laurie me llamó y me dijo: “¿Trabajas esta noche?”. “No, ¡estoy en el baño!”. “Bueno, vete zumbando a EMI tan rápido como puedas… ¿Y dónde puedo encontrar un intérprete de tenor?”. Le sugerí que llamara a Ronnie Scott, el tipo que dirige el club de jazz de Londres, y, efectivamente, cuando llegué a Abbey Road, Ronnie estaba allí, junto con Bill Jackman y Bill Povey. Paul no reconoció a Ronnie Scott hasta que le dijimos quién era.
»No había música escrita, pero tocamos algunos riffs hasta que a Paul le gustó lo que oía. Luego lo grabamos… ¡ciento una veces! Recuerdo que había una gran pila de libros de meditación en un rincón del estudio, como en la trastienda de la oficina de un editor, y también recuerdo que nos preguntaron si queríamos comer algo. Esperábamos una comida estupenda, ¡pero a los pocos minutos alguien volvió con pastel y patatas fritas!» (Harry Klein, 1988).

«No solo no había música preparada para que la siguiéramos, sino que, cuando Paul nos sugirió algunos acordes, nuestra primera reacción fue mirarnos unos a otros y decirnos: “Bueno, ¿quién toca qué?”» (Bill Povey).

«Paul repasó la canción al piano y cada uno recibió un trozo de papel manuscrito y un lápiz para escribir algunas notas. Si hubiera habido música, habríamos acabado en diez minutos. Nos llevó casi toda la tarde grabarla en la mayor, con la pista rítmica en los auriculares» (Bill Jackman, 1988).

A pesar de lo que afirma Harry Klein en la cita de más arriba, McCartney asegura que conocía personalmente a Ronnie Scott y sugiere que fue idea suya invitarle a participar en la grabación:

«Conocía a Ronnie, quedaba con él en el Soho e iba mucho a su club de jazz. Le dije: “Necesitamos un buen solo de saxo salvaje”. Vino a la sesión ¡y lo tocó genial!» (Paul McCartney, 2021).

Ninguno de los cuatro saxofonistas convocados de forma repentina a esta sesión había trabajado antes con The Beatles, aunque todos volverían a hacerlo a lo largo de 1968: Bill Povey tocó el trombón en Revolution 1; Bill Jackman, la flauta en Hey Jude; Harry Klein, el saxofón en Honey Pie y en Savoy truffle; y Ronnie Scott, muy probablemente, fue uno de los intérpretes de saxofón en Ob-la-di, ob-la-da.

De nuevo según Winn y The Beatles Bible, todavía hubo tiempo para pulir los últimos arreglos: unas segundas voces armónicas en los versos “see how they run” y más palmas y más coros imitando saxofones. La sesión terminó a las dos de la madrugada, después de que se prepararan dos mezclas monoaurales que fueron descartadas más adelante.

Durante las sesiones que produjeron el álbum Let it be, The Beatles reinterpretaron una buena cantidad de antiguas composiciones propias. Por regla general solo lo hacían por diversión, pero algunas, incluyendo entre ellas Lady Madonna, fueron objeto de revisiones algo más acabadas: en la sesión postrer dedicada al álbum, la del 31 de enero de 1969, The Beatles rehicieron esta pieza de Paul, además de grabar las tomas definitivas de The long and winding road, Let it be y Two of us. Toda la sesión fue registrada en película y buena parte de la misma aparece en el filme Let it be. Era la tercera vez que The Beatles atacaban la canción durante las sesiones del proyecto Get back. Lo habían hecho antes el 7 de enero, en los Twickenham Film Studios, y el 24 de enero, ya en el Apple Studio (en este último caso se trató apenas de un verso suelto cantado por John, con acompañamiento de Paul en la última palabra). Solo unos meses atrás, el 5 de septiembre de 1968, Paul había improvisado en el estudio una interpretación de Lady Madonna que ha trascendido al mercado del disco pirata: sentado al órgano mientras el grupo grababa While my guitar gently weeps, improvisó en solitario una interpretación de su composición tras concluir la grabación de la toma 40 de la creación de Harrison.

La versión de Lady Madonna registrada el 31 de enero de 1969, con Billy Preston a los teclados y con una rima improvisada (“Lord and Lady Docker, in your private yatch, all the people wonder why you have such a lot!”), llegó a ser mezclada el 11 de marzo de 1969 bajo la dirección de Glyn Johns. Sin embargo, la calidad de la toma dejaba mucho que desear y fue descartada como posible número de álbum y película. A día de hoy sigue siendo un corte oficialmente inédito.

Al igual que otras canciones recientes del grupo, Lady Madonna fue citada por John Lennon en su composición Glass onion, incluida en el doble LP The Beatles, de 1968. También Ringo Starr incluyó pasajes musicales de la pieza de McCartney en el remake de su propia canción Back off Boogaloo, incluido en su álbum Stop and smell de roses (RCA RCALP 6022, 20 de noviembre de 1981) como número de cierre.

Versiones, variaciones y reediciones

Versiones

1. La grabación original de estudio, aparecida por primera vez en el single Lady Madonna (Parlophone R 5675, 15 de marzo de 1968).
2. Una mezcla artificial de la canción, que combina elementos de la toma 3 del 3 de febrero de 1968 (la pista básica de piano y batería con sobregrabaciones de voces, guitarras, bajo y más batería) con elementos añadidos en la sesión del 6 de febrero sobre la toma 4, una reducción de pistas de la anterior (en particular los saxofones, mezclados en esta ocasión con mucha mayor presencia e incluyendo algunos riffs que fueron eliminados en la mezcla original). El acorde final de piano, acortado de forma diferente en las mezclas mono y estéreo de la versión 1, suena hasta su fundido natural. Fue publicada en Anthology 2 (Apple PCSP 728/TCPCSP 728/CDPCSP 728, 18 de marzo de 1996).
3. La versión publicada en el CD Love (Apple 0946 3 79808 2 8/0946 3 79810 2 3, 20 de noviembre de 2006). Incluye elementos de Why don’t we do it in the road? (la intro de percusión, palmas y batería), I want you (She’s so heavy) (órgano Hammond), Hey bulldog (el riff solista de guitarra), While my guitar gently weeps (el solo de guitarra de Eric Clapton) y Ob-la-di, ob-la-da (piano).
4. La toma 2 de la canción, una grabación de la pista básica que solo incluye el conteo inicial de McCartney, piano (con síncopa de jazz) y batería. Fue publicada simultáneamente el 9 de noviembre de 2018 en las versiones en 6 CDs+Blu-ray (Apple/Universal Music 0602567571957) y en álbum digital (Apple/Universal Music, sin referencia) de The Beatles – Anniversary super deluxe edition, con el título Lady Madonna (Take 2 – Piano and drums) en el primer formato y Lady Madonna – Take 2 / Piano & drums en el segundo.
5. Un extracto de la grabación de los coros sobre la toma 3 en el que se escucha también la pandereta y el melotrón. Fue publicado simultáneamente el 9 de noviembre de 2018 en las versiones en 6 CDs+Blu-ray (Apple/Universal Music 0602567571957) y en álbum digital (Apple/Universal Music, sin referencia) de The Beatles – Anniversary super deluxe edition, con el título Lady Madonna (Backing vocals from take 3) en el primer formato y Lady Madonna – Backing vocals from take 3 en el segundo.

Variaciones y reediciones de la versión 1

1. La mezcla monoaural original, utilizada también en las ediciones estadounidenses, acometida el 15 de febrero de 1968.

• Lady Madonna, single, Parlophone R 5675, 15 de marzo de 1968 (primera edición y reediciones 1-7)

2. La mezcla estereofónica original, utilizada también en las ediciones estadounidenses, acometida el 2 de diciembre de 1969. Las dos pistas de batería aparecen en canales distintos del estéreo. El fundido final es algo más breve que en la mezcla mono. Esta variación se publicó por primera vez en la recopilación estadounidense Hey Jude (Apple SW-385, 26 de febrero de 1970), lanzada nueve años después en el Reino Unido.

• The Beatles/1967-1970, 2 LPs/cassette/cartucho, Apple PCSP 718/TC2-PCSP 718/8X2-PCSP 718, 19 de abril de 1973 (primera edición y reedición 1)
• Hey Jude, LP/cassette, Parlophone PCS 7184/TC-PCS 7184, 11 de mayo de 1979 (primera edición)
• The Beatles box, 8 LPs/8 cassettes, Parlophone/World Records SM 701-708/C70, 3 de noviembre de 1980 (primera edición y reedición 1)
• 20 greatest hits, LP/cassette, Parlophone PCTC 260/TC-PCTC 260, 18 de octubre de 1982

3. La remasterización de 1988, estereofónica y basada en la variación 2.

• The Beatles/1967-1970, 2 LPs (reediciones 2-5)
• Past masters – Volume two, CD, Parlophone CD-BPM 2, 8 de marzo de 1988 (primera edición y reediciones 1-3)
• Past masters – Volumes one & two, 2 LPs/2 cassettes, Parlophone BPM 1/TC-BPM 1, 24 de octubre de 1988 (primera edición y reediciones 1-2)
• 1, 2 LPs/cassette/CD, Apple 5 29325 1/5 29325 4/5 29325 2, 13 de noviembre de 2000 (primera edición)

4. Una remasterización monoaural basada en la variación 1, aparecida por primera vez en 1989.

• Lady Madonna, single (reediciones 8-12)

5. La edición estándar a partir de 2009, una remasterización digital en estéreo basada en la variación 2.

• The Beatles/1967-1970, 2 LPs (reediciones 6-7)
• Hey Jude, LP (reediciones 1-3)
• 1, 2 LPs (reediciones 1-2)
• Past masters, 2 CDs, Apple 5099924380720, 9 de septiembre de 2009 (primera edición y reediciones 1-4)
• The Beatles/1962-1966 / The Beatles/1967-1970, 4 CDs, Apple 5099990991127, 18 de octubre de 2010

6. La remasterización digital de la mezcla monoaural, hecha también en 2009 y basada en la variación 1.

• Mono masters, 2 CDs, Apple 5099968495824, en The Beatles in mono, 13 CDs, Apple 5099969945120, 9 de septiembre de 2009 (primera edición)

7. La mezcla digital definitiva para vinilo, en esencia igual que la variación 5 pero tratada con ecualización propia para adaptarse al formato.

• The Beatles/1967-1970, 2 LPs (reediciones 8-9)
• Past masters, 2 CDs (reediciones 5-7)

8. Una nueva mezcla mono analógica, preparada en 2014 para la reedición de la discografía del grupo en vinilo en versión monoaural.

• Lady Madonna, single (reedición 13)
• Mono masters, 2 CDs (primera edición en solitario y reedición 1)

9. Todavía una nueva mezcla, estereofónica, preparada para el relanzamiento en 2015 del recopilatorio 1.

• 1, 2 LPs (reediciones 3-8)
• 1+, 2 DVDs+CD/2 Blu-rays+CD, Apple 0602547567727/0602547567819, 6 de noviembre de 2015
• The Beatles/1967-1970 (2023 edition), 3 LPs/3 LPs en vinilo azul/2 CDs/álbum digital, Apple/Universal Music Group International 0602455920805/0602455920898/0602455920959/sin referencia, 10 de noviembre de 2023
• The Beatles/1962-1966 / The Beatles/1967-1970 (2023 edition), 6 LPs/6 LPs en vinilo rojo y azul/4 CDs, Apple/Universal Music Group International 0602455921000/0602455920539/0602458503203, 10 de noviembre de 2023

10. Una mezcla más, en esta ocasión en Dolby Atmos o “Spatial audio”, preparada por Giles Martin en 2022 para el streaming en Apple Music del recopilatorio 1.

• 1, 2 LPs (reedición 9)

11. Otra mezcla en Dolby Atmos, de 2023.

• The Beatles/1967-1970 (2023 edition), álbum digital en Dolby Atmos, Apple/Universal Music Group International, sin referencia, 10 de noviembre de 2023

En la versión en DVD de la serie Anthology, lanzada en 2003, se utilizó una nueva mezcla estéreo que permanece inédita en disco.

Repercusión social

Toda la crítica contemporánea (y la posterior también) destacó el hecho de que Lady Madonna retornaba a las esencias del R’n’R clásico tras dos años de dominio del rock psicodélico, pero se dividió a la hora de juzgar el valor musical de la nueva composición de The Beatles. Algunos autores censuraron la pereza que manifestaba la banda, que había demostrado contar con recursos casi ilimitados en su creación artística más reciente y que ahora daba “un paso atrás” (Cashbox) o reenganchaba con “el estilo sencillo y duro que habían dejado atrás en Liverpool” (Time). En Melody Maker, el autor Chris Welch iba más allá: “La mejor parte es la introducción de piano, después puedes pasártelo bien preguntándote por qué Paul suena como Ringo… y luego salir a comprar otro disco”.

«Me he quedado muy chocado y desilusionado con el disco de The Beatles; podría vivir sin volver a escucharlo, mientras que tengo que oír Walrus con regularidad, de lo contrario tengo síndrome de abstinencia» (John Peel, 1968).

Aunque no todo fueron reproches: para Billboard, el nuevo tema de The Beatles era “un blues rock poderoso” y, según Record World, “cada lanzamiento de The Beatles es uno de sus mejores números. Lady Madonna es estupendo rock and roll y un mordaz comentario social”.

En 1976, los lectores del fanzine estadounidense Survey manifestaron su aprecio por la pieza colocándola en el puesto número 13 entre las canciones preferidas del grupo.

Éxito en listas

• Reino Unido:

• • Primera entrada:
    • Debut: 26 de marzo de 1968
    • Puesto más alto: 1 (2 de abril de 1968, dos semanas)
    • Semanas en listas: 8
  • Segunda entrada:
    • Debut: 26 de marzo de 1988
    • Puesto más alto: 67 (26 de marzo de 1988, una semana; número 1: Don’t turn around, Aswad)
    • Semanas en listas: 2

• Estados Unidos:

• • Entrada única:
    • Debut: 23 de marzo de 1968
    • Puesto más alto: 4 (20 de abril de 1968, tres semanas; número 1: Honey, Bobby Goldsboro)
    • Semanas en listas: 11

Apariciones audiovisuales

Cine

En 1983 los estudios de Abbey Road se abrieron al público por primera y, según se anunció entonces, única vez, desde el 18 de julio hasta el 11 de septiembre, ofreciendo una visita guiada y el visionado, en el estudio 2, de una presentación en vídeo de la película documental The Beatles at Abbey Road, en la que se incluyeron por primera vez grabaciones inéditas del grupo. El filme incluye un clip de Lady Madonna. La grabación, que tuvo que ser reproducida a mayor velocidad de la original para empatar con las imágenes del clip, incluye en su inicio la conversación sobre el Marmite entre Harrison y Starr. Casi todos los elementos se escuchan en el centro del estéro, pero la pista básica de piano y batería con escobillas aparece a la derecha.

Vídeo-clip

Como venía siendo costumbre, The Beatles produjeron un vídeo-clip para promocionar la canción que presidía su nuevo single. Esta vez era más necesario que nunca, teniendo en cuenta que el día en que se había de publicar el sencillo el grupo estaría en la India recibiendo lecciones de Meditación Trascendental de Maharishi Mahesh Yogi. Dado que la fecha de partida estaba próxima no cabía enredarse en superproducciones, de forma que el clip pergeñado para Lady Madonna fue montado recurriendo a diferentes planos del grupo trabajando en las instalaciones de Abbey Road. A tal efecto The Beatles se reunieron en el estudio 3 de EMI el domingo 11 de febrero, rodeados de cámaras. Una vez allí decidieron grabar realmente en vez de actuar, y de aquella única sesión salió lista para ser publicada una nueva canción de Lennon, Hey bulldog.

«Me pasé unos cuantos días pensando ideas para Lady Madonna, [pero] cuando The Beatles quisieron empezar a grabar Hey bulldog, ¡todo se fue al traste!» (Denis O’Dell, director de Apple Films).

Tony Bramwell, amigo de la infancia de George y encargado de la recién creada Apple Films —una de las ramas del conglomerado Apple—, fue el productor de aquella sesión de rodaje, mientras que la dirección de la película promocional fue atribuida a los propios Beatles. El plan original era registrar una actuación en playback (asumiendo de nuevo el riesgo de que se descubriera la artimaña y que el clip resultara inhábil para ser emitido en el Reino Unido) pero, dado que los de Liverpool dedicaron el tiempo a registrar un nuevo tema que además incluía una instrumentación distinta, Bramwell se limitó a rodar imágenes del trabajo en el estudio y montó una película promocional en la que los músicos aparecen tocando y cantando sin ninguna sincronía con el sonido de la canción que se escucha.

A partir de las secuencias registradas aquel día en 35 mm se produjeron finalmente dos montajes distintos del vídeo-clip, aunque solo diferían en pequeños detalles. Una de las secuencias diferenciales, unas imágenes en las que Paul aparecía con una camisa amarilla y con corbata y tocaba el piano, fueron incluidas en uno solo de los clips, el segundo. Durante décadas todos los autores afirmaron que estas imágenes habían sido registradas el 21 de noviembre de 1967 en los Chappell Recording Studios londinenses, mientras Paul y Cilla Black grababan una demo de Step inside love, aunque las notas incluidas en 1+ en 2015 desvelaron que en realidad provenían del registro definitivo de la composición de Paul y fueron rodadas el 14 de febrero de 1968. La canción interpretada por Cilla Black, compuesta por Paul y firmada por Lennon y McCartney, se convertiría pronto en el tema de cabecera del programa televisivo Cilla, presentado en la BBC por la cantante liverpuliense. En ambos montajes del clip de Lady Madonna Ringo aparece escuchando una grabación anterior, y en el segundo George da cuenta de un plato de judías. El primero de los vídeos comienza con una toma cenital de Ringo a la batería y el segundo con el músico luciendo abrigo y corbata. Algunas de las secuencias del montaje fueron tratadas con filtros o doble exposición.

Ambos filmes promocionales fueron rodados en color, aunque la BBC emitió en blanco y negro el único de los dos que usó. En el Reino Unido la película promocional se estrenó un día antes de la publicación del single, el 14 de marzo de 1968, en el programa de la BBC1 Top of the pops, y volvió a emitirse al día siguiente en All systems Freeman, también de la BBC1. Se ignora cuál de las dos versiones se emitió en cada caso. En los Estados Unidos el primero de los clips se estrenó en color el día 30 de marzo del mismo año en el programa de la ABC The Hollywood palace. El segundo había aparecido como primicia mundial en el programa de la WDR-TV alemana Beat club el 9 de marzo. En 1999 las mismas secuencias sirvieron de base para el montaje de un vídeo-clip de Hey bulldog, que se distribuyó en el mundo entero para promocionar el reestreno de la película Yellow submarine y el lanzamiento del álbum Yellow Submarine songtrack.

En el tercer capítulo de la serie televisiva Anthology, estrenada en noviembre de 1995, y en la séptima cinta de la versión en vídeo de la serie, se utilizó un nuevo montaje del clip que contiene secuencias de los dos existentes junto a imágenes rodadas mientras The Beatles grababan Hey Jude, que se habían utilizado originalmente en el mediometraje documental Music!, estrenado en los cines británicos en octubre de 1969 como complemento al filme de Mel Brooks The producers.

El segundo clip se publicó en 2015 en la edición en DVD y Blu-ray del álbum recopilatorio 1 y en su versión extendida de dos discos más CD, titulada 1+.

Carreras en solitario

Paul McCartney

• En vivo: Gira “Wings over the world”; Wings; Reino Unido, Australia, Dinamarca, Alemania, Países Bajos, Francia, Estados Unidos, Austria, Yugoslavia e Italia, 1975-1976.
• En televisión: Wings live in Melbourne, Wings, ATV 0 (Australia), 13 de noviembre de 1975.
• En disco: Wings over America, Wings, 3 LPs/2 cassettes/2 cartuchos, MPL PCSP 720/TC-PCSP 720/8X-PCSP 720, 10 de diciembre de 1976; Wings over America – Deluxe edition, Wings, 3 CDs+DVD, MPL/Hear Music/Concord HRM-34313-00, 27 de mayo de 2013; Holidays, EP digital, MPL (sin referencia), 20 de noviembre de 2020.
• En cine: Rockshow, Paul McCartney & Wings, 26 de noviembre de 1980.
• En televisión: Up close, MTV (Estados Unidos), 3 de febrero de 1993.
• En vivo: Gira “The new world tour”; Italia, Alemania, Australia, Nueva Zelanda, Estados Unidos, Canadá, Austria, Reino Unido, Suecia, Noruega, Países Bajos, Francia, Bélgica, España, Japón, México, Brasil, Argentina y Chile, 1993. Algunos conciertos fueron televisados. Interpretada también ocasionalmente en las pruebas de sonido.
• Concierto colectivo “Earth Day concert”, Paul McCartney & his Band, Los Ángeles (Estados Unidos), 16 de abril de 1993. Interpretada en la prueba de sonido.
• En disco: Paul is live, 2 LPs/cassette/CD, Parlophone PCSD 147/TCPCSD 147/CDPCSD 147, 15 de noviembre de 1993.
• En vídeo: Paul is live in concert on the new world tour, 21 de marzo de 1994.
• En vivo: Concierto colectivo “An evening with Paul McCartney & friends – Royal College of Music benefit”, Londres (Reino Unido), 23 de marzo de 1995.
• En radio: Oobu Joobu – Show 14, Westwood One (Estados Unidos), 19 de agosto de 1995.
• En radio: Oobu Joobu – Show 15, Westwood One (Estados Unidos), 4 de septiembre de 1995.
• En televisión: The rhythm of life – Harmony, BBC1 (Reino Unido), 5 de enero de 1998.
• En vivo: Gira “Driving USA tour”; Estados Unidos y Canadá, 2002.
• En vivo: Gira “Back in the US tour”, Estados Unidos, 2002.
• En vivo: Conciertos “Driving Mexico”, México D.F. (México), 2, 3 y 5 de noviembre de 2002.
• En vivo: Gira “Driving Japan”, Japón, 2002.
• En disco: Back in the U.S. – Live 2002, 2 CDs, Estados Unidos, Capitol CDP 7243 5 42318 2 7, 26 de noviembre de 2002; Back in the world – Live, 2 CDs, Parlophone 07243 582835 2 5, 17 de marzo de 2003.
• En DVD: Back in the U.S., diciembre de 2002.
• En internet: The secret website show, 16 de diciembre de 2002.
• En vivo: Concierto privado “Wendy Whitworth’s 50^th birthday”, Rancho Santa Fe (Estados Unidos), 22 de febrero de 2003.
• En vivo: Gira “Back in the world tour”; Francia, España, Bélgica, Reino Unido, Suecia, Italia, Rusia e Irlanda, 2003. Interpretada también ocasionalmente en las pruebas de sonido.
• En vivo: Gira “’04 summer tour”; España, Portugal, Suiza, Alemania, Chequia, Dinamarca, Suecia, Noruega, Finlandia, Rusia, Francia y Reino Unido, 2004.
• En vivo: Concierto con Neil Young “4^th annual Adopt-A-Minefield gala”, Los Ángeles (Estados Unidos), 15 de octubre de 2004.
• En vivo: Concierto de Neil Young and Friends “18^th annual Bridge School benefit concert”, Mountain View (Estados Unidos), 23 de octubre de 2004.
• En vivo: Concierto colectivo “Stars in the sky”, Nueva York (Estados Unidos), 21 de abril de 2005.
• En vivo: Gira “The US tour”, Estados Unidos, 2005. Intepretada ocasionalmente en las pruebas de sonido.
• En radio: Sold on song, BBC Radio 2 (Reino Unido), 17 de septiembre de 2005.
• En vivo: Concierto colectivo “5^th annual Adopt-A-Minefield gala”, Beverly Hills (Estados Unidos), 15 de noviembre de 2005.
• En televisión: Chaos and creation at Abbey Road, BBC Two (Reino Unido), 17 de diciembre de 2005.
• En vivo: Gira “Memory Almost Full promo shows”, Reino Unido y Estados Unidos, 2007.
• En televisión: Later… with Jools Holland, BBC Two (Reino Unido), 8 de junio de 2007.
• En vivo: Concierto “iTunes Festival”, Londres (Reino Unido), 5 de julio de 2007.
• En vivo: Concierto “Live at the Olympia”, París (Francia), 22 de octubre de 2007.
• En televisión: Electric Proms, BBC Two (Reino Unido), 25 de octubre de 2007. Publicado en DVD con el título Paul McCartney in London, diciembre de 2007.
• En DVD: The McCartney years, 3 DVDs, Warner Music, 12 de noviembre de 2007.
• En televisión: Paul McCartney – Live at the Olympia, A&E Networks (Estados Unidos), 23 de diciembre de 2007.
• En vivo: Concierto colectivo “Brit Awards 2008”, Londres, 20 de febrero de 2008.
• En vivo: Concierto colectivo “The Liverpool sound”, Liverpool (Reino Unido), 1 de junio de 2008.
• En vivo: Concierto “Independence concert”, Kiev (Ucrania), 14 de junio de 2008. Emitido en directo por la televisión ucraniana.
• En vivo: Concierto “400^e anniversaire de Québec”, Quebec (Canadá), 20 de julio de 2008.
• En vivo: Concierto “Friendship first concert”, Tel Aviv (Israel), 25 de septiembre de 2008.
• En vivo: Concierto colectivo “Change begins within”, Nueva York (Estados Unidos), 4 de abril de 2009. Emitido en televisión.
• En vivo: Festival “Coachella Valley Music and Arts Festival”, Indio (Estados Unidos), 17 de abril de 2009. El concierto fue emitido en vivo por internet.
• En vivo: Concierto “The New Joint at Hard Rock Hotel & Casino”, Las Vegas (Estados Unidos), 19 de abril de 2009.
• En vivo: Gira “Summer live ’09 tour”; Canadá y Estados Unidos, 2009.
• En disco y DVD: Good evening New York City, 2 CDs+DVD/2 CDs+2 DVDs, Mercury 723 1857/723 1884, 17 de noviembre de 2009.
• En vivo: Gira “Good evening Europe tour”; Alemania, Países Bajos, Francia, Irlanda y Reino Unido, 2009. En el concierto de Hamburgo (Alemania, 2 de diciembre de 2009) la canción se interpretó también en la prueba de sonido.
• En disco: Live in Los Angeles, CD, MPL UPPMCMOS01, 17 de enero de 2010; Live in Los Angeles – The extended set, álbum digital, MPL, sin referencia, 16 de noviembre de 2012; Amoeba gig, 2 LPs/CD/álbum digital, Capitol Records 00602577289453/Capitol Records 00602577289767/The Paul McCartney Collection (sin referencia), 12 de julio de 2019.
• En vivo: Gira “Up and coming tour”; Estados Unidos, México, Irlanda, Reino Unido, Canadá, Brasil, Argentina, Perú y Chile, 2010-2011. La canción no fue un número fijo en esta gira. Interpretada también ocasionalmente en las pruebas de sonido.
• En vivo: Concierto “Live at the Academy”, Liverpool (Reino Unido), 20 de diciembre de 2010.
• En vivo: Gira “On the run tour”; Estados Unidos, Canadá, Emiratos Árabes Unidos, Italia, Francia, Alemania, Reino Unido, Suecia, Rusia, Países Bajos, Suiza, Bélgica, Uruguay, Paraguay, Colombia, Brasil y México, 2011-2012. Lady Madonna solo se interpretó ocasionalmente en algunos conciertos de la gira, alternando con The word/All you need is love. Interpretada ocasionalmente en las pruebas de sonido.
• En vivo: Evento “Olympics opening ceremony”, Londres (Reino Unido), 27 de julio de 2012. Interpretada en la prueba de sonido.
• En vivo: Concierto colectivo “Project: Harmony”, Nueva York (Estados Unidos), 18 de septiembre de 2012.
• En televisión: The Frost interview, Al Jazeera English (Catar), 10 de noviembre de 2012.
• En vivo: Gira “Out there! tour”; Brasil, Estados Unidos, Polonia, Italia, Austria, Canadá, Japón, Uruguay, Chile, Perú, Ecuador, Costa Rica, Corea del Sur, Reino Unido, Francia, Países Bajos, Noruega y Suecia, 2013-2015. Interpretada también ocasionalmente en las pruebas de sonido.
• En disco: Wings over San Francisco – Live at the Cow Palace, CD, como parte de Wings over America – Deluxe edition, Wings, 3 CDs+DVD, MPL/Hear Music/Concord HRM-34313-00, 27 de mayo de 2013.
• En televisión: The Colbert report, Comedy Central (Estados Unidos), 12 de junio de 2013.
• En vivo: Festival “iHeartRadio music festival”, Las Vegas (Estados Unidos), 21 de septiembre de 2013. El concierto fue televisado.
• En televisión: Jimmy Kimmel live!, ABC (Estados Unidos), 23 de septiembre de 2013. Interpretada también en la prueba de sonido.
• En televisión: Late night with Jimmy Fallon, NBC (Estados Unidos), 7 de octubre de 2013.
• En vivo: Concierto “Frank Sinatra School of the Arts”, Nueva York (Estados Unidos), 9 de octubre de 2013.
• En radio: Live at BBC Maida Vale, BBC Radio 2 (Reino Unido), 16 de octubre de 2013.
• En disco: BBC Electric Proms 2007, álbum digital, Estados Unidos, Charly Records, sin referencia, 3 de diciembre de 2014.
• En vivo: Concierto “Special Valentine’s Day concert”, Nueva York (Estados Unidos), 14 de febrero de 2015.
• En vivo: Concierto “Robin Hood benefit”, Nueva York (Estados Unidos), 12 de mayo de 2015.
• En vivo: Festival “Firefly Music Festival”, Dover (Estados Unidos), 19 de junio de 2015.
• En vivo: Festival “Roskilde Festival”, Roskilde (Dinamarca), 4 de julio de 2015.
• En vivo: Festival “Lollapalooza”, Chicago (Estados Unidos), 31 de julio de 2015.
• En vivo: Concierto “All together now: PETA’s 35^th anniversary party with Sir Paul McCartney”, Hollywood (Estados Unidos), 30 de septiembre de 2015.
• En vivo: Concierto “2015 ATA Management Conference & Exhibition”, Filadelfia (Estados Unidos), 19 de octubre de 2015.
• En vivo: Gira “One on one tour”; Estados Unidos, Canadá, Argentina, Alemania, Francia, España, Chequia, Noruega, Dinamarca, Japón, Brasil, México, Australia y Nueva Zelanda, 2016-2017. Interpretada también ocasionalmente en las pruebas de sonido.
• En radio: Mastertapes, BBC Radio 4 (Reino Unido), 28 de mayo de 2016.
• En vivo: Festival “Pinkpop Festival”, Landgraaf (Países Bajos), 12 de junio de 2016.
• En vivo: Concierto “Dine and disco for Children In Need”, Chiddingfold (Reino Unido), 25 de junio de 2016.
• En vivo: Festival “Rock Werchter”, Werchter (Bélgica), 30 de junio de 2016.
• En vivo: Festival “SummerFest”, Milwaukee (Estados Unidos), 8 de julio de 2016.
• En vivo: Festival “Desert Trip”, Indio (Estados Unidos), 8 y 15 de octubre de 2016.
• En vivo: Concierto “Pappy & Harriet’s Pioneertown Palace”, Pioneertown (Estados Unidos), 13 de octubre de 2016.
• En disco: BBC Radio 2 – The piano room, VV.AA., 2 CDs, Universal Music On Demand 5380207, 27 de octubre de 2017.
• En vivo: Concierto “Secret gig at the Philharmonic Dining Rooms”, Liverpool (Reino Unido), 9 de junio de 2018.
• En vivo: Concierto “Under the staircase”, Londres (Reino Unido), 23 de julio de 2018.
• En vivo: Concierto “Paul McCartney at The Cavern”, Liverpool (Reino Unido), 26 de julio de 2018.
• En televisión: Carpool karaoke: When Corden met McCartney live from Liverpool, CBS (Estados Unidos), 20 de agosto de 2018.
• En vivo: Concierto “Secret New York concert”, Nueva York (Estados Unidos), 7 de septiembre de 2018. Emitido en streaming en YouTube.
• En disco/vídeo: Under the staircase, Paul McCartney & Spotify Singles, álbum digital/vídeo-álbum digital, Spotify, sin referencia/sin referencia, 13 de septiembre de 2018 (como Lady Madonna – Recorded at Abbey Road Studios, London).
• En vivo: Gira “Freshen up”; Canadá, Japón, Francia, Dinamarca, Polonia, Austria, Reino Unido, Chile, Argentina, Brasil y Estados Unidos, 2018-2019. Interpretada también habitualmente en las pruebas de sonido.
• En vivo: Festival “Austin City Limits Music Festival”, Austin (Estados Unidos), 5 y 12 de octubre de 2018.
• En vivo: Concierto privado, Foxborough (Estados Unidos), 9 de octubre de 2018.
• En radio, televisión e internet: One world: Together at home; BET (África), Comedy Central (África), MTV Africa (África), MTV Base (África), Vuzu (África), RTSH 2 (Albania), Comedy Central (Alemania), MTV (Alemania), RTL (Alemania), ZDFneo (Alemania), AXN (Argentina), Comedy Central (Argentina), MTV (Argentina), MTV Hits (Argentina), National Geographic (Argentina), Paramount Network (Argentina), Sony Channel (Argentina), VH1 (Argentina), Telefe (Argentina), TNT (Argentina), VH1 HD (Argentina), VH1 MegaHits (Argentina), beIN Sports (Australia), E! (Australia) (Australia), MTV Australia (Australia), National Geographic (Australia), Network 10 (Australia), Seven Network (Australia), Comedy Central (Austria), Eén (Bélgica), MTV (Bélgica), Q2 (Bélgica), TNT (Bolivia), AXN (Brasil), Comedy Central (Brasil), MTV (Brasil), Multishow (Brasil), Paramount Network (Brasil), Rede Globo (Brasil), Sony Channel (Brasil), TNT (Brasil), VH1 HD (Brasil), VH1 MegaHits (Brasil), Nova (Bulgaria), beIN Sports (Camboya), ABC Spark (Canadá), CBC (Canadá), CBC Music (Canadá), Citytv (Canadá), CP24 (Canadá), CTV (Canadá), CTV 2 (Canadá), Global (Canadá), Ici Radio-Canada Télé (Canadá), iHeartRadio Canada (Canadá), Kiss Radio (Canadá), MTV (Canadá), Much (Canadá), National Geographic (Canadá), TSN (Canadá), Virgin Radio (Canadá), Vrak (Canadá), Digicel (Caribe), TNT (Caribe), AXN (Centroamérica), Sony Channel (Centroamérica), TNT (Centroamérica), Prima Comedy Central (Chequia), AXN (Chile), Chilevisión (Chile), Sony Channel (Chile), TNT (Chile), AXN (Colombia), Caracol Televisión (Colombia), Comedy Central (Colombia), MTV (Colombia), MTV Hits (Colombia), Paramount Network (Colombia), Sony Channel (Colombia), TNT (Colombia), VH1 HD (Colombia), VH1 MegaHits (Colombia), National Geographic (Corea del Sur), SBS MTV (Corea del Sur), Paramount Network (Dinamarca), TV 2 (Dinamarca), VH1 (Dinamarca), TNT (Ecuador), البث الحي —Dubai TV— (Emiratos Árabes Unidos), La 1 (España), MTV (España), ABC (Estados Unidos), AXS TV (Estados Unidos), BET (Estados Unidos), BET Her (Estados Unidos), Bloomberg Television (Estados Unidos), Bounce TV (Estados Unidos), Bravo (Estados Unidos), CBS (Estados Unidos), CMT (Estados Unidos), Comedy Central (Estados Unidos), E! 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• En disco: One world: Together at home; VV.AA.; álbum digital; Global Poverty Project, Inc. DBA Global Citizen, sin referencia; 19 de abril de 2020.
• En vivo: Gira “Got back”; Estados Unidos, Australia, México y Brasil, 2022-2023. La canción fue interpretada en todos los conciertos excepto en el de Adelaide (Australia) del 17 de octubre de 2023, de formato reducido. Interpretada también en las pruebas de sonido.
• En vivo: Concierto “Live in Frome”, Frome (Reino Unido), 24 de junio de 2022.
• En vivo: Festival “Glastonbury Festival”, Pilton (Reino Unido), 25 de junio de 2022. Parte del concierto fue televisado.
• En streaming: BBC music at Glastonbury – Paul McCartney 2022, BBC iPlayer, 26 de junio de 2022.
• En televisión: If these walls could sing, Disney+ (Estados Unidos), 16 de diciembre de 2022.
• En disco: One hand clapping, Paul McCartney & Wings, 2 LPs/2 LPs+EP/2 CDs/álbum digital, Capitol 602465081596/Capitol 602465081633/Capitol 602465081640/MPL Communications Inc/Ltd (sin referencia), 14 de junio de 2024 (como The long and winding road/Lady Madonna en las ediciones físicas y The long and winding road/Lady Madonna – One Hand Clapping sessions en la digital).

Ringo Starr

• En vivo: Gira “North American tour”; Ringo Starr and his All Starr Band; Estados Unidos y Canadá, 1992. La pieza no fue un número fijo en la gira.
• En vivo: Gira “European tour”; Ringo Starr and his All Starr Band; Suecia, Reino Unido, Francia, Alemania, Suiza, Finlandia, Dinamarca, Bélgica e Italia, 1992. La pieza no fue un número fijo en la gira. Uno de los conciertos fue televisado.
• En vivo: Gira “US tour”, Ringo Starr and his All Starr Band, Estados Unidos, 1992. La pieza no fue un número fijo en la gira.
• En vivo: Gira “Tour 2000”; Ringo Starr & the All Starr Band; Estados Unidos y Canadá, 2000. La pieza no fue un número fijo en la gira.

Versiones relevantes

Tan evidentes eran las influencias negras en esta canción que el mismísimo Fats Domino publicó un single con Lady Madonna como pieza estrella (Reprise 0763, agosto de 1968). El 7 septiembre de 1968 Domino consiguió con este sencillo su septuagésimo séptimo y último éxito discográfico en su país, colocando la pieza en el número 100 de las listas estadounidenses. McCartney ha afirmado que cree recordar que mencionó la influencia de Domino en la concepción de la pieza al productor estadounidense Richard Perry y que probablemente este se lo comentó al artista, a quien produjo la grabación de Lady Madonna y, en realidad, todo el álbum en el que también apareció la pieza, Fats is back (Reprise RS 6304, julio de 1968). John Lennon alabó la versión del viejo músico de R&B, reconociendo de paso su pasión por el R’n’R y admitiendo que los propios Beatles se sentían aprendices en este campo:

«(…) me gustaría hacer un disco como Some other guy. No he hecho ninguno que me satisfaga tanto como ese. O Be-bop-a-lula o Heartbreak Hotel o Good golly, Miss Molly o Whole lotta shakin’. No estoy siendo modesto. Quiero decir que todavía lo estamos intentando. Nos sentamos ahí en el estudio y decimos: “¿Cómo ha ido, cómo ha ido? Vamos, hagamos eso”. Como lo que ha hecho Fats Domino con Lady Madonna: “See how they ruhhnnn”» (John Lennon, 1968).

«El espaldarazo definitivo era que los artistas negros te devolvieran la jugada. Fats hizo Lady Madonna, y estaba bien, pero soy un tanto purista cuando se trata de Fats. Ese es el dilema. Por supuesto que quieres que haga tus canciones, es un gran honor, ya sabes, The Fat Man haciendo tu material, pero preferiría Blue Monday, por favor» (Paul McCartney, 1987).

El 17 de mayo de 1971 Elvis Presley estaba en el estudio de grabación y, entre tomas, atacó con su banda una versión improvisada de Lady Madonna, imitando a su imitador, McCartney. La jam, con Charlie McCoy a la armónica, fue publicada el 10 de octubre de 1995 en la recopilación del Rey Walk a mile in my shoes: The essential 70’s masters (RCA 07863-66670-4/07863 66670-2).

La gran Aretha Franklin grabó una versión de la canción que se utilizó como cabecera de la serie de ficción estadounidense Grace under fire durante sus tres primeras temporadas, entre 1993 y 1996. La serie gira en torno al personaje de Grace (Brett Butler), una mujer recién divorciada, y sus tres hijos.

Lady Madonna fue objeto de varias versiones más. En 1976, según el citadísimo recuento de Nicholas Schaffner, había diez versiones de la canción disponibles en el mercado estadounidense, lo que colocaba a la composición como la duodécima más versionada del grupo junto a Come together.

El tema de la cantante británica Betty Boo I’m on my way (Boo/Coxon/Lennon/McCartney) incluye una referencia musical final a Lady Madonna. Fue publicado como single, maxi-single y CD single el 21 de septiembre de 1992 (WEA YZ 693/YZ 693T/YZ 693CD) y llegó al número 44 de las listas de su país el 3 de octubre siguiente. Apareció inmediatamente en el álbum Grrr! It’s Betty Boo (WEA 4509 90908-1/ 4509 90908-4/ 4509 90908-2, 12 de octubre de 1992). Las mezclas de la canción que no utilizan el motivo musical de la canción de The Beatles no incluyen los créditos que reconocen la coautoría de Lennon y McCartney.

Cara B

The inner light (Harrison) 2’36”

• Versión 1 de 3 de The inner light
  • Variación 1 de 8: primera edición del disco y reediciones 1-7
  • Variación 4 de 8: reediciones 8-12
  • Variación 8 de 8: reedición 13

Grabación: 12 y* 13 de enero de 1968 (HMV Studios, Universal Insurance Building, Sir Pherozeshah Mehta Road, Fort, Mumbai, Maharashtra 400001, India) y 6 y 8 de febrero de 1968 (EMI Studios)
Productores: George Harrison (no acreditado) y George Martin
Ingenieros de sonido: J.P. Sen, S.N. Gupta, Geoff Emerick y Ken Scott

_* Solo aplicable a las variaciones 1, 4, 6 y 8

GEORGE HARRISON: Voz principal
JOHN LENNON: Segunda voz
PAUL McCARTNEY: Segunda voz

SHAMBHU DAS: Sitar
VINAYAK VORA: Tar shehnai
INDRANIL BHATTACHARYA: Bulbul tarang
RIJRAM DESAD: Armonio
SHRIDHAR KENKARE: Bansuri
SHANKAR GHOSH: Dholak

THE INNER LIGHT (Harrison)

Without going out of my door
I can know all things on earth.
Without looking out of my window
I could know the ways of heaven.
The farther one travels
the less one knows.
The less one really knows.
Without going out of your door
you can know all things on earth.
Without looking out of your window
you can know the ways of heaven.
The farther one travels
the less one knows.
The less one really knows.
Arrive without travelling.
See all without looking.
Do all without doing.

LA LUZ INTERIOR (Harrison)

Sin salir por mi puerta
puedo conocer el mundo entero.
Sin mirar por mi ventana
podría conocer las sendas del cielo.
Cuanto más lejos se va,
menos se aprende.
Menos se aprende de hecho.
Sin salir por tu puerta
puedes conocer el mundo entero.
Sin mirar por tu ventana
puedes conocer las sendas del cielo.
Cuanto más lejos se va
menos se aprende.
Menos se aprende de hecho.
Llega sin dar ni un paso.
Conócelo todo sin mirar.
Cumple sin hacer nada.

Buena parte de la sabiduría oriental converge en The inner light, la tercera y última composición de Harrison inspirada en la música india y la primera pieza escrita por George que apareció en un single de The Beatles: la letra es una transcripción casi exacta de un poema del Tao Te King chino que predica la “no acción”, y la melodía bebe de las fuentes de la música clásica carnática del sur de la India. Harrison dirigió la grabación de los instrumentos en Mumbai y contó para su ejecución con auténticos maestros locales. Es una canción muy hermosa, aunque la mayoría del gran público no la conoce. McCartney fue desde el principio un fan declarado de la composición.

Composición

The inner light es la tercera y última pieza que George Harrison compuso al estilo indio para el repertorio de The Beatles. También es, en opinión de muchos, la mejor de las tres.

La pieza nació por un cúmulo de casualidades, algunas de las cuales dieron origen a la melodía y otras a la letra. En lo que se refiere a la música, la historia comienza cuando George recibió a finales de 1967 el encargo de componer, grabar y producir la banda sonora del filme psicodélico Wonderwall, dirigido por su amigo Joe Mussot. Harrison escribió varias piezas instrumentales, reservando para algunas de ellas arreglos occidentales y dejando los orientales para las demás. Era la segunda vez que un beatle asumía un proyecto musical en solitario, tras la aventura de Paul con la banda sonora de The family way.

El texto de The inner light le llegó a George como caído del cielo. La historia comienza en este caso el 29 de septiembre de 1967, día en el que John y George acudieron al programa televisivo de la cadena Rediffusion The Frost programme. Disertaron con el entrevistador, David Frost, sobre su nueva pasión, la Meditación Trascendental. La conversación resultó tan interesante que volvieron a ser invitados al siguiente programa, emitido el 4 de octubre, para seguir debatiendo sobre el tema. Uno de los participantes en esta segunda entrega, junto a otros académicos y líderes religiosos, era el septuagenario mallorquín Joan Mascaró (1897-1987), experto en sánscrito y pāḷi y profesor en la Universidad de Cambridge (que en el Reino Unido usaba el nombre castellanizado de Juan para evitar confusiones, dado que “Joan” es en inglés la versión femenina de “John”). Gratamente sorprendido por los conocimientos que demostró Harrison sobre las culturas orientales, Mascaró escribió el 16 de noviembre una carta al beatle (que, de hecho, era la respuesta a una de Harrison enviada el 20 de octubre) en la que afirmaba haber disfrutado mucho con Within you without you y su mensaje espiritual y le expresaba sus deseos de volver a encontrarse con él antes del viaje de la banda a la India. De paso, incluyó una copia del libro Lamps of fire: The spirit of religions —Lámparas de fuego—, publicado por él mismo en 1958, persuadido como estaba de que sería del interés de George. Mascaró fue uno de los principales traductores de textos hindúes y budistas al inglés, al castellano y al catalán. Lamps of fire: The spirit of religions (Methuen, Londres, 1958) fue su primera obra publicada. Era un compendio de textos religiosos de diversos orígenes: hinduismo, zoroastrismo, budismo, jainismo, taoísmo, confucianismo, sintoísmo, judaísmo, cristianismo, Islam y sijismo. En su introducción, Mascaró explicaba sus intenciones: “Los pasajes de este libro son lámparas de fuego. Algunos brillan más y otros brillan menos, pero todos ellos se funden en esa vasta lámpara llamada por San Juan de la Cruz ‘la lámpara del ser de Dios’”.

El libro incluía una traducción al inglés del poema XLVII de 道德經 (Dàodé Jīng, o Tao Te Ching en inglés y en castellano, idioma en el que también se lo conoce como Tao Te King), el libro más importante del taoísmo, atribuido a la figura mítica del filósofo chino Lao-Tse y escrito según la tradición entre el siglo VI y el IV antes de Cristo. George encontró tan inspirador su texto que decidió escribir una canción basada en el poema como homenaje personal a Mascaró. El propio académico se lo había sugerido expresamente en su carta: “¿No sería interesante que le pusieras tu propia música a algunas palabras del Tao, por ejemplo el número 48, en la página 66, de Lamps?”.

Harrison apenas retocó el poema, y conservó además el título que le había asignado el provecto profesor universitario, aunque el que se le atribuye más comúnmente al texto en sus traducciones al inglés es “Viewing the distant” (“Contemplando lo distante”). Reproducimos aquí la transcripción del propio Joan Mascaró y la traducción española incluida en la edición de Tao Te King de la editorial Luis Cárcamo (Madrid, 1982), que no cita traductor:

Without going out of my door
I can know all things on earth.
Without looking out of my window
I can know the way of heaven.

For the farther one travels
The less one knows.

The sage therefore
Arrives without travelling,
Sees all without looking,
Does all without doing.

Sin salir de la puerta
se conoce el mundo.
Sin mirar por la ventana
se ve el camino del cielo.

Cuanto más lejos se va,
menos se aprende.

Así, el sabio,
no da un paso y llega,
no mira y conoce,
no actúa y cumple.

«The inner light en realidad nació de Within you without you. Se hizo un programa de David Frost en televisión sobre meditación; Maharishi Mahesh Yogi salía entrevistado en una grabación y John Lennon y yo aparecimos en directo y, entre muchos otros, en la audiencia estaba Juan Mascaró, que es el profesor de sánscrito en la Universidad de Cambridge. Me escribió una carta más tarde que decía: “Hace unos días dos amigos del extranjero me regalaron la grabación de tu canción Within you without you. Me hizo muy feliz, es una canción conmovedora y ojalá conmueva el alma de millones de personas; y hay más por venir, ya que solo estás comenzando el gran viaje”. (…)
»En el poema original, el verso dice: “Sin salir por mi puerta, puedo conocer las sendas del cielo”. Así que, para evitar interpretaciones erróneas —y también para alargar un poco la canción—, lo repetí como segundo verso, pero con algunas modificaciones (…), de manera que incluyera a todo el mundo.
»La canción fue escritra especialmente para Juan Mascaró porque me envió el libro y es un anciano bondadoso. Es deliciosa, las palabras lo decían todo. AMÉN» (George Harrison, 1980).

«Todo el mundo está buscando algo, y somos nosotros mismos. No tenemos que buscar en ninguna parte: está ahí mismo, dentro de nosotros» (George Harrison, 1982).

El poema de Lao-Tse desarrolla una de las ideas principales de la filosofía taoista, la del 無為 o “wu wei”, el principio de “no acción” o “hacer no intencional”: según esta escuela de pensamiento, la forma más adecuada de enfrentarse a una situación es no obrar buscando una finalidad concreta, dado que el universo ya funciona armoniosamente de acuerdo con sus propios principios. Maharishi Mahesh Yogi defendía una filosofía similar: “Haz menos y logra más. No hagas nada y lógralo todo”. Harrison volvió a inspirarse en un capítulo del Tao Te King para escribir All things must pass, el tema que dio título a su triple álbum de 1970. Lo hizo de nuevo a través de una fuente indirecta: el libro de Timothy Leary Psychedelic prayers after the Tao Te King (1966). También recurrió a la filosofía de Lao-Tse para escibir la letra de su canción Circles, compuesta en 1968 en la India pero inédita hasta su aparición en el álbum de 1982 Gone troppo.

En el manuscrito del texto, escrito por George de su puño y letra, no existe todavía la segunda estrofa. Los versos aparecen rematados por un humorístico “yeah-yeah-yeah”. ¿Hay alguna canción de The Beatles menos semejante a She loves you que The inner light?

The inner light era la tercera canción de Harrison de inspiración netamente india y la segunda que abordaba explícitamente cuestiones espirituales como tema central, después de Within you without you. Esta vez el foco estaba puesto en el ejercicio de la meditación como vía de conocimiento y entendimiento pleno. Era quizá inevitable que el texto sugerido por Joan Mascaró tocara la fibra sensible de George, imbuido como estaba en el aprendizaje de la técnica de la Meditación Trascendental de la mano de Maharishi Mahesh Yogi, aunque él mismo había avanzado por su cuenta en reflexiones similares a las contenidas en el extracto del Tao Te King. En una entrevista concedida en agosto de 1967 había hecho pública una cavilación que, en realidad, aparecía en la letra de la ya grabada pero todavía inédita It’s all too much:

«Cuanto más aprendes, más te das cuenta de que no sabes nada en absoluto.»

Quizá esta fue la primera oportunidad en la que George abrazó el estudio de una religión distinta a la hindú. Con la ayuda de Joan Mascaró y a través del taoísmo chino, Harrison hizo público su convenicimiento de que todas las religiones son una sola y de que todas las invocaciones divinas se refieren a un mismo Dios, una idea en la que siguió profundizando a lo largo de toda su vida. Era la segunda vez en pocos meses que un músico británico de rock adaptaba un texto de la ancestral sabuduría china: Syd Barrett, de Pink Floyd, había hecho lo propio en su composición Chapter 24 a partir de un poema del I Ching (易經, también Yijing o I King, El libro de los cambios), un texto oracular chino que forma parte de los Cinco Clásicos confucianos. La obra de origen chino, cuyos primeros textos datan supuestamente del año 1200 a.C., también tendría meses después una influencia decisiva en la manera en la que Harrison compondría While my guitar gently weeps.

No son pocos los que han alabado el acierto con el que la melodía de The inner light sugiere e invita a un estado de recogimiento. En esta composición, y aunque en sus dos temas indios anteriores Harrison concibió la música emulando la tradición indostaní del norte del país, el beatle decidió adscribirse a la tradición carnática del sur del subcontinente. En el conjunto de sus composiciones de la época, destinadas a la banda sonora de Wonderwall, George quiso crear una especie de “antología” de la música de la India para seguir dándola a conocer al público occidental. Los tres animados pasajes instrumentales de la pieza contrastan con las dos secciones vocales iniciales, dos estrofas idénticas en las que George canta con un tono intimista, aunque en los tres versos finales se suma al alegre ritmo de los instrumentos. La melodía está basada en el raga Khamaj y, al contrario que las dos composiciones anteriores de Harrison basadas en la música clásica india, no se apoya en un pedal (aunque el armonio juega ese papel en algunos pasajes, en particular en los primeros segundos de la canción) y contiene modulaciones y cambios de acorde. Quizá por eso a McCartney le resultó más fácil percibir el encanto de la melodía en esta ocasión:

«Una composición inusual y una de las más comerciales que ha escrito George. Tiene una base de instrumentación india, que se grabó recientemente en Bombay. Las voces se añadieron en los estudios londinenses de EMI la semana pasada. Olvídate de la música india y escucha la melodía. ¿No te parece que es una bella melodía? Es realmente preciosa» (Paul McCartney, 1968).

Arreglos instrumentales y vocales

La pieza se abre con un ritmo animado que es obra de los tres instrumentos de cuerda (bulbul tarang, sitar y tar shehnai) y del de percusión (dholak), ritmo que aminora hasta convertirse en intimista en la primera aparición vocal de George, a quien acompañan esencialmente el armonio y la flauta india (el bansuri), y cuyas líneas vocales son respondidas por el bulbul tarang.

La interpretación vocal de Harrison es exquisita, aunque el bueno de George se sentía muy inseguro el día que grabó su aporte en el estudio y necesitó del apoyo moral de John y Paul para atreverse a modular en tonos más altos de los habituales en él. El sutil apoyo vocal de Lennon y McCartney en el último verso de la canción fue una idea de última hora, y añade cierta mordiente al final de la grabación. En el libro incluido con la edición deluxe de The Beatles en 2018 solo se menciona a Paul como segunda voz en esta canción, pero muy probablemente se trata de un error de su autor, Kevin Howlett. En la web oficial de The Beatles se asegura en todo caso que tanto Lennon como McCartney cantan en ese último verso.

«George estaba con aquello de no querer cantarla porque no estaba seguro de que pudiera hacerle justicia a la canción. Recuerdo a Paul diciendo: “Debes intentarlo, no te preocupes por ello, es buena”» (Jerry Boys, 1988).

«La incorporación de los coros en el pasaje final es un toque unificador magistral» (Alan W. Pollack, 1997).

Grabación

George no interpretó una sola nota de las piezas de estilo indio de la banda sonora de Wonderwall, sino que contrató a diversos músicos a tal efecto. Las piezas de corte occidental fueron grabadas en Londres junto al grupo de Liverpool The Remo Four —de la misma quinta que The Beatles, pero a los que el éxito había esquivado— y otros invitados, entre los que se contaban, bajo pseudónimo, Ringo Starr y Eric Clapton. Más tarde, George se marchó a Bombay (hoy Mumbai), en la India, para grabar los números orientales con músicos autóctonos.

George alquiló los anticuados estudios de EMI en Bombay entre los días 9 y 14 de enero de 1968 y contrató a grandes músicos locales para que grabaran sus composiciones. Su principal contacto era Shambhu Das, el sitarista discípulo de Ravi Shankar que había instruido a George con el instrumento durante su viaje de 1966 a la India. Das recibió una llamada telefónica de Harrison antes de su llegada a la ciudad en la que el beatle le enumeró los instrumentos que quería utilizar en las grabaciones. El encargado final de reclutar a los mejores músicos disponibles fue Vijay Dubey, A&R de los estudios HMV.

Las sesiones de trabajo comenzaban a las once de la mañana y terminaban entre las ocho y las diez de la noche (según Matt Hurwitz), o quizá comenzaban a las diez y acababan a las siete (tal como afirma Mark Lewisohn). Lewisohn cita el nombre de dos ingenieros de grabación, J.P. Sen y S.N. Gupta, y afirma que un tercero, desconocido, cumplió la labor de segundo ingeniero, y los nombres de los dos primeros fueron confirmados en la edición deluxe del álbum The Beatles lanzada en 2018. Matt Hurwitz, en la web del propio George Harrison, también afirma que tres personas distintas se encargaron de las labores técnicas y ofrece los nombres de J.P. Sen y de un tal Matgaonkar. El estudio, que hoy ya no existe y estaba instalado en un edificio de oficinas ocupado esencialmente por empresas aseguradoras, solo contaba con un equipo de grabación monoaural. Bhaskar Menon, entonces una figura importante de EMI India que con el tiempo llegaría a dirigir Capitol Records en los Estados Unidos, se encargó de que George pudiera utilizar una mesa de dos pistas haciéndola traer en tren desde Calcuta (hoy Kolkata).

Los músicos eran unos auténticos profesionales y George se entendía muy bien con ellos y les transmitía sin dificultad las ideas que tenía en la cabeza, de forma que el día 12 se dio por concluida la grabación de las piezas compuestas para Wonderwall. Para aprovechar el tiempo y el dinero previamente pagado, Harrison dedicó la sesión del día 12 y las dos siguientes a grabar unos cuantos ragas —las melodías clásicas indias— para su posible utilización en futuras piezas de The Beatles. Finalmente solo recuperó uno de ellos, del que se habían hecho cinco tomas: el que había de convertirse en la base musical de The inner light, aunque en la reedición ampliada de Wonderwall music (Apple 0602537913954/sin referencia, 22 de septiembre de 2014) se publicó uno más, Almost Shankara. George Harrison fue el productor oficial de estas sesiones, si bien nunca ha sido acreditado como tal en la discografía de The Beatles. Tal como se puede deducir a partir de las grabaciones que han ido apareciendo en el mercado con el paso de las décadas, The inner light ya contaba con letra cuando George dirigió el registro de la pista instrumental. A pesar de todo, siguiendo su propia tradición, George dejó etiquetada la pista en esta primera sesión con el título de… Untitled.

Harrison se llevó consigo las cintas al volver a Londres. El día 6 de febrero de 1968 retomó su nueva composición en el estudio, después de que el día 3 el grupo comenzara la grabación de Lady Madonna y de Across the universe. En aquella sesión George no hizo más que añadir su interpretación vocal principal, en principio solista, sobre la última de las tomas instrumentales hechas en Mumbai, después de transferir la grabación en dos pistas a la mesa de cuatro que se utilizaba en las instalaciones de Londres. La toma 5 acometida en la India se renumeró en el proceso como “toma 6”. Tras la grabación se dejó preparada una primera mezcla monoaural de la pieza que solo fue descartada cuando se decidió, el día 8, incluir un sagaz arreglo de segundas voces en el último verso, que corrió a cargo de Paul y John. El propio George aprovechó además la sesión para doblar su voz en un único verso: “arrive without travelling”. El trabajo del día 6 se desarrolló entre las dos y media de la tarde y las ocho de la noche. De las nueve en adelante The Beatles remataron Lady Madonna. Geoff Emerick era el ingeniero aquel día. El día 8 la banda estuvo grabando en el estudio de dos y media de la tarde a nueve de la noche. Tras añadir las voces y mezclar en mono The inner light, el resto de la jornada estuvo dedicado a intentar redondear la grabación de Across the universe, pero Lennon no quedó satisfecho con el resultado. Tanto Geoff Emerick como Ken Scott aparecen en los registros como ingenieros de sonido en esta segunda jornada. Probablemente Scott sustituyó a Emerick en algún momento: su nombre es el único que aparece en los registros de la segunda sesión del día, que tuvo lugar entre las diez de la noche y las doce y cuarto de la madrugada y en la que el equipo técnico acometió dos mezclas monoaurales de Across the universe que permanecen inéditas.

«Harrison, en particular, estaba bastante nervioso por hacer su voz principal. Pensaba que no iba a poder hacerle justicia a la canción, pero, con el apoyo de Paul, lo hizo muy bien. John estaba poco hablador aquel día —yo tenía la impresión de que la canción no le gustaba demasiado—, pero él y Paul se quedaron de todos modos, alternando entre la sala de control y el estudio, donde se sentaban detrás de George, subidos en taburetes altos, con las luces atenuadas» (Geoff Emerick, 2006).

The inner light no necesitaba nada más: la pista instrumental era impecable, como cabía esperar, gracias a la participación de los virtuosos músicos indios; y la interpretación vocal de Harrison, aunque ajustada a su limitado registro, era soberbia. Pocas veces había logrado George imprimir una belleza similar a una canción gracias a su voz. Con el apoyo de McCartney, The inner light se convirtió en la primera composición de Harrison que se ganó un hueco en un single de The Beatles. Paradójicamente, este reconocimiento implicó que la canción no apareciera en ningún álbum durante años y, como consecuencia, buena parte del público no la tenía en su radar:

«Creo que la canción pasó desapercibida para la mayoría de la gente, porque en aquella época yo estaba un poco fuera de onda en lo que se refiere a la música popular occidental» (George Harrison, 1980).

El caso es que The inner light impresionó profundamente al resto de The Beatles y les puso definitivamente sobre aviso: como compositor, George era un contendiente indiscutible. Valga como prueba el hecho de que entre las cintas inéditas de las sesiones de Let it be se escucha una breve reinterpretación de la canción con John como voz solista (y recordando la letra con bastante precisión), acompañando por George a la guitarra. El improvisado remake se registró el 28 de enero de 1969.

Versiones, variaciones y reediciones

Versiones

1. La grabación original de estudio, aparecida por primera vez en el single Lady Madonna (Parlophone R 5675, 15 de marzo de 1968).
2. Un medley de esta canción y Here comes the sun publicado en el CD Love (Apple 0946 3 79808 2 8/0946 3 79810 2 3, 20 de noviembre de 2006) con el título Here comes the sun/The inner light (Transition). Incluye la tabla de Within you without you.
3. La pista básica instrumental de la canción, publicada simultáneamente el 9 de noviembre de 2018 en las versiones en 6 CDs+Blu-ray (Apple/Universal Music 0602567571957) y en álbum digital (Apple/Universal Music, sin referencia) de The Beatles – Anniversary super deluxe edition, con el título The inner light (Take 6 – Instrumental backing track) en el primer formato y The inner light – Take 6 / Instrumental backing track en el segundo. Se trata de la toma 5 después de ser transferida a una cinta de cuatro pistas en los estudios londinenses de EMI. Lo que escuchamos por tanto es la versión instrumental de la mezcla estéreo original, porque la monoaural incluye una edición de una toma anterior en su inicio.

Variaciones y reediciones de la versión 1

1. La mezcla monoaural original, utilizada también en las ediciones estadounidenses, acometida el 8 de febrero de 1968. Contiene un pasaje instrumental en la introducción, probablemente una flauta india, que se escucha a mayor volumen que en la mezcla estéreo, dura más y alcanza una nota alta al final. Joseph Brennan considera que puede tratarse de una edición o una sobregrabación que, por error, no se incluyó en la mezcla estéreo. Según Dave Rybaczewski, lo que en realidad ocurrió fue que, antes de acometerse la mezcla mono definitiva, se decidió sustituir la introducción instrumental de la toma 5 por una de las provenientes de las tomas anteriores, quizá la 4, grabada en todo caso el 12 de enero de 1968. En la mezcla estéreo, que no se acometió hasta dos años más tarde, el equipo técnico olvidó proceder a realizar esta edición.

• Lady Madonna, single, Parlophone R 5675, 15 de marzo de 1968 (primera edición y reediciones 1-7)
• Rarities, LP, EMI PSL 261, en The Beatles collection, 14 LPs, EMI BC 13, 10 de noviembre de 1978 (primera edición, primera edición en solitario y reediciones 1-2)

2. La mezcla estereofónica original, utilizada también en las ediciones estadounidenses, acometida el 27 de enero de 1970. Probablemente la pieza era una candidata tardía a aparecer en el álbum estadounidense Hey Jude, que fue publicado el siguiente 26 de febrero, pero finalmente no se incluyó en la recopilación. Esta mezcla, cuyo productor oficial fue, excepcionalmente, Geoff Emerick (aunque nunca se le ha acreditado como tal en disco alguno), permaneció inédita hasta 1981.

• The Beatles, EP, Parlophone SGE 1, en The Beatles E.P.s collection, 15 EPs, Parlophone BEP 14, 7 de diciembre de 1981 (primera edición)

3. La remasterización de 1988, estereofónica y basada en la variación 2.

• Past masters – Volume two, CD, Parlophone CD-BPM 2, 8 de marzo de 1988 (primera edición y reediciones 1-3)
• Past masters – Volumes one & two, 2 LPs/2 cassettes, Parlophone BPM 1/TC-BPM 1, 24 de octubre de 1988 (primera edición y reediciones 1-2)

4. Una remasterización monoaural basada en la variación 1, aparecida por primera vez en 1989.

• Lady Madonna, single (reediciones 8-12)

5. La edición estándar a partir de 2009, una remasterización digital en estéreo basada en la variación 2.

• Past masters, 2 CDs, Apple 5099924380720, 9 de septiembre de 2009 (primera edición y reediciones 1-4)

6. La remasterización digital de la mezcla monoaural, hecha también en 2009 y basada en la variación 1.

• Mono masters, 2 CDs, Apple 5099968495824, en The Beatles in mono, 13 CDs, Apple 5099969945120, 9 de septiembre de 2009 (primera edición)

7. La mezcla digital definitiva para vinilo, en esencia igual que la variación 5 pero tratada con ecualización propia para adaptarse al formato.

• Past masters, 2 CDs (reediciones 5-7)

8. Una nueva mezcla mono analógica, preparada en 2014 para la reedición de la discografía del grupo en vinilo en versión monoaural.

• Lady Madonna, single (reedición 13)
• Mono masters, 2 CDs (primera edición en solitario y reedición 1)

Repercusión social

El vigesimoquinto y penúltimo episodio de la quinta temporada de la serie de ciencia ficción estadounidense Strak Trek: The next generation, con argumento de Morgan Gendel, gran fan de The Beatles, y guion compartido con Peter Allan Fields, se tituló “The inner light” en homenaje a la canción de Harrison. Se estrenó el 1 de junio de 1992. Es tenido por uno de los mejores capítulos de la saga completa de Star Trek y en 1993 ganó el premio Hugo de ciencia ficción a la mejor obra dramática del año.

En 2020, la Material World Foundation creada años atrás por el difunto George Harrison lanzó “The inner light challenge”, una iniciativa en beneficio de MusiCares COVID-19 Relief Fund, Save The Children y Médecins Sans Frontières en su lucha contra la pandemia mundial de la COVID-19. Anunciaba la donación de 500.000 dólares estadounidenses y se comprometía a añadir uno más, con un límite de 100.000, por cada post publicado en redes sociales que, con el hashtag #innerlight2020, compartiera su propia reflexión en torno a la composición de George. Dhani Harrison, el hijo del fallecido exbeatle, subió el 26 de marzo a YouTube su propio vídeo, en el que cantaba hermosamente la canción mientras se acompañaba del sonido de un rin gong o cuenco tibetano. Entre las celebridades que se sumaron a la iniciativa hay que contar a Mick Fleetwood, Jewel, Jools Holland, Jeff Lynne, Moby y Anoushka Shankar. Olivia, la viuda de George, dejó escrito lo siguiente:

«Esta letra cantada por George es un recordatorio positivo para todos los que estamos aislados, en cuarentena o respetando la petición de quedarnos en casa. Mantengámonos conectados en estos momentos difíciles. Hay cosas que podemos hacer para ayudar y te invitamos a compartir tu Luz Interior» (Olivia Harrison, 2020).

Ese mismo día Paul se hizo eco de la campaña en su propia web, reprodujo el vídeo de Dhani Harrison y escribió su propio aporte: “Cuando nos encontramos en tiempos difíciles… Feliz de apoyar a Dhani y a Olivia con esta causa tan digna de encomio. Gran canción, maravillosa iniciativa #innerlight2020”.

Éxito en listas

• Estados Unidos:

• • Entrada única:
    • Debut: 30 de marzo de 1968
    • Puesto más alto: 96 [30 de marzo de 1968, una semana; número 1: (Sittin’ on) The dock of the bay, Otis Redding]
    • Semanas en listas: 1

The inner light, la composición de George, no funcionó muy bien en la lista de Billboard. Apareció durante una única semana, la del 30 de marzo de 1968, y solo consiguió alcanzar el puesto 96. No logró entrar en las listas de Cashbox y Record World.

Apariciones audiovisuales

Vídeo-clip

El 26 de marzo de 2020, coincidiendo con el lanzamiento de “The inner light challenge”, la cuenta oficial de The Beatles estrenó un sencillo vídeo-clip animado de la canción que reproducía su letra entre motivos indios.

Carreras en solitario

George Harrison

• En disco: The inner light (Alternative take – Instrumental), single digital, Apple, sin referencia, 18 de septiembre de 2014 [como The inner light (Alternative take – Instrumental)]; Wonderwall music (edición ampliada), CD/álbum digital, Apple 0602537913954/sin referencia, 22 de septiembre de 2014 [como The inner light (Alternative take – Instrumental)].