[Este artículo forma parte de la obra The Beatles: It’s all too much – Una enciclopedia por entregas: disco a disco, tema a tema. Puedes acceder a la introducción, que contiene además el índice completo, pinchando aquí.]

[Continuación de la parte 1 de Abbey Road (LP)]

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Cara A:
COME TOGETHER (Lennon-McCartney)
SOMETHING (Harrison)
MAXWELL’S SILVER HAMMER (Lennon-McCartney)
OH! DARLING (Lennon-McCartney)
OCTOPUS’S GARDEN (Starkey)
I WANT YOU (SHE’S SO HEAVY) (Lennon-McCartney)

Cara B:
HERE COMES THE SUN (Harrison)
BECAUSE (Lennon-McCartney)
YOU NEVER GIVE ME YOUR MONEY (Lennon-McCartney)
SUN KING (Lennon-McCartney)
MEAN MR. MUSTARD (Lennon-McCartney)
POLYTHENE PAM (Lennon-McCartney)
SHE CAME IN THROUGH THE BATHROOM WINDOW (Lennon-McCartney)
GOLDEN SLUMBERS (Lennon-McCartney)
CARRY THAT WEIGHT (Lennon-McCartney)
THE END (Lennon-McCartney)

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Lista de reproducción completa del álbum Abbey Road

Cara A

Come together (Lennon-McCartney) 4’20”

• Versión 1 de 4 de Come together
  • Variación 1 de 11: primera edición del disco en LP y cinta abierta estéreo y reediciones 1-4
  • Variación 2 de 11: primera edición del disco en cinta abierta mono
  • Variación 3 de 11: reediciones 5-11
  • Variación 4 de 11: reediciones 12-17
  • Variación 5 de 11: reediciones 18-20
  • Variación 7 de 11: reediciones 21-24

Grabación: 21, 22, 23, 25, 29 y 30 de julio de 1969 (EMI Studios)
Productor: George Martin
Ingenieros de sonido: Geoff Emerick y Phil McDonald

GEORGE HARRISON: Guitarra solista y guitarra rítmica
JOHN LENNON: Guitarra solista, palmas, voz principal y segunda voz
PAUL McCARTNEY: Bajo, piano eléctrico y segunda voz
RINGO STARR: Batería y maracas

COME TOGETHER (Lennon/McCartney)

Shoot me.
Shoot me.
Shoot me.
Shoot me.
Here come old flat top.
He come groovin’ up slowly.
He got joo joo eyeball.
He one holy roller.
He got hair down to his knee.
Got to be a joker,
he just do what he please (yeah).
Shoot me.
Shoot me.
Shoot me.
Shoot me.
He wear no shoeshine.
He got toe jam football.
He got monkey finger.
He shoot Coca-Cola.
He say “I know you, you know me.
One thing I can tell you
is you got to be free.”
Come together right now over me.
Shoot me.
Shoot me.
Shoot me.
He bag production.
He got walrus gumboot.
He got Ono sideboard.
He one spinal cracker.
He got feet down below his knee.
Hold you in his armchair,
you can feel his disease.
Come together right now over me.
Shoot me.
Right!
Hah hah hah hah hah hah hah hah hah hah hah hah hah hah hah
_(oo oo oo oo oo oo oo).
Come, oh
_(oo).
Come.
Come.
Come.
Come.
(Look out, now!)
He roller coaster.
He got early warning.
He got muddy water.
He one mojo filter.
He say “one and one and one is three.”
Got to be good lookin’,
’cause he’s so hard to see.
Come together right now over me.
Shoot me.
Shoot me.
Shoot me.
Oh!
Come together.
Yeah.
Come together, yeah.
Come together, yeah.
Come together, yeah.
Come together, yeah.
Come together, yeah.
Come together, yeah
_(oh, wah).
Come together, eh eh eh eh eh eh eh eh
_(aaah).
Come together, yeah
_(aaah).
Come together, yeah
_(aaah).

REUNÍOS (Lennon/McCartney)

Dispárame.
Dispárame.
Dispárame.
Dispárame.
Ya viene el tipo con corte a cepillo.
Viene contoneándose despacio.
Tiene ojos que dan yuyu.
Es un fanático religioso.
Tiene el pelo largo hasta la rodilla.
Tiene que ser un cachondo,
hace lo que le da la gana, sí.
Dispárame.
Dispárame.
Dispárame.
Dispárame.
No lleva lustre en los zapatos.
Tiene mugre en su balompié.
Tiene dedos de mono.
Se chuta Coca-Cola.
Dice “yo te conozco, tú me conoces.
Lo único que puedo decirte
es que tienes que ser libre”.
Reuníos ahora mismo en torno a mí.
Dispárame.
Dispárame.
Dispárame.
Se llena la saca.
Tiene katiuskas de morsa.
Tiene apoyo de Ono.
Es un rompe espinazos.
Tiene los pies por debajo de su rodilla.
Te abraza en su butaca,
puedes percibir su enfermedad.
Reuníos ahora mismo en torno a mí.
Dispárame.
¡De acuerdo!
Venid, oh.
Venid.
Venid.
Venid.
Venid.
¡Cuidado ahora!
Es un agitador.
Le canta el pozo.
Le dieron agua turbia.
Es un manipulador.
Dice “uno y uno y uno hacen tres”.
Tiene que ser bien parecido,
porque vende muy caro dejarse ver.
Reuníos ahora mismo en torno a mí.
Dispárame.
Dispárame.
Dispárame.
¡Oh!
Reuníos.
Sí.
Reuníos, sí.
Reuníos, sí.
Reuníos, sí.
Reuníos, sí.
Reuníos, sí.
Reuníos, sí,
oh.
Reuníos,
ah.
Reuníos, sí,
ah.
Reuníos, sí,
ah.

Come together es un tema grandioso, una canción con un deje funk poco común en una grabación de The Beatles. El mérito principal es de John Lennon, su autor, que puso en manos de sus compañeros de banda una pieza de R’n’R clásico con una letra delirante, pero fue el trabajo del grupo en el estudio lo que convirtió la grabación en épica. Su semejanza con una antigua composición de Chuck Berry le supuso a Lennon más de un dolor de cabeza, pero era una de sus creaciones favoritas y la siguió defendiendo con uñas y dientes hasta el día de su muerte. Fue la única composición propia del reperorio de The Beatles que John interpretó en directo en su carrera en solitario. Nació como un jingle político, pero nadie lo diría.

Composición

Come together, el magnífico tema con el que abre Abbey Road, es una canción de John de la que el guitarrista, que siempre se mostró muy autocrítico con el conjunto de su obra, se sentía particularmente orgulloso. Lennon había iniciado su composición por encargo, intentando escribir una pieza que sirviera como eslogan electoral para Timothy Leary en su campaña para convertirse en gobernador del estado de California. Fue la esposa de Leary, el gurú estadounidense de las drogas, la que solicitó la colaboración de Lennon, durante la visita que ambos rindieron a John y a Yoko en Montreal mientras la pareja celebraba su segundo “bed-in”. Aquel 1 de junio de 1969 Timothy y Rosemary Leary participaron en la grabación de Give peace a chance y se ganaron una mención en la letra del himno pacifista de Lennon… en el que John también canta “come together, all together”.

El 2 de junio John creó el esbozo de un jingle que contenía el jocoso lema con el que el psicólogo pretendía presentarse a las elecciones: “Come together – Join the party!” (“party” significa “partido” —político en este caso—, pero también “fiesta”, y obviamente Leary jugaba con ese doble sentido). Leary había acuñado la expresión “come together” a partir del I Ching chino, El libro de los cambios, y en concreto de su hexagrama 13. Conocido como 同人 (tóng rén o t’ung jen), su nombre suele traducirse en castellano como “la comunidad de los hombres” y en inglés como “concording people” (“personas concordantes”), aunque también “fellowship with men” (“comunión con los hombres”) o “gathering men” (“reunión de hombres”). Representa el acuerdo y la armonía entre personas y grupos.

El beatle entregó al gurú del LSD una cassette con una demo sin desarrollar y prometió completar la composición, pero nunca llegó a hacerlo: cuando Leary fue acusado de posesión de marihuana y no pudo presentarse a unas elecciones que finalmente ganó el republicano Ronald Reagan, futuro presidente de los Estados Unidos, John mantuvo el título del tema pero rehízo la canción para convertirla en una pieza del repertorio de The Beatles. El texto de aquella primera composición, que llegó a escucharse en algunas emisoras underground californianas de frecuencia modulada, rezaba así:

Come together right now.
Don’t come tomorrow.
Don’t come alone.
Come together right now over me.
All that I can tell you is you gotta be free.

Reuníos ahora mismo.
No vengáis mañana.
No vengáis solos.
Reuníos ahora mismo en torno a mí.
Todo lo que puedo deciros es que tenéis que ser libres.

«La cosa fue creada en el estudio. Es un sinsentido. “Come together” era una expresión que utilizaba Tim Leary para ser presidente o lo que fuera, y me pidió que le escribiera una canción de campaña. Lo intenté y lo intenté, pero no conseguía sacarla. Pero saqué esto, Come together, que no le habría valido para nada; no puedes tener una canción de campaña como esa, ¿no? Leary me atacó años después, diciendo que le robé. No le robé. Simplemente se convirtió en Come together. ¿Qué iba a hacer, regalársela? Era un disco funky; es una de mis piezas favoritas de The Beatles, o una de mis piezas favoritas de Lennon. Digámoslo así. Es funky, es bluesy, y la canto bastante bien. Me gusta el sonido del disco. Puedes bailarla. ¡Yo la compraría!» (John Lennon, 1980).

«Aunque la nueva versión era sin duda una mejora musical y letrística con respecto a mi canción de campaña, me molestó un poco que Lennon hubiera pasado de mí de aquella manera… Cuando le envié una amable protesta a John, me contestó, con el típico encanto e ingenio de Lennon, que él era un sastre y yo un cliente que había encargado un traje y nunca había vuelto a por él. Así que se lo vendió a otro» (Timothy Leary).

«Esa es otra de mis favoritas. Al principio se inventó como canción de campaña, pero nunca salió así. La gente se suele preguntar cómo compongo. Lo hago de todo tipo de maneras: piano, guitarra, todas las combinaciones que puedas pensar de hecho. No es fácil» (John Lennon).

Entre el fandom de la banda corrió durante un tiempo el rumor de que el texto del estribillo escondía una poco sutil referencia sexual. Quizá era inevitable: “come together” puede traducirse como (ejem) “correos todos juntos”. Lennon nunca sugirió siquiera que la letra contuviera una intención oculta. Quizá sí la tenía en la mente de Leary.

John tuvo que hacer frente a un serio problema como consecuencia de la composición de Come together: Morris Levy, el dueño de la compañía editora de algunas de las composiciones de Chuck Berry, Big Seven Music, le demandó con una acusación de plagio. El argumento esgrimido por Levy, que nunca recibió respaldo del propio Berry, estribaba en la utilización por parte de Lennon de los versos tercero y cuarto de la segunda estrofa de You can’t catch me —una canción de Berry de 1956— al principio de Come together (“Here come a flat top./He was movin’ up with me”) y en la que él entendía como una semejanza notable de las melodías. Lennon negó la acusación:

«Come together soy yo… escribiendo vagamente alrededor de una vieja cosa de Chuck Berry. Dejé el verso “here comes old flat top”. No es en absoluto como la canción de Chuck Berry, pero me llevaron a los tribunales porque admití la influencia una vez hace años. Podría haberlo cambiado por “here comes old iron face” (“aquí viene el viejo caradura”), pero la canción sigue siendo independiente de Chuck Berry o cualquier otra persona del mundo» (John Lennon, 1980).

«Estaba tocando [You can’t catch me] y cuando llegué a… me paré y dije… simplemente salió “come together” porque “come together” me andaba rondando la cabeza. Creo que es un cumplido a Chuck Berry, no un puñetero… Quiero decir, nosotros le resucitamos» (John Lennon, 1970).

A pesar de que nunca admitió el plagio, John no estaba dispuesto a entrar en una larga batalla judicial, de forma que llegó a un acuerdo privado con Levy en octubre de 1973 que le evitó tener que acudir a la vista señalada para el siguiente mes de diciembre en Nueva York: se comprometió a grabar tres canciones propiedad de la editora del estadounidense y publicarlas en su siguiente álbum. Lennon se puso a repasar el catálogo de Big Seven Music y localizó tantos temas de entre sus preferidos en la adolescencia que decidió poner en marcha la grabación de un álbum completo de clásicos del R’n’R, aunque solo eligió, como se había comprometido a hacer, tres de las composiciones controladas por Levy: You can’t catch me (Berry), de Chuck Berry; Angel baby (Hamlin), de Rosie & the Originals; y Ya ya (Robinson/Dorsey/Lewis), de Lee Dorsey. La versión de John de You can’t catch me, la canción de la controversia, se grabó a propósito con arreglos que recordaban al Come together de The Beatles; una última e irónica pataleta.

El verso de Berry no cumplía en la canción de John otra función que la de servir de presentación del delirante protagonista de la pieza, al que muchos han identificado como un autorretrato deformado del propio Lennon… aunque no son pocos los que fans han interpretado alternativamente que cada estrofa describe a uno de los cuatro miembros de la banda. La propuesta suena sugerente pero carece de base: cada exégeta propone atribuciones distintas.

El texto de Come together demuestra una vez más que John era capaz de jugar con las palabras con una habilidad pasmosa. Esta vez ejercitó sus mañas literarias haciendo abundante uso del slang propio de los negros estadounidenses, con frases inconclusas que muchas veces carecen de verbo, y engarzadas sin otra finalidad que la de retratar con rápidas pinceladas al “tipo con corte a cepillo” de la primera estrofa. El ejercicio, tan común en las creaciones de John, de componer letra y música a base de retazos cazados al vuelo volvió a ofrecer un resultado magistral. Pero cuidado: probablemente sería llamarse a engaño buscar algún mensaje concreto en los versos de Come together. Se pueden encontrar trazas de su origen de canción de campaña (el estribillo, el verso “one thing I can tell you is you got to be free”), pero por lo demás John se limitó a dibujar un personaje estrambótico con frases sugerentes. El mismo Lennon afirmó “tendré que dejar de escribir letras tan tontas” tras interpretarla en directo en 1972.

La letra contiene un guiño a los oyentes atentos: se dice del protagonista que se dedica al “bag production”, es decir, a aumentar su capital a base de llenar su bolsa de propiedades ajenas. En paralelo, John y Yoko habían aprovechado la ambigüedad de la expresión para dar nombre a su propia compañía, Bag Productions, fundada el 24 de mayo de 1969, cuyo nombre hacía también referencia a su afición compartida hacia el “bagism”, una forma de happening que ellos mismos habían inventado.

“Muddy water” y “mojo filter” son, por su parte, referencias poco veladas al músico estadounidense de blues Muddy Waters y a uno de los temas más famosos de su discografía, Got my mojo working (Foster), publicado en 1957. “Early warning” (literalmente “primer aviso”) es un coloquialismo que se refiere al mal aliento. Yoko también aparece en la canción: lo hace como apoyo moral de su protagonista, que cuenta con “Ono sideboard”. La expresión es confusa en realidad: “sideboard” significa literalmente “aparador” pero también, de una manera genérica, “soporte”… aunque en el slang de la época se utilizaba asimismo como una variante de “sideburn”, “patilla”. De hecho, en algunas de las tomas John utilizó esta segunda palabra, probablemente como una broma. El analista Ian MacDonald sugirió la posibilidad de que la expresión “spinal cracker” (“rompe espinazos”) fuera igualmente una referencia a la flamante esposa de Lennon, conjeturando que quizá evocaba una práctica tradicional entre las esposas japonesas: caminar sobre la espalda de sus maridos para ayudarles a mantener la columna vertebral flexible.

Una muestra más de la afición de John por las frases de sentido ambiguo la encontramos en la utilización de la expresión “roller coaster”. Según explica Antonio Cillero en su libro Beatles 2 (Ediciones Júcar, Gijón, 1976), el “San Francisco roller coaster” es un juego en el que se enfrentan dos equipos, de los cuales gana el que consigue invadir el campo del contrario a base de arrollar al otro. Por asociación, un “roller coaster” es una persona de simpatía arrolladora. Pero además también es una forma de denominar la música californiana estilo Beach Boys. John juega al parecer con todos sus significados.

La letra esconde varias referencias al universo del propio Lennon y entre ellas, una vez más, la morsa, el tótem privado de The Beatles. Además, como señala Nicholas Schaffner, aparece por primera vez en una canción del grupo una mención al pelo largo, un elemento determinante de la imagen de The Beatles desde su nacimiento como grupo (aunque lo cierto es que la banda ya había grabado una canción en la que aludía a las melenas, I’ve got a feeling, pero formaba parte del repertorio del álbum que permanecía en pausa, Let it be). Para no dejarse nada de la iconografía moderna, por último, se menciona hasta la Coca-Cola.

John quizá se habría ahorrado esta última cita de haber sabido que sería motivo de una nueva y pueril controversia: la BBC argumentó que la aparición de la marca de refrescos en la letra de la canción era publicidad encubierta y prohibió la emisión de Come together.

En el primer pasaje vocal de la canción, que reaparece una y otra vez a lo largo de toda la pieza, Lennon escupe ante el micrófono hasta cuatro veces la frase “shoot me” (“dispárame”), aunque, como diremos más abajo, solo se escucha la primera palabra. John había utilizado una expresión similar (“shoot big”, “disparar a lo grande”) en una composición propia que permanece oficialmente inédita, Watching rainbows. John (teclados y voz), Paul (guitarra solista) y Ringo (batería) la habían ensayado el 14 de enero de 1969, el último día en el que trabajaron sin George en los Twickenham Film Studios durante el rodaje del proyecto Get back. Es probable que en Come together la expresión se refiriera a la transitoria adicción de Lennon a la heroína, aunque la locución resulta ambigua: también se utilizaba en la época como respuesta a un profundo desacuerdo de opiniones (“so shoot me”, algo así como “vale, dispárame”).

No hay constancia de la colaboración de McCartney en la composición de esta canción… pero en una entrevista televisiva concedida en diciembre de 1987 Harrison afirmó haber escrito un par de versos de Come together.

Chuck Berry no fue la única referencia que John utilizó cuando compuso la canción. Su otro héroe de la adolescencia, Elvis Presley, sugirió el texto de las dos últimas palabras del estribillo y también su melodía, pausa dramática incluida: el pasaje remeda el de la rima central de la canción (Let me be your) Teddy bear (Mann/Lowe), de 1957, mientras que el texto es una variante del de I’m gonna sit right down and cry (Over you) (Thomas/Biggs), grabada y publicada por el Rey en 1955. Existe una versión de The Beatles de esta última canción, interpretada para la radio y publicada en 1994.

«“Over me” pretendía ser una especie de broma, como Elvis haciendo “over you”» (John Lennon, 1970).

Si la letra de la canción merece atención, ¿qué decir de la música? Come together es una de las piezas de R’n’R más originales de todos los tiempos. Su ritmo es denso, moderadamente salvaje, contenidamente áspero… y definitivamente pantanoso, tal como apuntó McCartney. La interpretación instrumental sugiere una energía contenida a punto de reventar, y lo mismo ocurre con la interpretación vocal de John. El estribillo parece el momento de dejar escapar toda esa fuerza retenida, pero Lennon también se contiene en este pasaje y solo al final se permite unas cuantas licencias vocales algo más salvajes. La influencia de la música negra es palpable en la línea melódica del bajo y en el ritmo, una combinación de R&B y funk pasada por el tamiz blanco de The Beatles. No en vano, como se verá más abajo, Come together es una canción versionada preferentemente por artistas afroamericanos. Algunos autores han etiquetado la canción como un número de swamp rock, un género que combina elementos del rockabilly, la música soul, el blues de Louisiana, la música country y el funk. El pionero del estilo fue Tony Joe White, pero cuando se publicó Come together los principales abanderados del swamp rock era los californianos Creedence Clearwater Revival.

«Del nuevo álbum me gusta Come together, que es una grandeza de John» (Paul McCartney, 1969).

«Un gran disco» (Paul McCartney, 2000).

«Come together fue una de las últimas que se grabaron. John tuvo un accidente y estuvo de baja durante un tiempo. Cuando volvió, más o menos una semana antes de terminar el álbum, grabamos esta. Creo que la escribió hace un mes o así, así que es muy nueva. Es una especie de melodía de doce compases. Es uno de los sonidos más agradables que hemos producido, en realidad. Buena batería de Ringo. Y podría decirse que es rítmica. Supongo que se la podría considerar un rocker. Rocker-beat-a-boogie» (George Harrison, 1969).

Arreglos instrumentales y vocales

Uno de los reclamos vocales de la canción es el repetitivo “shoot” que John prácticamente escupe ante el micrófono. De su valor musical hablaremos más abajo, pero lo mencionamos ahora para dejar constancia definitiva de que, aunque el oyente solo distingue esa palabra cada vez que John la canta, en realidad Lennon mascullaba “shoot me” (“dispárame”) —una tétrica invocación si tenemos en cuenta cómo murió—, pero la segunda de las palabras quedó oculta en la mezcla por culpa del bajo de McCartney y de las palmas de Lennon.

«En el disco terminado en realidad solo se oye la palabra “shoot!”. La nota de guitarra baja cae donde está el “me”» (Geoff Emerick, 1988).

Los primeros compases de la canción ya revelan cuáles van a ser algunos de los elementos sonoros principales de la pieza: al impresionante “shoot” de Lennon (que se estampa en la cara del oyente a pesar de no ser más que un susurro) le sigue una combinación de palmada mezclada con eco —obra también de John— y una sorpresiva nota de bajo que continúa en un inteligente riff, punteado finalmente por un sordo redoble de batería. El truco, repetido varias veces a lo largo de la interpretación machaconamente, no es más que el magistral comienzo de una interpretación soberbia.

Come together no sería la misma canción sin el instrumento de McCartney. Excepto en los solos, en los que la guitarra gana protagonismo discretamente, el verdadero actor principal entre los instrumentos de la pieza es el habitualmente relegado bajo. Melódico como casi siempre en manos de Paul, esta vez el instrumento no solo modifica el sonido general de la canción sino que le confiere la densa atmósfera que la preside gracias a sus soberbios pasajes solistas. El arreglo de McCartney sigue apareciendo en nuestros días en varias listas que ensalzan las mejores líneas de bajo de la Historia: la publicada en Guitar World (2022), la de MusicRadar (2022), la de Band Pioneer (2023), la de WatchMojo (2023), la de eMastered (2023)…

El hecho es que el sonido de la canción le debe mucho al trabajo instrumental de McCartney, que también se lució con su pista de piano eléctrico. Paul consiguió incluso que John le alabara su interpretación:

«Cuando [John] nos elogiaba a alguno de nosotros se trataba de un gran elogio, porque no se prodigaba mucho con ellos. Si alguna vez te caía una pizca, una migaja, te sentías bastante agradecido. Con Come together, por ejemplo, quería una fraseo de piano que fuera espeso y cargado, y yo la toqué de esa manera y le gustó un montón. Me quedé muy contento» (Paul McCartney, 1984).

Sorprendentemente (y con cierta seguridad, erróneamente), Geoff Emerick dejó escrito años más tarde que Lennon rehízo en una sesión posterior el arreglo de piano eléctrico de McCartney ejecutándolo él mismo:

«Al principio, Paul tocó el piano eléctrico, pero John le miraba por encima del hombro y estudiaba lo que tocaba. Cuando llegó el momento de grabarla, John tocó el piano eléctrico en lugar de Paul. Puede que Paul se enfadara, pero creo que le molestaba más no cantar en los estribillos: John hizo su propia voz de acompañamiento» (Geoff Emerick, 2014).

Las guitarras de George y John se deslizan sinuosamente entre las notas de bajo y de piano, lenta pero afiladamente. La percusión de pandereta y maracas, por último, acompaña a la batería de Ringo, impresionante una vez más por su originalidad y su asombrosa precisión.

«El bajo nunca había sonado tan vibrantemente resonante, ni la batería tan fluida, ni una guitarra solista tan humeante» (Alan W. Pollack, 1999).

«Ringo utilizó los famosos paños de cocina en su batería en Come together, un efecto estupendo. Una batería ruidosa se habría cargado el ambiente espeluznante de la canción» (Geoff Emerick, 2014).

Nos queda hablar de la interpretación vocal, y este no es un apartado menor. De hecho, todo el espléndido acompañamiento instrumental, brillante como era, no hacía sino envolver de forma muy competente la increíble voz de John, mezclada con eco y acompañada eficazmente por la de Paul. Para George Martin, la interpretación vocal de Lennon era el elemento determinante de la canción… pero ciertamente no el único:

«Una pieza memorable (…), el rocker en estado embrionario Come together, de Abbey Road, fue construida virtualmente alrededor de los sonidos vocales improvisados por John» (George Martin, 1994).

«Si tuviera que elegir una canción que mostrara los cuatro talentos dispares de los chicos y las formas en que se combinan para crear un gran sonido, elegiría Come together. La canción original es buena, y con la voz de John es mejor. Entonces a Paul se le ocurre un pequeño riff genial. Y Ringo lo oye y hace un arreglo de batería que encaja, y eso establece un patrón que John aprovechó y creó la sección [“shoot me”]. Y luego está la guitarra de George al final. Los cuatro se convirtieron en algo mucho, mucho mejor que los componentes individuales» (George Martin).

John compuso la canción como un tema rítmico de blues. Cuando se la presentó al resto de sus colegas en el estudio de grabación, McCartney apuntó que la creación de su antiguo amigo no solo abría con un verso obviamente repescado de You can’t catch me, sino que la melodía y el ritmo presentaban también descaradas semejanzas con la pieza de Chuck Berry. Fue él quien propuso variar el tempo para separarse tanto como fuera posible de la referencia original y evitar problemas futuros.

«Al principio la propuso como una cancioncilla muy alegre, y le señalé que era muy parecida a You can’t catch me de Chuck Berry. John reconoció que se parecía bastante, así que le dije: “Bueno, haz lo que puedas para alejarte de eso”. Sugerí que lo intentáramos de forma pantanosa —“pantanosa” fue la palabra que utilicé—, así que lo hicimos, la redirigimos. Añadí esa línea de bajo que, en buena medida, crea el ambiente. De hecho, es una línea de bajo que ahora se usa mucho en los discos de rap. Si no es un sample, usan ese riff. En fin, esa fue mi contribución» (Paul McCartney, 1997).

«Realmente ocurrió de forma bastante orgánica en el estudio. Mi famosa ocasión con el bajo alterando radicalmente toda la actitud de la canción fue cuando llegó John [con Come together]. Dije: “Ah, ah, ah, espera un minuto, espera un minuto, ¡esa es una canción de Chuck Berry!”. Hay una canción de Chuck Berry que se llama You can’t catch me, que no solo era igual, sino que la frase inicial es “here come old flat top”. ¡En realidad esa es la canción de Chuck Berry! Así que dije: “Oh, tío, ya sabes, mira, es una gran canción, me encanta, pero tenemos que hacer algo para alejarnos de eso”. Así que sugerí que la ralentizáramos, lo que le dio un toque “pantanoso” realmente agradable. Y cambió su actitud hacia ella» (Paul McCartney, 2021).

«La primera vez que [John] nos la tocó, con su guitarra acústica, era mucho más rápida que la versión final del disco. Fue Paul quien sugirió que se hiciera a un tempo más lento, con un sonido “pantanoso”, y Lennon aceptó sin rechistar; siempre aceptó bien las críticas constructivas» (Geoff Emerick, 2006).

«[“Here come old flat top”] era un verso que John no podía dejar escapar. Y no podía mejorarlo, así que simplemente lo usó. Y yo dije: “Bueno, en cierta medida es un atraco, ¿no?”. Él dijo: “No, es una cita”. Le dije: “De acuerdo, me vale”» (Paul McCartney).

Grabación

Come together comenzó a grabarse en el estudio el 21 de julio de 1969, entre las dos y media de la tarde y las nueve y media de la noche. Era la segunda pieza que John aportaba al álbum [la primera había sido I want you (She’s so heavy), todavía sin rematar] y la primera desde que estuvo claro que el objetivo de las nuevas sesiones de grabación era producir un LP. Hacía más de tres meses que The Beatles no se ponían a trabajar en una composición de Lennon. La última había sido The ballad of John and Yoko, registrada el 14 de abril.

Aquel lunes The Beatles grabaron en una mesa de cuatro pistas un total de ocho tomas de la base instrumental: George a la guitarra rítmica (pista 2); John a la pandereta en el solo y en la coda, cantando y batiendo palmas sobre la segunda sílaba de la expresión “shoot me” (pista 4); Paul al bajo (pista 1); y Ringo a la batería, con los tom-toms cubiertos por paños de cocina para amortiguar su sonido (pista 3). Casi todos los autores atribuyen a Lennon una labor como percusionista de pandereta en la mezcla final de la canción, pero se equivocan: esta pista vocal no se utilizó en la versión definitiva de la pieza y John no volvió a tocar este instrumento en ninguna de sus reinterpretaciones. La percusión adicional que se escucha en la canción son unas maracas que añadió Ringo a posteriori.

Tres de las tomas (la cuarta, la quinta y la séptima) no fueron completas. La sexta, la mejor, se transfirió al final de la sesión a una cinta de ocho pistas, transformándose en la “toma 9”. John iba variando ligeramente la letra en cada ataque: en la primera rendición mencionó a la actriz y cantante de jazz estadounidense Eartha Kitt y en la segunda, sexta y octava a Michael Lindsay-Hogg, el director de Let it be. El último verso de la cuarta estrofa rezaba en varias de las tomas “got to get injections ’cause he’s so hard to see” (“tiene que ponerse inyecciones porque se vende muy caro”), una rima que de alguna manera venía a confirmar que el protagonista de la letra (¿el propio John?) arrastraba preocupantes hábitos de consumo de sustancias ilegales.

«Come together cambió durante una sesión. Dijimos: “Vamos a ralentizarla. Hagámosle esto, hagámosle aquello”, y al final sale como sale. Simplemente dije: “Mirad, no tengo ningún arreglo para vosotros, pero ya sabéis cómo la quiero”. Creo que en parte es porque hemos tocado juntos durante mucho tiempo. Así que dije: “Dadme algo funky”, y quizá establecí un ritmo, y todos se sumaron» (John Lennon, 1969).

«John estaba de muy buen humor aquel día. Parecía cobrar vida cuando estábamos trabajando en una de sus canciones, en lugar de en una de las de Paul o de George. Es cierto que los tres mostraban cierta falta de paciencia si no se trataba de su canción —siempre había un claro descenso del interés cuando alguno de ellos trabajaba en la composición de otro beatle—, pero John era siempre el infractor más flagrante» (Geoff Emerick, 2006).

«Mi primer trabajo en profundidad para The Beatles fue la creación de una banda sonora para el espectáculo Love del Cirque du Soleil. Más de trece años después, mis recuerdos más perdurables de aquella época son los playbacks de Come together, en días distintos, con Paul y con Ringo. Sus reacciones fueron las mismas. Uno y otro cerraron los ojos mientras escuchaban, luego se volvieron hacia mí y me dijeron: “Recuerdo ese día”. Y después añadieron con una sonrisa: “Aquel día estuvimos muy bien”» (Giles Martin, 2019).

Al día siguiente la sesión comenzó de nuevo a las dos y media de la tarde y terminó también a las nueve y media de la noche. Toda la jornada estuvo dedicada a Come together excepto los primeros minutos, en los que Paul intentó grabar una pista vocal definitiva para Oh! Darling. John también rehizo su pista vocal, en su caso en Come together, de nuevo con un adorno de palmas. Ambos elementos fueron tratados con retardo y también se aplicó ADT a la voz en las secciones de los estribillos. Aquel mismo día se sobregrabaron un piano eléctrico Fender Rhodes (Paul) y una guitarra rítmica con mucha distorsión sobre las estrofas (George), ambos instrumentos en la pista 5, y unas maracas (Ringo), que se registraron en la pista 6. Según Geoff Emerick, John rehízo la pista de piano de Paul aunque copiando el arreglo de su compañero, pero poca gente concede credibilidad a esta versión de los hechos.

El día 23 The Beatles trabajaron de dos y media de la tarde a once y media de la noche. La sesión estuvo esencialmente dedicada a comenzar a grabar The end, pero antes McCartney probó de nuevo a sumar la voz de Oh! Darling, en una intentona que resultó ser la definitiva, y John intentó una vez más perfeccionar el trabajo vocal de Come together. Es probable que sea uno de los registros de aquel día el que escuchamos en la versión definitiva de la canción publicada en disco.

En la sesión del día 25, que comenzó a las dos y media de la tarde y se alargó durante doce largas horas, The Beatles trabajaron esencialmente en añadir arreglos sobre Sun King y Mean Mr. Mustard y en el registro inicial de Polythene Pam y She came in through the bathroom window. Además, Paul contribuyó vocalmente por fin en la grabación de Come together, añadiendo unas armonías graves en las estrofas segunda, tercera y cuarta y al inicio de los estribillos, en la misma pista en la que John doblaba su voz principal en los estribillos y añadía unos sutiles gemidos en la coda (pista 8). McCartney seguía lamentando meses después no haber contribuido de manera más sustantiva como cantante en Come together. Hay quien ha interpretado sus palabras en la cita que sigue como un reconocimiento de que no participó en absoluto como vocalista en la grabación de este tema (y es lo que afirmó Geoff Emerick que sucedió), pero lo más probable es que McCartney se refiriera a que no había cantado con Lennon de forma simultánea, como en tantas ocasiones en el pasado. Paul, sin ningún género de dudas, es la segunda voz en las estrofas de Come together. De hecho, según su amigo Barry Miles, el bajista sumó incluso unos fuertes resuellos en la coda que quedaron enterrados en la mezcla.

«Me encantaría que The Beatles estuvieran en plena forma y fueran tan productivos como lo fueron. Pero las cosas han cambiado. Todos son individualidades. Incluso en Abbey Road ya no hacemos armonías como antes. Creo que es triste. En Come together me hubiera gustado cantar en armonía con John y creo que a él le hubiera gustado, pero me daba vergüenza pedírselo y no doy lo mejor de mí mismo en esas situaciones» (Paul McCartney, 1970).

El día 29 el propio John registró la guitarra que se escucha en el solo de la canción, junto a algunos adornos en los estribillos que fueron suprimidos en la mezcla final (pista 7) —Dave Rybaczewski atribuye este registro a George—, y el día 30, por último, George añadió los retoques definitivos: más trabajo de guitarra solista, en este caso la que se escucha en la coda (de nuevo, pista 7). En este pasaje Come together se vuelve puro blues.

«Eso sí que es un ritmo, ¿a que sí? Sabíamos que teníamos algo funky, y ese fue siempre el objetivo. Como si pudieras coger cualquier cancioncilla que tuvieras y añadirle un cierto extra» (Paul McCartney, 2021).

La primera de estas dos sesiones conclusivas dio inicio una vez más a las dos y media de la tarde y acabó a las once menos cuarto, y aquel día la banda trabajó también sobre Sun King y Mean Mr. Mustard. La segunda comenzó a las dos de la tarde con un registro vocal para You never give me your money en la sala de control del estudio 2, y hora media más tarde se trasladó al estudio 3 para añadir retoques en Come together, Polythene Pam, She came in through the bathroom window, You never give me your money, Golden slumbers y Carry that weight. A las diez y media de la noche dio inicio un intenso trabajo de mezclas y ensamblaje de una primera versión del medley de la cara B. La tarea se dio por concluida a las dos y media de la madrugada.

Versiones, variaciones y reediciones

Versiones

1. La grabación original de estudio, aparecida por primera vez en el álbum Abbey Road (Apple PCS 7088/TA-PMC 7088/TD-PCS 7088, 26 de septiembre de 1969).
2. La toma 1 de estudio, grabada el 21 de julio de 1969. La letra es ligeramente distinta a la de la versión publicada en 1969. Apareció en el triple álbum Anthology 3 (Apple PCSP 729/TCPCSP 729/CDPCSP 729, 28 de octubre de 1996).
3. La versión publicada en el CD Love (Apple 0946 3 79808 2 8/0946 3 79810 2 3, 20 de noviembre de 2006), contenida en un medley titulado Come together/Dear Prudence/Cry baby cry (Transition). El medley combina una buena porción de Come together con los coros de la última estrofa de Dear Prudence y, a continuación, con un extracto de Can you take me back?, aunque el medley refiere el título de Cry baby cry. Se escuchan también las cuerdas de Eleanor Rigby y el clímax orquestal de A day in the life.
4. La toma 5 de estudio, grabada el 21 de julio de 1969. Fue publicada originalmente en el single digital Come together – Take 5 (Apple/Universal Music, sin referencia, 20 de septiembre de 2019) con el título Come together (Take 5 / Audio) e inmediatamente en las versiones en 3 LPs, 3CDs+DVD y álbum digital de Abbey Road – Anniversary super deluxe edition (Apple/Universal Music 0602508007446/0602577921124/sin referencia, 27 de septiembre de 2019) y en Abbey Road – 2 CD anniversary edition (Apple/Universal Music 0602577915079, 27 de septiembre de 2019).

Variaciones y reediciones de la versión 1

1. La mezcla estereofónica original, utilizada también en las ediciones estadounidenses, acometida el 7 de agosto de 1969. La guitarra rítmica y la solista del solo se escuchan a la izquierda; la guitarra solista de la coda, el bajo, las maracas, las palmas y las voces en el centro; y la batería a la derecha. El piano eléctrico aparece a la derecha al inicio pero se desplaza más tarde hacia el centro.

• Abbey Road, LP/cinta abierta, Apple PCS 7088/TD-PCS 7088, 26 de septiembre de 1969 (primera edición en LP y cinta abierta estéreo y reediciones 1-4)
• Something/Come together, single, Apple R 5814, 31 de octubre de 1969 (primera edición y reediciones 1-6)
• The Beatles/1967-1970, 2 LPs/cassette/cartucho, Apple PCSP 718/TC2-PCSP 718/8X2-PCSP 718, 19 de abril de 1973 (primera edición y reedición 1)
• The Beatles box, 8 LPs/8 cassettes, Parlophone/World Records SM 701-708/C70, 3 de noviembre de 1980 (primera edición y reedición 1)

2. La mezcla monoaural, una reducción al mono de la variación 1.

• Abbey Road, cinta abierta, Apple TA-PMC 7088, 26 de septiembre de 1969 (primera edición en cinta abierta mono)

3. La remasterización de 1987, estereofónica y basada en la variación 1.

• Abbey Road, LP (reediciones 5-11)
• Something/Come together, single (reediciones 7-14)
• The Beatles/1967-1970, 2 LPs (reediciones 2-5)
• 1, 2 LPs/cassette/CD, Apple 5 29325 1/5 29325 4/5 29325 2, 13 de noviembre de 2000 (primera edición)

4. La edición estándar a partir de 2009, una remasterización digital en estéreo basada en la variación 1.

• Abbey Road, LP (reediciones 12-17)
• The Beatles/1967-1970, 2 LPs (reediciones 6-7)
• 1, 2 LPs (reediciones 1-2)
• The Beatles/1962-1966 / The Beatles/1967-1970, 4 CDs, Apple 5099990991127, 18 de octubre de 2010

5. La mezcla digital definitiva para vinilo, en esencia igual que la variación 4 pero tratada con ecualización propia para adaptarse al formato.

• Abbey Road, LP (reediciones 18-20)
• Something/Come together, single (reedición 15)
• The Beatles/1967-1970, 2 LPs (reediciones 8-9)

6. Todavía una nueva mezcla, estereofónica, preparada para el relanzamiento en 2015 del recopilatorio 1.

• 1, 2 LPs (reediciones 3-8)
• 1+, 2 DVDs+CD/2 Blu-rays+CD, Apple 0602547567727/0602547567819, 6 de noviembre de 2015

7. La mezcla estéreo preparada por Giles Martin para el relanzamiento de Abbey Road en 2019.

• Abbey Road, LP (reediciones 21-24)
• Come together – 2019 mix, single digital, Apple/Universal Music, sin referencia, 20 de septiembre de 2019
• Abbey Road – Anniversary super deluxe edition, 3LPs/álbum digital, Apple/Universal Music 0602508007446/sin referencia, 27 de septiembre de 2019
• Abbey Road – 2 CD anniversary edition, 2 CDs, Apple/Universal Music 0602577915079, 27 de septiembre de 2019
• Abbey Road – Anniversary super deluxe edition, 3 CDs+DVD, Apple/Universal Music 0602577921124, 27 de septiembre de 2019
• The Beatles/1967-1970 (2023 edition), 3 LPs/3 LPs en vinilo azul/2 CDs/álbum digital, Apple/Universal Music Group International 0602455920805/0602455920898/0602455920959/sin referencia, 10 de noviembre de 2023
• The Beatles/1962-1966 / The Beatles/1967-1970 (2023 edition), 6 LPs/6 LPs en vinilo rojo y azul/4 CDs, Apple/Universal Music Group International 0602455921000/0602455920539/0602458503203, 10 de noviembre de 2023

8. La mezcla estéreo de 2019 en sistema Dolby Atmos.

• Abbey Road – Anniversary super deluxe edition, 3 CDs+DVD, Apple/Universal Music 0602577921124, 27 de septiembre de 2019
• The Beatles/1967-1970 (2023 edition), álbum digital en Dolby Atmos, Apple/Universal Music Group International, sin referencia, 10 de noviembre de 2023

9. La mezcla estéreo de 2019 en sistema 96kHz/24bit DTS HD Master Audio 5.1.

• Abbey Road – Anniversary super deluxe edition, 3 CDs+DVD, Apple/Universal Music 0602577921124, 27 de septiembre de 2019

10. La mezcla estéreo de 2019 en sistema 96kHz/24bit High Res Stereo.

• Abbey Road – Anniversary super deluxe edition, 3 CDs+DVD, Apple/Universal Music 0602577921124, 27 de septiembre de 2019

11. Una mezcla más, en esta ocasión en Dolby Atmos o “Spatial audio”, preparada por Giles Martin en 2022 para el streaming en Apple Music del recopilatorio 1.

• 1, 2 LPs (reedición 9)

Éxito en listas

• Reino Unido:
  • Primera entrada:
    • Debut: 8 de noviembre de 1969
    • Puesto más alto: 4 (22 de noviembre de 1969, una semana; número 1: Sugar, sugar, The Archies)
    • Semanas en listas: 12
  • Segunda entrada:
    • Debut: 11 de noviembre de 1989
    • Puesto más alto: 84 (11 de noviembre de 1989, una semana; número 1: All around the world, Lisa Stansfield)
    • Semanas en listas: 1
  • Tercera entrada:
    • Debut: 27 de noviembre de 2010
    • Puesto más alto: 81 (4 de diciembre de 2010, una semana; número 1: Heroes, The X Factor Finalists 2010)
    • Semanas en listas: 2
• Estados Unidos:
  • Entrada única:
    • Debut: 18 de octubre de 1969
    • Puesto más alto: 1 (29 de noviembre de 1969, una semana)
    • Semanas en listas: 16

El 6 de octubre de 1969 apareció en los Estados Unidos el single de doble cara A Something/Come together (Apple 2654). El día 31 de aquel mismo mes se publicó su correlato británico (Apple R 5814). Fue el único sencillo de The Beatles publicado intencionalmente en estos dos mercados durante la vida artística del grupo como un extracto de un álbum ya editado. Este extremo jugó en contra de sus posibilidades de éxito en el Reino Unido: buena parte de los potenciales compradores ya se había hecho con una copia de Abbey Road cuando el sencillo llegó a las tiendas y no encontró motivo alguno para aflojar una cantidad adicional de dinero por el single. Quizá también afectó el veto de la BBC: como consecuencia de la prohibición impuesta por la corporación pública, la canción no se escuchaba en la radio. El disco pequeño logró un más que meritorio cuarto puesto en los rankings, se mantuvo en listas doce semanas y vendió razonablemente bien, pero rompió definitivamente con la racha de números 1 de los de Liverpool.

No fue el caso en los Estados Unidos, país en el que las listas también tabulaban las emisiones radiofónicas de las canciones. Come together debutó en listas el 18 de octubre en el puesto número 20 a la vez que Something hacía su entrada en las mismas en el 23, y durante las siguientes cinco semanas una y otra canción fueron asciendiendo puestos, disputándose la primacía. Precisamente mientras estas dos canciones ascendían, Billboard modificó transitoriamente su política de desdoblamiento de las canciones de los sencillos en listas y, así, el 29 de noviembre de 1969 el número 1 del Hot 100 apareció atribuido a ambas canciones de forma simultánea.

El single reentró en las listas británicas el 11 de noviembre de 1989 gracias a la reedición correspondiente a su vigésimo aniversario. Escaló hasta el puesto 84 y solo se mantuvo una semana en el ranking.

El 27 de noviembre de 2010 Come together apareció por tercera vez en las listas británicas. Esta vez no era como consecuencia de su publicación en el single sino por propios méritos: la discografía completa de la banda había sido publicada digitalmente por fin y diez temas de The Beatles aparecieron de forma simultánea entre las canciones más vendidas de la semana. Come together se aupó hasta el puesto 83 e incluso lo mejoró siete días más tarde, escalando hasta el 81. El éxito de la canción en la era digital provocó un escenario paradójico: Something/Come together nunca llegó a merecer un disco de plata británico pero Come together lo obtuvo por su cuenta el 16 de marzo de 2018… y suma y sigue, porque se convirtió en disco de oro el 3 de enero de 2020 y en disco de platino el 2 de abril de 2021.

Repercusión social

Come together aparece de forma recurrente en las listas que identifican las mejores canciones de The Beatles o de la Historia del rock en general. Entre los rankings que la ensalzan como una de las mejores grabaciones de los de Liverpool cabe citar los publicados en 1992 por la revista sueca Now & Then (número 5), en 2001 por la publicación británica Uncut (número 23), en 2006 por la revista británica Mojo (número 13), en 2010 por la versión estadounidense de Rolling Stone (número 9), en 2014 por la web estadounidense Ultimate Classic Rock (número 20), ese mismo año por la publicación alemana Eclipsed (número 12), en 2015 por la revista digital estadounidense Paste (número 25) y ese mismo año por la publicación británica New Musical Express (número 20).

En la lista de las mejores 500 canciones de todos los tiempos, publicada por Rolling Stone en 2004 y actualizada en 2010, Come together apareció respectivamente en los puestos 202 y 205, aunque despareció en la revisión radical de 2021. También se ha colocado entre las cien canciones más reconocidas de todos los tiempos en las listas publicadas por la emisora radiofónica canadiense Q107 en 2000 (puesto 17), por la revista estadounidense Popdose en 2008 (puesto 54) y por la emisora radiofónica estadounidense WZLX en 2015 (puesto 57).

En abril de 2024 la publicación digital estadounidense Consequence reconoció a Come together el mérito de contener el mejor arreglo de bajo de la Historia. Las competidoras más inmediatas de la canción de The Beatles eran What’s going on, de Marvin Gaye; Mountain song, de Jane’s Addiction; Thank you (Falettinme be mice elf agin), de Sly & the Family Stone; y Psycho killer, de Talking Heads.

«Hay líneas de bajo sexys y líneas de bajo sexys, y los sensuales deslizamientos de McCartney por las cuerdas pertenecen sin duda al segundo grupo. Su trabajo añade un ritmo adictivo a esta canción clásica de The Beatles, aún más potente debido a su mesura» (L.S. Miller, Consequence, 2024).

El 3 de mayo de 2021, en una entrevista televisiva en The late show with Stephen Colbert (CBS, Estados Unidos), Ringo Starr afirmó que si solo pudiera escuchar una única canción durante el resto de su vida elegiría… Come together.

«Tengo muchas otras favoritas, pero, quiero decir, si quieres una… Come together no es una mala elección. Creo que funcionó perfectamente para la banda, y como canción, y como John siendo John» (Ringo Starr, 2021).

Apariciones audiovisuales

Cine

La grabación original de la canción aparece en el filme Imagine: John Lennon, estrenado el 7 de octubre de 1988, y en el tercer capítulo de la serie televisiva Anthology, estrenada mundialmente el 19 de noviembre de 1995, ilustrada en este último caso con fotografías tomadas durante las sesiones de grabación de Abbey Road y en la última sesión fotográfica de The Beatles, la del 22 de agosto de 1969. La octava cinta de la versión en vídeo de Anthology incluye la misma secuencia.

La grabación original de The Beatles aparece también en la película de 1993 A Bronx tale —Una historia del Bronx—, dirigida y protagonizada por Robert De Niro. El filme cuenta con una banda sonora muy potente que incluye números clásicos de Dion & the Belmonts, Dean Martin, The Rascals, The Moody Blues, Four Tops, The Jimi Hendrix Experience, The Impressions, James Brown, The Kinks, Cream… Come together suena durante una épica pelea de bar.

Vídeo-clip

The Beatles produjeron un clip de Something para promocionar el lanzamiento de su último single de 1969, pero Come together no contó con soporte visual alguno… hasta el año 2000, cuando Apple lanzó una película de la composición de Lennon para promocionar el recopilatorio 1. Era un vídeo animado con el formato Flash producido por Melon Dezing. Apareció más tarde en las ediciones en DVD y en Blu-ray de 1 y en la versión en 2 CDs y 2 DVDs o 2 Blu-rays de 1+ (Apple 0602547567727/0602547567819, 6 de noviembre de 2015).

Carreras en solitario

John Lennon

• En vivo: Conciertos del festival “One To One”, Nueva York (Estados Unidos), 30 de agosto de 1972.
• En disco: Live in New York City, LP/cassette/CD, Parlophone PCS 7301/24 0485 1 / TC PCS 7301 / CDP 7 46196 2, 24 de febrero de 1986; Lennon, 4 CDs, Parlophone CDS 79 5220 2, 30 de octubre de 1990; Instant karma: All-time greatest hits, 3 CDs, EE.UU., EMI-Capitol Music Special Markets #17068, 1 de febrero de 2002; Working class hero – The definitive collection, 2 CDs, Parlophone 0946 3 40080 2 0, 3 de octubre de 2005 [como Come together (Live)]; Gimme some truth., 2 LPs/4 LPs/CD/2 CDs/2 CDs+Blu-ray/álbum digital, Universal Music Group 0602435001869/0602435001982/0602435001852/0602435001906/0602435002088/sin referencia, 9 de octubre de 2020 [como Come together (Live)].
• En vídeo: Live in New York City, 24 de febrero de 1986.
• En radio: The lost Lennon tapes – 89-30, Westwood One (Estados Unidos), 17 de julio de 1989.
• En radio: The lost Lennon tapes – 90-03, Westwood One (Estados Unidos), 15 de enero de 1990.
• En radio: The lost Lennon tapes – 91-33, Westwood One (Estados Unidos), 12 de agosto de 1991.
• En disco: Anthology, 4 CDs, Capitol 830 6142, 2 de noviembre de 1998.

Paul McCartney

• En disco: Help: A charity project for the children of Bosnia, VV.AA., 2 LPs/cassette/CD, Go! Discs 828 682-1/828 682-4/828 682-22, 9 de septiembre de 1995 (atribuida a The Smokin’ Mojo Filters); Now that’s what I call music! 32, VV.AA., EMI NOW 32/Virgin NOW 32/Polygram NOW 32 / EMI TCNOW 32/7243 8 36083 4 8/ Virgin 7243 8 36083 4 8/Polygram 7243 8 36083 4 8 / Virgin EMI CD NOW 32/7243 8 36083 2 4/Polygram 7243 8 36083 2 4/Box Music 7243 8 36083 2 4, 2 LPs/2 cassettes/2 CDs, 13 de noviembre de 1995 (atribuida a The Smokin’ Mojo Filters); Come together, VV.AA., maxi-single/cassette single/CD single, Go! Discs GOD 136/850 417-7 / GOD MC 136/850 416-4 / GOD CD 136/850 417-2, 11 de diciembre de 1995 (atribuida a The Smokin’ Mojo Filters); The best of War Child, VV.AA., álbum digital, Parlophone (sin referencia), 15 de febrero de 2013 (atribuida a The Smokin’ Mojo Filters).
• En televisión: McCartney 3,2,1, Hulu (Estados Unidos), 16 de julio de 2021.

Versiones relevantes

Antes incluso de que apareciera el single de The Beatles, la formación neozelandesa The La De Da’s había publicado en el Reino Unido un sencillo con Come together como pieza estrella bajo el nombre The La-De-Da Band (Parlophone R 5810, 3 de octubre de 1969). El disco no triunfó en las listas y el grupo, que andaba de gira por la antigua metrópoli desde abril de 1969, acabó regresando a Oceanía en abril de 1970.

Come together ha recibido una cantidad nada despreciable de versiones (en 1976 había diez a la venta simultáneamente en el mercado estadounidense), algunas de ellas de éxito considerable. Ike & Tina Turner & the Ikettes colocaron su remake en el puesto 57 en las listas estadounidenses el 4 de abril de 1970 (21 en la lista especializada de R&B) y dos meses después, el 20 de junio, auparon un álbum del mismo título (Liberty LST-7637, abril de 1970) hasta el puesto 130 de las listas. El dúo había incorporado la canción a su repertorio escénico tan pronto apareció la versión de The Beatles en el mercado y publicó su propio single en diciembre de 1969 (Minit 32087), con un cover de Honky tonk women (Jagger/Richards) en la cara B. Tina Turner grabó una segunda versión, ya en solitario, para el doble álbum All this and World War II (Riva RVLP 2, 5 de noviembre de 1976) y para la película de la que el disco era banda sonora.

La siguiente versión de éxito fue la de Aerosmith, producida por George Martin e incluida en la película de 1978 Sgt. Pepper’s Lonely Hearts Club Band y en su doble LP de banda sonora (RSO RS-2-4100, julio de 1978). Aerosmith (los villanos en el filme de Robert Stigwood, bajo el nombre de The Future Villain Band) llevaron su remake al puesto 23 de las listas estadounidenses el 30 de septiembre de 1978. El single había sido publicado el 31 de julio anterior con la referencia Columbia 3-10802. Fue el último Top 40 de Aerosmith hasta el resurgir de la banda bien entrados los años ’80. La formación estadounidense interpretó en directo la canción el 20 de febrero de 1991 durante la ceremonia de entrega de los premios Grammy (33.ª edición). Aerosmith, que recogían un galardón por su tema Janie’s got a gun como mejor interpretación de rock para dúo o grupo, homenajearon así a John Lennon, al que se le concedía también a título póstumo un Grammy como leyenda viva.

En 1996 Marcus Miller fue candidato al Grammy a mejor arreglo instrumental por Come together, pero fue batido por Robert Farnon con el tema Lament. Miller, un respetado músico que había colaborado con artistas de la talla de Miles Davis, Herbie Hancock, Luther Vandross, Wayne Shorter y David Sanborn, había publicado su remake en el CD Tales (P.R.A. 60501-2, mayo de 1995).

La composición de Lennon es la única del catálogo de la antigua Northern Songs que fue grabada por el que fue durante años su dueño, Michael Jackson. De hecho, el autodenominado Rey del Pop mostró cierta obsesión con Come together: la registró durante las sesiones que dieron origen a su álbum Bad, aunque finalmente no la incluyó en el disco; la utilizó luego en su filme Moonwalker (en el que aparecía Sean Lennon, el hijo de John), estrenado el 29 de octubre de 1988; recuperó la grabación inédita como complemento de la versión europea de su single Remember the time (Epic 657774 7/657774 4/657774 2/657774 0, 3 de febrero de 1992); y, por último, publicó una nueva versión de la canción en su doble álbum semirrecopilatorio de 1995 HIStory – Past, present and future – Book I (Epic E3 59000, 16 de junio de 1995).

Joe Cocker interpretó en directo Come together y Isolation (de la discografía de Lennon en solitario) en el concierto celebrado en el Pier Head Arena de Liverpool el 5 de mayo de 1990 para celebrar el 50.º aniversario del nacimiento de John así como su obra musical, el “John Lennon tribute concert”. El 14 de septiembre de 2007 apareció por fin una versión de estudio de Come together interpretada por Cocker. Formaba parte de la banda sonora del filme Across the universe (Interscope B0009801-02/Interscope B0010553-02).

Durante la ceremonia de inauguración de los Juegos Olímpicos de Londres, el 27 de julio de 2012, Arctic Monkeys interpretaron una versión de Come together. El cover (grabado en realidad durante los ensayos del día 23) apareció al día siguiente en el álbum digital que recogió la música del evento, Isles of Wonder: Music for the opening ceremony of the London 2012 Olympic Games (Decca, sin referencia). Escaló hasta el número 21 de las listas británicas el 11 de agosto de 2012 sin necesidad de ser publicado en forma de sencillo.

La banda estadounidense de metal alternativo Godsmack incluyó una versión en vivo de Come together en su doble CD Live & inspired (Universal Republic B0016854-02/B0016856-02, 15 de mayo de 2012) y publicó un vídeo promocional de la grabación. El cover escaló tardíamente hasta el número 11 en la lista especializada “Hot rock & alternative songs” de Billboard y se colocó en el número 1 de “Hard rock digital song sales”. Ocurrió el 18 de marzo de 2017.

El 7 de octubre de 2017, durante una actuación de Foo Fighters en el CalJam Festival en San Bernardino, California, Joe Perry (Aerosmith) y Liam Gallagher (Oasis) se sumaron al grupo en una revisión de Come together. Gallagher tuvo problemas para recordar la letra: según explicó, estaba convencido de que le habían invitado a escena para interpretar I am the walrus.

Come together se convirtió además en uno de los cortes principales de la banda sonora de la película Justice League, publicada el 10 de noviembre de 2017 en formato digital (WaterTower Music, sin referencia). Sus intérpretes eran Gary Clark Jr. and Junkie XL. El remake apareció como single digital de adelanto el 7 de septiembre anterior (Warner Bros., sin referencia). El 27 de octubre se estrenó su vídeo-clip promocional. El cover apareció en cinco listas especializadas de Billboard: “Rock & alternative airplay” (número 31, 4 de noviembre de 2017), “Mainstream rock airplay” (número 15, 2 de diciembre de 2017), “Digital song sales” (número 27, 9 de diciembre de 2017), “Hot rock & alternative songs” (número 7, 9 de diciembre de 2017) y “Alternative airplay” (número 39, 6 de enero de 2018).

Something (Harrison) 3’02”

• Versión 1 de 8 de Something
  • Variación 1 de 11: primera edición del disco en LP y cinta abierta estéreo y reediciones 1-4
  • Variación 2 de 11: primera edición del disco en cinta abierta mono
  • Variación 3 de 11: reediciones 5-11
  • Variación 4 de 11: reediciones 12-17
  • Variación 5 de 11: reediciones 18-20
  • Variación 7 de 11: reediciones 21-24

Grabación: [25 de febrero, 16 de abril y] 2 de mayo de 1969 (EMI Studios), 5 de mayo de 1969 (Olympic Sound Studios) y 11 y 16 de julio y 15 de agosto de 1969 (EMI Studios)
Productores: George Martin y Chris Thomas (no acreditado)
Ingenieros de sonido: Jeff Jarratt, Glyn Johns, Phil McDonald y Geoff Emerick

GEORGE HARRISON: Guitarra solista, guitarra rítmica y voz principal
JOHN LENNON: Piano
PAUL McCARTNEY: Bajo y segunda voz
RINGO STARR: Batería

BILLY PRESTON: Órgano Hammond
DESCONOCIDA/O: Violín
DESCONOCIDA/O: Violín
DESCONOCIDA/O: Violín
DESCONOCIDA/O: Violín
DESCONOCIDA/O: Violín
DESCONOCIDA/O: Violín
DESCONOCIDA/O: Violín
DESCONOCIDA/O: Violín
DESCONOCIDA/O: Violín
DESCONOCIDA/O: Violín
DESCONOCIDA/O: Violín
DESCONOCIDA/O: Violín
DESCONOCIDA/O: Viola
DESCONOCIDA/O: Viola
DESCONOCIDA/O: Viola
DESCONOCIDA/O: Viola
DESCONOCIDA/O: Violonchelo
DESCONOCIDA/O: Violonchelo
DESCONOCIDA/O: Violonchelo
DESCONOCIDA/O: Violonchelo
DESCONOCIDA/O: Contrabajo

SOMETHING (Harrison)

Something in the way she moves
attracts me like no other lover;
something in the way she woos me.
I don’t wanna leave her now.
You know I believe and how.
Somewhere in her smile she knows
that I don’t need no other lover;
something in her style that shows me
I don’t wanna leave her now.
You know I believe and how.
You’re asking me will my love grow.
I don’t know, I don’t know.
You stick around now, it may show.
I don’t know, I don’t know.
Do do do do do.
Do do do do do do do do do do.
Do do do do do do do.
Do do do do do do do do oo wah.
Do do do.
Something in the way she knows,
and all I have to do is think of her;
something in the things she shows me.
I don’t wanna leave her now.
You know I believe and how.

ALGO (Harrison)

Algo en su manera de moverse
me atrae como no lo hace ninguna otra amante;
algo en su manera de cortejarme.
No quiero dejarla ahora.
Sabes que lo creo, y de qué manera.
En algún lugar de su sonrisa ella sabe
que no necesito a ninguna otra amante;
algo en su estilo que me hace caer en la cuenta
de que no quiero dejarla ahora.
Sabes que lo creo, y de qué manera.
Me preguntas si mi amor crecerá.
No lo sé, no lo sé.
Si te quedas por aquí, quizá se dé a ver.
No lo sé, no lo sé.
Algo en su manera de saberlo,
y lo único que tengo que hacer es pensar en ella;
algo en las cosas que me muestra.
No quiero dejarla ahora.
Sabes que lo creo, y de qué manera.

Tal como han señalado infinidad de autores, y como en su momento apreció la crítica de la época, Something supuso la consagración de George Harrison como compositor de canciones y su ascensión a la misma liga en la que competían las dos titánicas fuerzas de Lennon y McCartney. Apareció de la mano con Here comes the sun, la otra composición de Harrison contenida en Abbey Road (un tema que, con el paso de las décadas, ha adelantado a Something y a buena parte del cancionero global de The Beatles en el aprecio popular). Ambos temas sirvieron de aviso a navegantes: la producción artística de George merecía atención, tal como confirmó a finales de 1970 el explosivo éxito del inicio de su carrera en solitario. Something es una balada inmortal, supuso para Harrison su primer número 1 estadounidense como compositor cuando apareció en forma de single semanas más tarde del lanzamiento del álbum, y ha sido versionada por centenares de artistas, incluyendo entre ellos a auténticos pesos pesados de los más diversos géneros. Apenas quedaban meses para que el mundo supiera que The Beatles habían dejado de existir, pero, entre estertores, la banda de Liverpool seguía creando y regalando al mundo temas imperecederos… y varios de los mejores eran obra del otrora “beatle silencioso”.

Composición

Come together había puesto desde el principio el listón muy alto a Abbey Road. A George, hasta entonces la fuerza compositora relegada del grupo, le correspondía la tarea de mantenerlo al mismo nivel con el segundo corte del álbum. Para sorpresa de propios y extraños, Something no hizo sino subirlo más todavía.

Something era una bellísima canción de amor inspirada una vez más por Pattie, la esposa de George… o eso dedujo todo el mundo. El primer verso, en todo caso, no era original: Harrison lo tomó prestado de la pieza Something in the way she moves (Taylor), una canción de James Taylor incluida en su homónimo primer álbum (Apple SAPCOR 3, 6 de diciembre de 1968) que George había conocido incluso antes de que apareciera el disco. El estadounidense se tomó con elegancia el evidente acto de latrocinio.

«La escribí en la época en la que estábamos haciendo el último álbum doble. Y el primer verso no es más que “something in the way she moves”, que ha aparecido en millones de canciones. No es nada especial, pero parecía encajar bien» (George Harrison, 1969).

«La letra no terminaba de salirme. (…) Había una canción de James Taylor que se llamaba Something in the way she moves, que es el primer verso, y entonces pensé en intentar cambiar la letra. Pero me vinieron estas palabras cuando la escribí por primera vez, así que al final la dejé así» (George Harrison, 1969).

«Siempre he dado por supuesto que George debió oír [Something in the way she moves], pero nunca hablé del tema con él. Yo [la] había escrito como dos años antes de grabarla y, paradójicamente, había querido titularla I feel fine, pero, por supuesto, ese era un tema de The Beatles.
»A menudo detecto trazas del trabajo de otra gente en mis propias canciones. Si George, fuera consciente o inconscientemente, tomó prestado un verso de una de mis canciones, lo encuentro muy halagador. Toda la música toma cosas prestadas de otras músicas. Ciertamente no es algo inusual. Yo había producido una cinta de Something in the way she moves y unas siete canciones más como un par de meses antes de conocer a Peter Asher. Sé que Paul la escuchó en Apple pero no estoy seguro de quién más la escuchó» (James Taylor).

«Me sentí tremendamente halagado. Había tocado esta canción para George y Paul como audición y creo que se le había quedado en la cabeza. Pero no se dio cuenta. Creo que toda la música es reiteración. Creo que simplemente recogemos cosas y las usamos de nuevo. Quiero decir, solo hay doce notas…» (James Taylor, 2021).

El resto de la letra aparentaba ser una hermosa, sencilla y sincera declaración de amor, con un verso metido con calzador (“you know I believe and how”) que sonaba a nueva profesión de fe del devoto Harrison. Y era probablemente el caso: en una conversación privada que tuvo lugar a inicios de 1969 con miembros del movimiento Hare Krishna, el exbeatle confesó que, efectivamente, Something era una canción de amor, pero no precisamente romántica:

«En realidad es sobre Krishna, pero no podía decir él, ¿verdad? Tenía que decir ella, o habrían pensado que soy maricón» (George Harrison).

George, que no se consideraba un gran letrista —de hecho tuvo problemas con el final del segundo verso, que transitoria y jocosamente rezaba “attracts me like a pomegranate” (“me atrae como una granada”)—, consiguió sin embargo concebir una letra dulce y sin complicaciones pero nada empalagosa. En realidad acabó disponiendo de más versos de los que necesitaba: en la grabación definitiva de la canción suprimió un puente completo que desarrollaba una melodía alternativa que acabó siendo descartada.

Pero lo verdaderamente increíble de Something no era la letra, delicada, inspirada y aparentemente romántica, sino la música. En ese apartado no cabía discusión alguna: la balada de George era una de las mejores canciones no ya de su cosecha particular sino de todo el repertorio de The Beatles. Como era habitual en el caso de las grandes obras del grupo, la magnificencia del producto final era el resultado de la magistral combinación de una fastuosa melodía, que enganchaba al oyente de inmediato, y de una interpretación instrumental y vocal sin fisuras alrededor de los arreglos adecuados (que en este caso incluían una suntuosa aunque comedida orquestación, cortesía de George Martin). Todos estos elementos, que hasta el momento habían sido terreno exclusivo de algunas piezas inmortales de Lennon o de McCartney, se combinaban también en perfecta armonía en Something, de Harrison. George, como cabía esperar, se sentía satisfecho con su obra:

«La letra no vale nada, en realidad. Hay muchas canciones así en mi cabeza. Me tengo que poner a escribirlas. Algunas personas me dicen que Something es una de las mejores cosas que he escrito. No lo sé. Tal vez tengan razón, tal vez se equivoquen. Es muy halagador, aunque… Es bonita. Probablemente es la melodía más bella que yo haya escrito jamás» (George Harrison, 1969).

«Sé que he escrito algunas canciones buenas, canciones que parece ser que otras personas dicen que son buenas y que han sido un enorme éxito. Quiero decir que probablemente la canción más importante para el resto de mi vida es Something, porque tiene unas ciento cuarenta versiones» (George Harrison).

Cabía esperar que George se sintiera orgulloso de su creación, siquiera fuera por el inmediato reconocimiento externo que recibió la pieza, pero resulta más relevante todavía que sus compañeros de grupo, y en particular John y Paul, fueran capaces de comerse su propio orgullo y de reconocer la valía de la canción. No había sucedido en el pasado, pero esta vez lo hicieron: Lennon manifestó a la revista Time que en su opinión Something era el mejor tema de Abbey Road, colaborando así a que la pieza se ganara un puesto como cara A del siguiente sencillo del grupo, y McCartney, aunque no hizo público de forma tan evidente su entusiasmo por la pieza, reconoció en privado que coincidía con la apreciación de John.

Something es sin ninguna duda la canción más famosa de todas las compuestas por Harrison a lo largo de su carrera, como Yesterday es la canción más conocida de las escritas por McCartney. Las alabanzas le llovieron de todas partes. Frank Sinatra, por ejemplo, llegó a decir de ella que era “la mejor canción de amor de los últimos cincuenta años… y no dice ni una vez ‘te quiero’ en la letra” y corroboró su aprecio grabando una de las incontables versiones que se han hecho de la pieza e incluyéndola en su repertorio escénico. Era un aviso a navegantes: George era capaz de escribir material de la misma calidad y pegada comercial que el compuesto por John y Paul. Harrison lo confirmó un año después con su primer álbum en solitario, el triple LP All things must pass (Apple STCH 1-639, 30 de noviembre de 1970), que mereció comentarios como estos:

«[All things must pass es] el equivalente en el rock al shock sufrido por el público de películas anteriores a la guerra cuando Garbo abrió su boca por primera vez en una película sonora: ¡Garbo habla! ¡Harrison es libre!» (Richard Williams, Melody Maker, 1970).

«De todos los álbumes de The Beatles en solitario hasta la fecha, All things must pass es de largo el más agradable de escuchar, quizá porque es el que mejor continúa la tradición que comenzaron hace ocho años. (…) La luz de Harrison ha permanecido oculta por los egos de McCartney y Lennon. Pero de vez en cuando ha habido indicios en varios de sus álbumes que demostraban que era más de lo que se le permitía ser» (Richard Williams, The Times, 1971).

El análisis de Richard Williams en The Times era del todo certero: hacía tiempo que Harrison se sentía cada vez más ahogado como compositor por culpa de Lennon y McCartney. Los dos autores de canciones más aclamados del grupo continuaban dando preeminencia a sus propias creaciones de un modo un tanto dictatorial e ignoraban de forma casi sistemática las propuestas de Harrison, que no solo estaba escribiendo nuevos temas a un ritmo desconocido hasta la fecha sino que había alcanzado un nivel de calidad mucho más que notable como compositor. Something, ya se ha dicho, nació en septiembre de 1968 durante la grabación del doble álbum The Beatles (Harrison se la tocó a Chris Thomas el día 19 de aquel mes mientras el trabajo en la grabación de Piggies se trasladaba al gran estudio 1) y más tarde, en enero de 1969, George se la presentó casi terminada al resto de sus compañeros de banda durante las sesiones que dieron origen al LP Let it be, pero tuvieron que transcurrir varios meses y la grabación de dos LPs para que la obra maestra de Harrison viera la luz. Es cierto que el guitarrista no había rematado la letra de la canción ni siquiera en enero… ¿pero cuántas composiciones de Lennon y/o McCartney habían llegado inconclusas al estudio de grabación y se habían registrado aquel mismo día gracias a la colaboración de los otros músicos de la banda?

«Something fue escrita en el piano mientras hacíamos el “álbum blanco”. Me tomé un descanso mientras Paul hacía alguna sobregrabación, de forma que me metí en un estudio vacío y empecé a escribir. Eso es todo lo que hay que decir, en realidad, ¡excepto que el puente tardó un tiempo en salir! No apareció en el “álbum blanco” porque ya habíamos terminado todas las piezas. Se la di a Joe Cocker un año antes de que yo la hiciera» (George Harrison, 1980).

«Escribí la canción Something para el álbum anterior a este, pero no la terminé hasta hace poco. Suelo sacar las primeras líneas de letra y música, las dos a la vez… y luego termino el resto de la melodía. Luego tengo que escribir la letra. Es como otra canción que escribí cuando estábamos en la India. Escribí todo el primer verso y dejé dicho todo lo que quería decir, así que luego tengo que escribir un par de estrofas más. Eso me resulta mucho más difícil. Pero John me dio un consejo muy útil. Me dijo: “Una vez que empieces a escribir una canción, intenta terminarla enseguida mientras sigas con el mismo estado de ánimo”. A veces vuelves a ella y estás en un estado de ánimo totalmente diferente, y he aprendido de la experiencia, porque cuando vuelves a ella te encuentras en un estado de ánimo totalmente distinto y es más difícil. A veces resulta más fácil, pero en general es más difícil volver a algo, así que ahora trato de terminar algunas de ellas de inmediato» (George Harrison, 1969).

La estructura principal de la canción le vino a Harrison con tanta fluidez y tan poco esfuerzo que, como le había sucedido a McCartney años atrás cuando le brotó la melodía de Yesterday, George anduvo un tiempo convencido de que había reescrito una melodía ya conocida:

«(…) Pensé: “Esto es demasiado fácil. Suena tan sencillo que debe de ser otra cosa”, porque, una vez me puse a escribirla, la primera variación, “du du du du du du dah”… Una vez que hice esa variación surgió todo, ya sabes. “Dah duh”, todos esos cambios de acorde, y a partir de ahí la progresión de acordes pareció continuar de forma natural. Así que pensé que debía ser alguna otra cosa, pero no lo era» (George Harrison, 1969).

Los recuerdos de algunos actores secundarios de la intrahistoria de The Beatles confirman que Harrison se sentía inseguro en relación con Something. Chris Thomas la había alabado cuando George se la tocó el 19 de septiembre de 1968 durante las sesiones de grabación del doble álbum The Beatles y el joven productor le sugirió que la propusiera de inmediato para el álbum, pero el guitarrista decidió guardar la composición en un cajón.

«George se sentó y me la tocó. Era una de esas canciones que escuchas y enseguida piensas: “Dios, es fantástica”. Le dije: “Es increíble, ¿por qué no hacemos esa?”. El dijo: “Oh, ¿crees que está bien?”. Le dije: “¡Sí! Deberíamos hacer esa en lugar de Piggies”. Él dijo: “Tal vez se la dé a Jackie Lomax”. Fue extraño. Pensó “se la daré a Jackie Lomax”, no “Dios mío, obviamente deberíamos hacerla nosotros”. Me decepcionó mucho que no la hiciéramos esa noche, e hicimos Piggies en su lugar. La metió debajo de la alfombra. No parecía tener fe en la canción. A veces la gente no es capaz de ver cuándo una de sus canciones no destaca demasiado mientras que otra es realmente buena» (Chris Thomas).

Algo parecido ocurrió durante el rodaje del proyecto Get back unos meses después. Glyn Johns recuerda que conoció la canción antes de que el resto de The Beatles supieran de su existencia:

«Me pareció asombrosa. Me preguntó si podía quedarme después de la sesión porque quería grabar una maqueta él solo, sin nadie más en la sala, lo que me hizo suponer que se sentía un poco inseguro al respecto. Creo que le habían hecho sentirse así. No creo que hubiera perdido la confianza en su propia capacidad, solo creo que había perdido la confianza en que [The Beatles] creyeran en lo que estaba haciendo. No creo que sintiera que reconocían lo que estaba haciendo.
»Yo estaba en la sala de control, él estaba en el estudio. Y recuerdo escuchar esa canción y pensar: “Maldita sea, ¿por qué no le está tocando esto a todos los demás? ¿Qué está pasando aquí?”. Y luego vino y me preguntó qué me parecía. Ese sigue siendo mi mejor recuerdo de George. ¿Que qué pensaba? Le dije: “Tienes que estar bromeando, joder. Es increíble, ¿de qué estás hablando?”. Es muy posible, leyendo entre líneas, que estuviera guardando sus canciones realmente buenas para su propio material. Ese es el razonamiento más lógico» (Glyn Johns).

Arreglos instrumentales y vocales

De entre todos los elementos sonoros de este gran número de soft rock destacan, para empezar, los dos aportes de su propio autor: los de su voz y su arreglo de guitarra. La interpretación vocal de George no tiene nada que envidiar a los logros de Paul en temas del mismo estilo… y le estamos comparando con un maestro. Apenas se escucha en la mezcla final, pero durante el solo instrumental el propio George tararea con garbo las notas que interpreta en paralelo la guitarra.

Y qué decir de la guitarra solista de la pieza, que dibuja un solo lento y muy bello que recuerda a algunas interpretaciones legendarias del mítico Eric Clapton y que se ha quedado anclado en la mente de miles de personas desde que The Beatles regalaron esta canción al mundo. Hablamos de un pasaje de guitarra solista que es tenido por uno de los mejores de la Historia de la música contemporánea y que, sorprendentemente, es una verdadera rareza en el contexto de las composiciones de Harrison: por alguna razón que solo él conoce, muchos de los temas escritos hasta entonces por George para The Beatles carecían de auténticas secciones de solo de guitarra o, en caso de contar con ellas, habían sido cedidas a la mano ejecutora de McCartney (Taxman) o de Clapton (While my guitar gently weeps). Hasta la fecha, las únicas creaciones propias de George que habían lucido un solo de guitarra interpretado por él mismo habían sido Cry for a shadow y Don’t bother me, sus dos esfuerzos más tempranos como compositor, You like me too much y Savoy truffle, en las que el instrumento de Harrison dialogaba respectivamente con un par de pianos y con un sexteto de saxofones, y la muy reciente Old brown shoe. El solo instrumental de Something, tan reconocible como es, bebe en parte del pasado reciente (la influencia del sitar se nota en la ligazón entre notas) y apunta en buena medida hacia el futuro (preconfigurando el estilo slide que George adoptaría desde el inicio de su carrera en solitario como un sello propio de su sonido como artista).

«Lo que estaba esperando era el solo de guitarra, porque George Harrison es el único guitarrista que conozco capaz de planificar un solo de forma que no suene como si estuviera planeado» (Keef Hartley, Melody Maker, 1969).

El deslumbrante bajo de Paul también consigue destacar una vez más por derecho propio, creando una de las líneas más melódicas jamás conseguidas con este instrumento y aportando a la canción un tono absolutamente distintivo. Sin embargo, y a pesar de contar con tantos elementos individuales destacables (entre los que también hay que mencionar el piano de Billy Preston y la batería de Ringo, discreta en la estrofas e intensa en el estribillo), lo que verdaderamente descuella en Something es el conjunto, tejido con las cuerdas dirigidas por Martin. Something es una de esas canciones en las que cada uno de los arreglos instrumentales potencia la calidad de los demás.

Grabación

La primera grabación de Something en el estudio se produjo el 25 de febrero de 1969, el día del vigesimosexto cumpleaños de George. Aquel día Harrison registró maquetas de tres de sus últimas composiciones, Old brown shoe, All things must pass y Something. Esta última pieza fue interpretada en la mayor, un tono y medio por debajo de la versión definitiva, que suena en do mayor. La siguiente cita de Joe Cocker sugiere que la grabación de las tres piezas se hizo con él presente y que aquel fue el día en que Harrison le cedió Something:

«[El productor] Denny Cordell me consiguió una invitación y yo fui muy nervioso a Apple una tarde. Conocí a George y simplemente me senté con él. Es un tipo simpático, George, de trato muy fácil.
»Así que cantó Old brown shoe para mí y acabó haciendo Something. Por supuesto, acabé grabando esa. Me impresionó mucho su sencillez, los cambios eran muy delicados. Qué hermosa canción con solo esos cuatro pequeños acordes» (Joe Cocker).

La maqueta de Something grabada aquel día, así como las demos de las otras dos piezas citadas, aparece en el triple LP Anthology 3 (Apple PCSP 729, 28 de octubre de 1996), aunque las dos pistas sobregrabadas de piano desparecieron de la mezcla (la guitarra sonaba en la pista 1, el piano en las pistas 2 y 3 y la voz de Harrison en la 4). Contiene, eso sí, los cuatro versos eliminados por Harrison en la versión definitiva de estudio, emplazados en el lugar que ocuparía finalmente el solo de guitarra conclusivo. George los entonaba cantando una melodía distinta a la de las estrofas y a la del puente que sí conservó:

You know I love that woman of mine
and I need her all of the time.
Now I’m telling you
that woman, that woman don’t make me blue.

Sabes que amo a esta mujer mía
y que la necesito cada día.
Te confieso ahora
que esa mujer, esa mujer no me causa tristezas.

La grabación propiamente dicha de Something comenzó el 16 de abril de 1969, el mismo día en el que se inició la de Old brown shoe, la composición de Harrison publicada en la cara B del single The ballad of John and Yoko. Aunque ya existía una toma 1 de la canción (la del 25 de febrero), el conteo se inició de nuevo y se grabaron trece tomas de la pista instrumental básica. La leyenda afirma que John estaba presente en el estudio pero que mantuvo la lamentable costumbre de no participar en la grabación de las composiciones de George, pero desde 2019 sabemos que no es verdad: sustituyó a Paul en su habitual papel de bajista (pista 1). Mientras tanto, Harrison registraba una guitarra rítmica (pista 3) y Paul la batería (pista 2), los tres acompañados por George Martin al piano (pista 4). Ringo rodaba The Magic Christian y no pudo participar en la sesión. El trabajo conjunto en el estudio había empezado a las siete de la tarde y se alargó hasta las tres menos cuarto de la madrugada.

«George entra y nos muestra la canción. Supongo que sería solo con una guitarra y todo alrededor de un par de sillas en círculo, y todo resultó bastante inmediato, ya sabes. No era más que: “Tenemos que hacer esta canción, tenemos que hacerla, vamos a intentarlo de todas las maneras hasta que nos decidamos, oh, sí, esto suena bien”. (…) Y entonces yo metía las narices y ¡me odiaban por ello! Yo decía: “¡Vale, pero es una buena idea, chicos!”» (Paul McCartney, 2021).

El trabajo de aquella sesión acabó siendo descartado: The Beatles empezaron de cero una vez más el 2 de mayo, ya con Starr de vuelta aunque sin George Martin presente. Fue su ayudante Chris Thomas quien dirigió la sesión. Comenzando otra vez desde la toma 1, grabaron en esta ocasión hasta treinta y seis ataques de la pista básica, entre las siete de la tarde y las cuatro menos veinte de la mañana (con un descando entre las once y la una). Paul punteaba su bajo (pista 1), Ringo estaba sentado a la batería (pista 2), George tocaba la guitarra rítmica (pista 3) y John se hizo cargo del piano (pista 4). A partir de la pista 9, la guitarra de Harrison fue recogida de forma simultánea en la pista 3 y también en la 6, en este último caso con el sonido filtrado a través de un altavoz rotatorio Leslie. De la toma 27 en adelante, la ejecución de la pieza se alargó durante varios minutos porque John lideró una coda instrumental presidida por un riff de piano de cuatro notas de su propia invención tocado a ritmo de 6/8. La mejor toma de aquel día, la que se utilizó definitivamente como base para continuar el trabajo, fue la última de todas. Era la única en la que el equipo técnico había registrado la coda instrumental.

Tres días después, en un escenario diferente (los Olympic Sound Studios) y entre las siete y media de la tarde y las cuatro de la madrugada, Paul perfeccionó su línea de bajo, descartando la anterior, y George registró una primera versión de su soberbia guitarra solista, de nuevo alimentada a través de un altavoz Leslie. McCartney hizo un trabajo brillante, pero Harrison tenía una idea muy clara sobre cómo quería que sonara el instrumento y, por una vez en la vida, se enfrentó abiertamente con su colega y le exigió que simplificara su arreglo. Paul no dio su brazo a torcer. La lucha de egos había llegado a su máxima expresión:

«Era evidente que George seguía guardando rencor a Paul, y se vengó hasta cierto punto durante la grabación de Something. No pude evitar fijarme en que Harrison no dejó de dar instrucciones a Paul respecto a cómo tenía que tocar el bajo, diciéndole que quería que simplificara mucho más el arreglo. Era la primera vez que veía aquello en todos los años en que había trabajado con The Beatles. George nunca se había atrevido a decirle a Paul lo que tenía que hacer; nunca había impuesto su autoridad» (Geoff Emerick, 2006).

«¿George diciéndole a Paul cómo tocar el bajo? ¡Inconcebible! Pero este era el bebé de George, y todo el mundo sabía que era un clásico instantáneo» (Geoff Emerick, 2014).

«Creo que a George le pareció que yo tocaba el bajo demasiado deprisa. Vuelvo a decir que yo estaba intentando contribuir al máximo, aunque quizás era su turno de reñirme. Pero fue divertido. Quedó bien» (Paul McCartney, 2000).

«Cuando tocas el bajo es muy tentador hacer [imita el sonido de un bajo]. Seguramente empiezo con algo sencillo. Luego puede que te des cuenta de que la parte que nos estaba gustando es una pequeña melodía agradable. [El arreglo de bajo de Something] es bastante atrevido. (…) Es gracioso porque era como una espada de doble filo. La gente me decía: “¿No podrías tocarlo más sencillo?”. Ya sabes. Y yo contesbaba: “Mm, no lo sé. Creo que hacer todo eso aporta algo”. Me regañaron una o dos veces por hacerlo demasiado complicado. Pero, ya sabes, en aquella época yo había escuchado a James Jamerson. Era genial. Tenía líneas de bajo melódicas y eso me encantaba. Me abrió los ojos. Me di cuenta de que puedes darle movimiento» (Paul McCartney, 2021).

La canción quedó entonces aparcada hasta el 11 de julio, fecha en la que Harrison grabó por primera vez su pista vocal, sustituida en la sesión del 16 del mismo mes por una nueva (en ambos casos con un añadido de una segunda pista vocal que se escucha en los dos últimos versos de las estrofas primera y segunda, en el puente y en la tercera estrofa completa, aunque el autor Walter Everett cree que se trata de una sola pista tratada con ADT y probablemente tiene razón). Según Kevin Howlett, aquel 11 de julio fue también el día en el que Billy Preston añadió su aporte de órgano. La fecha del registro de este arreglo había sido un misterio hasta que Howlett sugirió esta fecha en 2019 en las notas que acompañaban las ediciones ampliadas de Abbey Road. John C. Winn, por ejemplo, había conjeturado que el aporte de Preston pudo quedar registrado en alguna de las sesiones dedicadas a la grabación de su propio álbum para Apple, That’s the way God planned it, en las que Harrison participaba activamente como productor e intérprete.

Al final de la sesión del 11 de julio, que comenzó a las dos y media de la tarde y se alargó hasta medianoche (y en la que el grupo también dedicó unas horas a Maxwell’s silver hammer y a You never give me your money), se dejó preparada una mezcla de reducción de pistas que Harrison acabó descartando el día 16 cuando decidió recuperar la toma 36 y rehacer el trabajo vocal. Agrupaba el piano y la guitarra solista en la pista 1, la batería aparecía en la 2, el bajo en la 5, la guitarra rítmica en la 6, las dos pistas vocales en la 7 y el órgano en la 8. Recibió la denominación de “toma 37”.

«(…) George volvió a ponerse muy nervioso cuando llegó el momento de grabar la voz. Por mucho que intentáramos crear un ambiente agradable (bajando la iluminación y encendiendo incienso), no parecía sentirse cómodo. Era una canción difícil de cantar, pero al final hizo un trabajo magnífico, y además tocó un solo de guitarra muy notable. Curiosamente, George nunca dudaba cuando tenía que grabar coros, pero cuando se trataba de la voz solista perdía toda la confianza» (Geoff Emerick, 2006).

Aquel día 16, además, Paul grabó su segunda voz como acompañamiento de la de George en el puente de la canción, en el que escuchamos además dos veces la voz principal de Harrison. Mark Lewisohn dejó escrito que en aquella sesión Harrison, Starr y McCartney añadieron palmas en la grabación. Si es cierto, no fueron utilizadas, y en todo caso lo más probable es que el autor identificara incorrectamente un sonido que otros analistas, Kevin Howlett incluido, sí han acreditado que quedó registrado aquel día, el de un nuevo aporte de percusión (platillo suspendido y hi-hat). El equipo técnico abordó al final de esta sesión un proceso de reducción de pistas y, tras dos intentonas, se seleccionó la entonces denominada “toma 39”, en la que el piano de la toma básica había desaparecido casi por completo: Harrison había decidido suprimirlo para dejar espacio para la sobregrabación de platillos hi-hat de Starr. La mezcla provisional contenía en la pista 1 la guitarra solista de Harrison y unos riffs descendentes de piano en el puente que adornan el final de los versos segundo y cuarto (que algunos autores sugieren que se trata de un añadido posterior, aunque la mayoría apuesta por pensar en que se trata de una sección que se conservó de la grabación primigenia); en la 2 la batería de Starr y la percusión añadida; en la 5 el bajo de McCartney; en la 6 la guitarra filtrada a través del altavoz Leslie; en la 7 la voz de Harrison, doblada en los estribillos, y el acompañamiento vocal de McCartney; y en la 8 el órgano. Todo este trabajo se encaró en la segunda sesión del día, que comenzó a las siete de la tarde y terminó a las doce y media de la noche. Estuvo íntegramente dedicada a Something.

Quedaba el remate final, que George consideró imprescindible tras analizar una mezcla estéreo provisional de la canción que se dejó preparada el 4 de agosto: la orquesta, que aparece en la grabación al final de la primera estrofa y acompaña la pieza hasta el final. Fue grabada, en las disponibles pistas 3 y 4, en la sesión del 15 de agosto, la misma en la que se registraron instrumentos clásicos para las demás piezas del álbum en las que estos fueron utilizados (Here comes the sun, Golden slumbers, Carry that weight y The end), con un coste total de 697 libras y 2 chelines. La partitura y la dirección corrieron a cargo del incombustible George Martin, que cobró ciento cincuenta libras por su trabajo en la larga sesión, aunque Harrison compartió labores de dirección con el productor para la pista de Something a la vez que actuaba como productor de hecho. Martin había preparado sus partituras utilizando como referencia la mezcla provisional de la canción realizada el 4 de agosto. Los músicos invitados trabajaron aquel día en dos sesiones: de dos y media a cinco y media de la tarde centraron sus esfuerzos en las tres composiciones de McCartney y de siete de la tarde a una y cuarto de la madrugada trabajaron sobre las dos creaciones de Harrison. Paul acudió a la primera sesión y George a la segunda.

«Hasta entonces, todos los instrumentos de Abbey Road habían sido tocados por uno de los cuatro beatles. A diferencia de Sgt. Pepper, Magical Mystery Tour o el “álbum blanco”, ningún músico externo había intervenido en absoluto. A John le parecía bien, pero no a Paul ni a George Harrison, que querían añadir instrumentos orquestales a algunas de sus canciones. En consecuencia, George Martin escribió algunos arreglos y contrató a los mejores músicos de Londres para una sesión maratoniana. Desgraciadamente, EMI aún no había instalado una grabadora de ocho pistas ni una consola de gran tamaño en la sala de control del estudio 1, por lo que nos vimos obligados a montar un complicado sistema de líneas de conexión de audio y un circuito cerrado de televisión que permitía a los músicos estar sentados en el más espacioso estudio 1 mientras nosotros les grabábamos en la sala de control del estudio 2» (Geoff Emerick, 2006).

Los músicos, cuyos nombres no se conservan, tocaron doce violines, cuatro violas, cuatro violonchelos y un contrabajo. Aquel día, si hemos de creer a Mark Lewisohn y a Geoff Emerick, Harrison regrabó de nuevo el solo de guitarra de su canción, tocando en el estudio 2 a la vez que la orquesta rendía su arreglo en el 1. Es su interpretación de este día la que escuchamos en la mezcla final… o quizá no: la web The Beatles Bible defiende una versión distinta, argumentando que el solo que se escucha en la toma 37, la reducción de pistas no utilizada acometida el 11 de julio, ya es el de la mezcla final. Si los recuerdos de Geoff Emerick son ciertos (y lo cierto es que coinciden en lo esencial con las afirmaciones de Mark Lewisohn), contienen al menos un error: ciertamente, la guitarra de Harrison no se grabó en la misma pista que los instrumentos clásicos:

«La única complicación se presentó cuando George Harrison anunció que quería rehacer el solo de guitarra de Something. Estábamos perfectamente dispuestos a complacerlo, pero el problema era que solo quedaba una pista (sic), y la necesitábamos para la orquesta. La única solución era que lo tocara en directo, al mismo tiempo que la orquesta, para poder grabarlos simultáneamente en la misma pista. Me quedé enormemente impresionado cuando dijo tranquilamente: “Muy bien, hagamos eso”. Había que tener agallas y mucha confianza para aceptar un desafío semejante. George tendría que tocar correctamente el solo hasta el final, sin pinchazos, porque el sonido de su guitarra se filtraría en los otros micros, y no tendría demasiadas oportunidades, porque tener a la orquesta allí estaba costando una fortuna. Pero consiguió tocar el complicado solo con facilidad, y al final de la larga noche ambas canciones [Something y Here comes the sun] estuvieron terminadas y listas para mezclar» (Geoff Emerick, 2006).

«George hizo un nuevo solo en directo con la orquesta. Era una apuesta, pero lo hizo en una sola toma, y resultó hermoso» (Geoff Emerick, 2014).

Hay motivos para pensar que el solo de guitarra que escuchamos en Something no proviene de la sesión del 15 de agosto: como quedó dicho más arriba, la pista 1 de la toma 39 contiene el sonido de la guitarra solista pero también algunas trazas de piano. Dado que no está documentado que existiera una reducción de pistas posterior al registro de guitarra y orquesta, la única alternativa viable es que George tocara su guitarra y que otro músico interpretara los sutiles arreglos de piano del puente, ambos instrumentos registrados en la misma pista. Dave Rybaczewski no descarta esta posibilidad y cree posible que el piano fuera responsabilidad de Paul, el único beatle que había acudido a las instalaciones de EMI aquel día aparte de George. De ser cierta esta hipótesis, no escuchamos aporte alguno de Lennon en Something.

Aunque la canción de George apareció en disco con una duración de tres minutos, ese no era ni mucho menos su minutaje original. La toma 36 del día 2 de mayo duraba nada menos que 7’48” merced a una larguísima coda instrumental presidida por el piano de Lennon en la que se repetían incesantemente las mismas cuatro notas (y que John C. Winn describió como “un jam bajonero que aparece de la nada, avanzando penosamente con un tempo entre un vals y un canto fúnebre”). El día 5 de mayo la canción seguía durando casi ocho minutos. El 11 de julio se decidió acortar el fundido tras las sobregrabaciones de aquel día, dejando la canción en una duración de 5’32”: hablamos de la reducción de pistas no utilizada que se etiquetó como “toma 37”. El 19 de agosto, en la sesión dedicada a producir la mezcla estéreo definitiva de la pieza, se decidió por fin eliminar por completo el pasaje instrumental final. El triple LP Anthology 3 estuvo a punto de incluir esta versión larga de la canción de Harrison, aunque finalmente se optó por seleccionar para el disco la maqueta grabada el 25 de febrero de 1969. Lennon utilizó el riff de piano un año más tarde para construir una composición propia, Remember, incluida en su álbum John Lennon/Plastic Ono Band (Apple PCS 7124, 11 de diciembre de 1970).

Versiones, variaciones y reediciones

Versiones

1. La grabación original de estudio, aparecida por primera vez en el álbum Abbey Road (Apple PCS 7088/TA-PMC 7088/TD-PCS 7088, 26 de septiembre de 1969).
2. La maqueta de estudio grabada en solitario por George Harrison en los EMI Studios el 25 de febrero de 1969, con la pista de piano suprimida. Apareció en el triple álbum Anthology 3 (Apple PCSP 729/TCPCSP 729/CDPCSP 729, 28 de octubre de 1996).
3. La versión publicada en el CD Love (Apple 0946 3 79808 2 8/0946 3 79810 2 3, 20 de noviembre de 2006) como parte del medley Something/Blue Jay Way (Transition). El medley es esencialmente una nueva mezcla de la primera de las canciones, aunque incluye al final algo más de medio minuto de un extracto de la segunda, con sonidos adicionales tomados de la grabación de Nowhere man. El bajo aparece en el centro del estéreo y el arreglo orquestal tiene mayor presencia que en la mezcla original.
4. Una mezcla algo más larga de la versión 2, la maqueta de estudio del 25 de febrero de 1969, que incluye en esta ocasión la pista de piano. Fue publicada originalmente en el single digital Something – Studio demo (Apple/Universal Music, sin referencia, 8 de agosto de 2019) con el título Something (Studio demo / Audio) e inmediatamente en las versiones en 3 LPs, 3CDs+DVD y álbum digital de Abbey Road – Anniversary super deluxe edition (Apple/Universal Music 0602508007446/0602577921124/sin referencia, 27 de septiembre de 2019) y en Abbey Road – 2 CD anniversary edition (Apple/Universal Music 0602577915079, 27 de septiembre de 2019).
5. Una mezcla de la sección orquestal de la grabación original. Fue publicada originalmente en el single digital Something – Take 39 – Instrumental strings only (Apple/Universal Music, sin referencia, 8 de agosto de 2019) con el título Something (Take 39 / Instrumental / Strings only / Audio) e inmediatamente en las versiones en 3 LPs, 3CDs+DVD y álbum digital de Abbey Road – Anniversary super deluxe edition (Apple/Universal Music 0602508007446/0602577921124/sin referencia, 27 de septiembre de 2019) y en Abbey Road – 2 CD anniversary edition (Apple/Universal Music 0602577915079, 27 de septiembre de 2019).
6. Un largo ensayo de la canción (o quizá varios: la pista dura 8’59”) registrado el 28 de enero de 1969 durante las sesiones del proyecto Get back. Apareció, con el título Something – 28 January 1969, en el álbum digital fantasma 1969 recordings (Calderstone Productions Limited, sin referencia, 23 de diciembre de 2019).
7. La “toma 37” de la grabación de estudio, una reducción de pistas realizada el 11 de julio de 1969, antes del registro de algunos de los elementos que acabarían siendo utiizados en la versión final, que fue finalmente descartada. Apareció, con el título Something – Take 37, en el álbum digital fantasma 1969 recordings (Calderstone Productions Limited, sin referencia, 23 de diciembre de 2019).
8. Otro ensayo de la canción registrado el 28 de enero de 1969 durante las sesiones del proyecto Get back. Apareció en Let it be – Super deluxe edition (4 LPs+EP/5 CDs+Blu-ray/álbum digital, Apple/Universal Music 0602507138899/0602507138691/sin referencia, 15 de octubre de 2021) con el título Something (Rehearsal) en los formatos físicos y Something – Rehearsal / Mono en los digitales.

Variaciones y reediciones de la versión 1

1. La mezcla estereofónica original, utilizada también en las ediciones estadounidenses, acometida el 19 de agosto de 1969. En el canal izquierdo se escuchan la guitarra rítmica y el órgano; en el centro del panelado la guitarra solista, el piano, la batería, la percusión añadida, las cuerdas y las voces; y a la derecha el bajo.

• Abbey Road, LP/cinta abierta, Apple PCS 7088/TD-PCS 7088, 26 de septiembre de 1969 (primera edición en LP y cinta abierta estéreo y reediciones 1-4)
• Something/Come together, single, Apple R 5814, 31 de octubre de 1969 (primera edición y reediciones 1-6)
• The Beatles/1967-1970, 2 LPs/cassette/cartucho, Apple PCSP 718/TC2-PCSP 718/8X2-PCSP 718, 19 de abril de 1973 (primera edición y reedición 1)
• George Harrison: The best of George Harrison, LP/cassette/cartucho, Parlophone PAS 10011/TC-PAS 10011/8X-PAS 10011, del 20 de noviembre de 1976 (primera edición y reediciones 1-2)
• Love songs, 2 LPs/cassette/cartucho, Parlophone PCSP 721/TC2-PCSP 721/8X2-PCSP 721, 19 de noviembre de 1977
• The Beatles ballads, LP/cassette, Parlophone PCS 7214/TC-PCS 7214, 13 de octubre de 1980
• The Beatles box, 8 LPs/8 cassettes, Parlophone/World Records SM 701-708/C70, 3 de noviembre de 1980 (primera edición y reedición 1)

2. La mezcla monoaural, una reducción al mono de la variación 1.

• Abbey Road, cinta abierta, Apple TA-PMC 7088, 26 de septiembre de 1969 (primera edición en cinta abierta mono)

3. La remasterización de 1987, estereofónica y basada en la variación 1.

• Abbey Road, LP (reediciones 5-11)
• Something/Come together, single (reediciones 7-14)
• The Beatles/1967-1970, 2 LPs (reediciones 2-5)
• George Harrison: The best of George Harrison, LP (reedición 3)
• 1, 2 LPs/cassette/CD, Apple 5 29325 1/5 29325 4/5 29325 2, 13 de noviembre de 2000 (primera edición)

4. La edición estándar a partir de 2009, una remasterización digital en estéreo basada en la variación 1.

• Abbey Road, LP (reediciones 12-17)
• The Beatles/1967-1970, 2 LPs (reediciones 6-7)
• 1, 2 LPs (reediciones 1-2)
• The Beatles/1962-1966 / The Beatles/1967-1970, 4 CDs, Apple 5099990991127, 18 de octubre de 2010

5. La mezcla digital definitiva para vinilo, en esencia igual que la variación 4 pero tratada con ecualización propia para adaptarse al formato.

• Abbey Road, LP (reediciones 18-20)
• Something/Come together, single (reedición 15)
• The Beatles/1967-1970, 2 LPs (reediciones 8-9)

6. Todavía una nueva mezcla, estereofónica, preparada para el relanzamiento en 2015 del recopilatorio 1.

• 1, 2 LPs (reediciones 3-8)
• 1+, 2 DVDs+CD/2 Blu-rays+CD, Apple 0602547567727/0602547567819, 6 de noviembre de 2015

7. La mezcla estéreo preparada por Giles Martin para el relanzamiento de Abbey Road en 2019.

• Abbey Road, LP (reediciones 21-24)
• Something – 2019 mix, single digital, Apple/Universal Music, sin referencia, 8 de agosto de 2019
• Abbey Road – Anniversary super deluxe edition, 3LPs/álbum digital, Apple/Universal Music 0602508007446/sin referencia, 27 de septiembre de 2019
• Abbey Road – 2 CD anniversary edition, 2 CDs, Apple/Universal Music 0602577915079, 27 de septiembre de 2019
• Abbey Road – Anniversary super deluxe edition, 3 CDs+DVD, Apple/Universal Music 0602577921124, 27 de septiembre de 2019
• All about the girl, EP digital, UMG Recordings, sin referencia, 5 de febrero de 2021
• The Beatles/1967-1970 (2023 edition), 3 LPs/3 LPs en vinilo azul/2 CDs/álbum digital, Apple/Universal Music Group International 0602455920805/0602455920898/0602455920959/sin referencia, 10 de noviembre de 2023
• The Beatles/1962-1966 / The Beatles/1967-1970 (2023 edition), 6 LPs/6 LPs en vinilo rojo y azul/4 CDs, Apple/Universal Music Group International 0602455921000/0602455920539/0602458503203, 10 de noviembre de 2023

8. La mezcla estéreo de 2019 en sistema Dolby Atmos.

• Abbey Road – Anniversary super deluxe edition, 3 CDs+DVD, Apple/Universal Music 0602577921124, 27 de septiembre de 2019
• The Beatles/1967-1970 (2023 edition), álbum digital en Dolby Atmos, Apple/Universal Music Group International, sin referencia, 10 de noviembre de 2023

9. La mezcla estéreo de 2019 en sistema 96kHz/24bit DTS HD Master Audio 5.1.

• Abbey Road – Anniversary super deluxe edition, 3 CDs+DVD, Apple/Universal Music 0602577921124, 27 de septiembre de 2019

10. La mezcla estéreo de 2019 en sistema 96kHz/24bit High Res Stereo.

• Abbey Road – Anniversary super deluxe edition, 3 CDs+DVD, Apple/Universal Music 0602577921124, 27 de septiembre de 2019

11. Una mezcla más, en esta ocasión en Dolby Atmos o “Spatial audio”, preparada por Giles Martin en 2022 para el streaming en Apple Music del recopilatorio 1.

• 1, 2 LPs (reedición 9)

En la edición en DVD de la serie televisiva Anthology, publicada en el año 2003, se utilizó una mezcla estéreo que permanece inédita en disco.

Éxito en listas

• Reino Unido:
  • Primera entrada:
    • Debut: 8 de noviembre de 1969
    • Puesto más alto: 4 (22 de noviembre de 1969, una semana; número 1: Sugar, sugar, The Archies)
    • Semanas en listas: 12
  • Segunda entrada:
    • Debut: 11 de noviembre de 1989
    • Puesto más alto: 84 (11 de noviembre de 1989, una semana; número 1: All around the world, Lisa Stansfield)
    • Semanas en listas: 1
• Estados Unidos:
  • Entrada única:
    • Debut: 18 de octubre de 1969
    • Puesto más alto: 1 (29 de noviembre de 1969, una semana)
    • Semanas en listas: 16

De la mano de Come together, la pieza con la que compartía cara A en el single publicado después de la aparición de Abbey Road, Something escaló hasta el número 4 de las listas británicas, en las que apareció durante doce semanas. En los Estados Unidos el tema escrito por Harrison se aupó hasta el número 1, compartiendo puesto también con la composición de Lennon. El 11 de noviembre de 1989 reapareció en el ranking británico gracias a la reedición correspondiente al vigésimo aniversario de la publicación original del single. Apareció durante una única semana en el puesto 84.

Something nunca volvió a entrar en las listas británicas de forma individual, al contrario que Come together, pero consiguió la distinción de disco de platino en el Reino Unido el 14 de febrero de 2025 gracias a las ventas digitales y al streaming desde su aparición en internet en 2010 (600.000 copias). Había alcanzado el estatus de disco de plata (200.000) el 2 de abril de 2020 y de disco de oro (400.000) el 9 de septiembre de 2022.

Repercusión social

La crítica contemporánea a la publicación de la canción, con la única excepción notable de Nik Cohn en The New York Times, fue automáticamente laudatoria con Something y con George Harrison como compositor, como cantante y como guitarrista. Los analistas no ahorraron alabanzas a la pieza, destacando su belleza, sus sencillos pero muy efectivos arreglos instrumentales, la ejecución de los músicos, el aporte orquestal de Martin, la efectividad de la letra… El 5 de julio de 1971 George recibió un premio Ivor Novello, concedido a Something como mejor canción desde el punto de vista musical y lírico.

«Es una canción que crece dentro de ti, y recuerda lo que te digo, lo hará… ¡a lo grande!» (Lon Goddard, Record Mirror, 1969).

En septiembre de 1990 la organización estadounidense BMI publicó una lista de las canciones más difundidas en las cadenas de radio y televisión del país en los últimos cincuenta años. Yesterday, con cinco millones de emisiones radiofónicas, era la primera pieza de The Beatles que aparecía en el ranking, pero muy cerca, con cuatro millones, le seguían Michelle y el tema de George, Something. En 1999 BMI concedió a Something el puesto 17 entre las canciones más interpretadas del siglo XX. Ya había alcanzado los cinco millones de emisiones y solo Yesterday, en el número 3, ocupaba una posición más destacada entre el catálogo de tema de The Beatles (siete millones de emisiones). Michelle no aparecía hasta el puesto 42 (aunque también superaba la barrera de los cinco millones). Let it be defendía el puesto 89 mientras Imagine, de Lennon, ocupaba el 96, ambas por encima de los cuatro millones. La composición que encabezaba el ranking era You’ve lost that lovin’ feelin’ (Mann/Spector/Weil), con más de ocho millones de emisiones.

El ranking de canciones más referenciado es el de los 500 mejores temas de la Historia publicado por la revista estadounidense Rolling Stone en 2004, actualizado en 2010 y profundamente revisado en 2021. En la primera edición de la lista Something se hizo con la posición número 273, aunque descendió cinco puestos en la segunda. Varias grabaciones de los de Liverpool perdieron fuelle o directamente desaparecieron de la lista en la actualización de 2021, pero no fue el caso de Something. De hecho, escaló con fuerza hasta la posición 110.

La composición de Harrison es un peso pesado de tal calibre que se ha colado en no pocos rankings en el Top 10 de la discografía de The Beatles o en el Top 100 de las mejores canciones de la Historia. La han incluido en el primer grupo listas publicadas por la publicación británica Uncut (2001, puesto 7), la británica Mojo (2006, puesto 7), la estadounidense Entertainment Weekly (2009, puesto 5), la edición estadounidense de Rolling Stone (2010, puesto 6), la publicación estadounidense Ultimate Classic Rock (2014, puesto 7), la revista estadounidense Paste (2015, puesto 9), el libro Counting down The Beatles: Their 100 finest songs (Jim Beviglia, Rowman & Littlefield, Lanham, 2017; puesto 8), la publicación británica New Musical Express (2021, puesto 5) y la revista digital Yardbarker (2022, puesto 4). Ha sido considerada como una de las cien mejores canciones de todos los tiempos por la revista británica New Musical Express (1976, puesto 35 en un ranking que tabulaba los mejores cien singles publicados hasta la fecha), la cadena Radio 2 de la corporación pública británica BBC (2005, puesto 64), la publicación estadounidense Popdose (2008, puesto 57) y el periódico británico The Telegraph (2009, puesto 81; puesto 56 en una versión revisada de 2015).

«Something es probablemente una de las mejores canciones de amor escritas jamás, jamás, jamás. (…) Es mejor que Yesterday, mucho mejor. (…) Es el tipo de canción que he estado persiguiendo durante los últimos treinta y cinco años» (Elton John, 2002).

Something es una de las piezas del grupo que ha sufrido su utilización como reclamo comercial: aunque no en su versión original, la canción sirvió de apoyo musical en los anuncios televisivos del automóvil Chrysler LeBaron Coupes a finales de 1987 y principios del año siguiente. Paul reaccionó con disgusto, como en otras ocasiones:

«El otro día vi Something (…) en un anuncio de coches, y pensé: “¡Ee, yak! Eso es de mal gusto”» (Paul McCartney, 1988).

Apariciones audiovisuales

Televisión

• The Beatles: Get back – Part 3: Days 17-22 (Disney+), estrenado el 27 de noviembre de 2021. El capítulo incluye la escena en la que Harrison presenta Something al resto de la banda, acaecida en el Apple Studio el 28 de enero de 1969. The Beatles ensayan la canción por primera vez con la participación de Billy Preston y George pide ayuda a Paul con la letra. Es John quien sugiere que incluya palabras de relleno (“attracts me like a coliflower”) hasta que se le ocurra insitintivamente algo mejor.

Vídeo-clip

Something, al contrario que Come together, fue agraciada con la creación de una película promocional. El clip incluía escenas de cada uno de los cuatro beatles con sus esposas (John con Yoko, Paul con Linda, Ringo con Maureen y George con Pattie) en diversos escenarios naturales, aunque los verdaderos protagonistas eran Harrison y señora, lo que supuestamente venía a confirmar que la canción la había inspirado la bella Pattie: en una entrevista concedida en 1969, preguntado por el particular, Harrison había contestado de forma un tanto enigmática “quizá Pattie. Probablemente”, y la propia interesada ha asegurado que George le confirmó que la canción hablaba sobre ella.

¿O no era así? Las versiones son contradictorias:

«No [la escribí sobre Pattie]. Simplemente la escribí, y luego alguien montó un vídeo. Y lo que hicieron fue salir y hacerse con material de mí y de Pattie, de Paul y Linda, de Ringo y Maureen, era en aquella época, y de John y Yoko, y simplemente montaron un pequeño vídeo para tirar adelante con ello. Por eso todo el mundo dio por supuesto que la escribí sobre Pattie, pero en realidad, cuando la escribí, estaba pensando en Ray Charles» (George Harrison, 1996).

«George escribió una canción titulada Something. Me dijo con naturalidad que la había escrito para mí. Me pareció preciosa y se convirtió en la canción de más éxito de su vida, con más de ciento cincuenta versiones. La versión favorita de George era la de James Brown. La mía era la de George Harrison, la que me tocaba en la cocina. Pero, de hecho, para entonces nuestra relación pasaba por problemas. Desde un viaje al ashram del Maharishi Mahesh Yogi en la India en 1968, George se había vuelto obsesivo con la meditación. A veces se mostraba retraído y deprimido» (Pattie Boyd, 2007).

Las secuencias del clip, rodadas por separado entre finales de octubre y principios de noviembre de 1969, confirmaban algo en todo caso: The Beatles ya no existían. Los escenarios no han sido oficialmente identificados, aunque Mark Lewisohn dio por supuesto que las escenas de George y Pattie se rodaron en el patio trasero de su bungalow, Kinfauns; las de John y Yoko en las escaleras de acceso a nueva casa, Tittenhurst Park (Lennon aparece ya sin barba); las de Ringo y Maureen en su residencia de Elstead, Brookfields; y las de Paul y Linda en su granja escocesa, High Park Farm, estas últimas con una cámara sujeta a la parte trasera de un tractor. Martha, la perra de Paul, también asoma en las imágenes utilizadas en el clip, retozando con sus dueños. Neil Aspinall fue el encargado de componer el clip combinando las diferentes secuencias de imágenes. Harrison aparece con aire circunspecto, con su larga melena y su barba de entonces, mientras su pareja luce elegante, hermosa y sonriente. Lennon y Ono visten con capas negras. Starr y su esposa se divierten montando en ciclomotores por los terrenos de su propiedad. Los McCartney aparecen vestidos con ropas apropiadas para la granja, pero, mientras Linda es todo candor, Paul es la viva imagen del desaliño: despeinado, sin afeitar y con aspecto taciturno. La certeza de que The Beatles se habían acabado estaba haciendo mella en él.

«Estaba pasando por un período difícil. Mostraba todos los síntomas clásicos del desempleado, el hombre sobrante. Al principio no te afeitas; y no es para dejarte crecer una barba molona, es porque no te importa una mierda» (Paul McCartney).

«Lo que la idílica película del Sr. Aspinall evitaba mostrar era que en aquel momento The Beatles apenas se hablaban. En la película no se ve a dos beatles juntos» (Alan Kozzin, “Neil Aspinall, Beatles aide, dies at 66”, The New York Times, 2008).

«(…) cada pareja proyecta una vibración totalmente diferente: George y Pattie pavoneándose con sus galas de la realeza hippie, Paul y Linda en la granja de Escocia con la perra pastor Martha, Ringo y Maureen haciendo el tonto en moto, John y Yoko serenos con sus túnicas negras a juego. Cada beatle parece haber encontrado lo que buscaba, pero se dirigen hacia cuatro futuros distintos» (Rob Sheffield, Rolling Stone, 2015).

El magnífico clip pudo ser visto por el público británico el 13 de noviembre de 1969 (aunque solo en blanco y negro) en el programa de la BBC1 Top of the pops. Según el artículo “Early version of ‘Something’ promo recovered”, publicado el 9 de abril de 2019 en la web The Daily Beatle, la versión del clip que contemplaron los británicos aquel día no era la definitiva: McCartney no debía haber hecho llegar sus secuencias a tiempo y el montaje que se emitió originalmente incluía imágenes de Paul extraídas de la escena de The fool on the hill de la película Magical Mystery Tour, mientras que las que mostraban a Linda habían sido rodadas en enero de 1969 durante las sesiones del proyecto Get back.

El 30 de diciembre parte de las imágenes del clip, sin sonido, aparecieron en el documental Man of the decade, un especial de la ATV británica que celebraba las figuras de los tres hombres más influyentes de los ’60: John F. Kennedy, Ho Chi Minh… y John Lennon. El beatle había sido nominado por el antropólogo Desmond Morris, que fue además quien le entrevistó.

A excepción de sus segundos iniciales, el clip casi completo, y en color, fue recogido en el tercer programa de la serie televisiva Anthology, estrenada mundialmente en noviembre de 1995, y en la octava cinta de la versión en vídeo de la serie. El clip no había vuelto a ser emitido desde 1969 hasta que el 1 de noviembre de 1993 la cadena televisiva MTV Europe lo incluyó en la programación de aquel día, designado como “Beatles Day”. En el primero de los capítulos de la serie Anthology, y en la primera cinta de vídeo, también se escuchan los últimos compases de la canción acompañando la narración de la incorporación de Harrison a The Quarrymen. En 1998 Apple puso el vídeo-clip en circulación pública, incluyéndolo en un kit promocional electrónico. Apareció dos años después, restaurado, en la edición en DVD y Blu-ray de 1 y en la versión en 2 CDs y 2 DVDs o 2 Blu-rays de 1+ (Apple 0602547567727/0602547567819, 6 de noviembre de 2015).

Carreras en solitario

George Harrison

• En vivo: Conciertos colectivos “George Harrison and Friends”, George Harrison and Friends, Nueva York (Estados Unidos), 1 de agosto de 1971.
• En disco: The concert for Bangla Desh, VV.AA., 3 LPs/cinta abierta/2 cartuchos, Apple STCX 3385/ZRX 31230/ZAX 31230, EE.UU., 20 de diciembre de 1971 (atribuida a George Harrison & Friends); Let it roll: Songs by George Harrison, CD, Parlophone 9650192, 15 de junio de 2009 (como Something [Live]).
• En cine: The concert for Bangladesh, 23 de marzo de 1972. Publicada en vídeo y DVD.
• En vivo: Gira “George Harrison/Ravi Shankar 1974”; George Harrison/Ravi Shankar; Canadá y Estados Unidos, 1974.
• En radio: Rockline, KLOS-FM (Estados Unidos), 10 de febrero de 1988.
• En vivo: Gira “Rock legends”, George Harrison with Eric Clapton and his Band, Japón, 1991.
• En vivo: Concierto “The Natural Law Party presents George Harrison & Friends”, George Harrison & the Hi Jack Band, Londres (Reino Unido), 6 de abril de 1992.
• En disco: Live in Japan, George Harrison with Eric Clapton and Band, 2 LPs/2 CDs, Dark Horse 7599 26964-1/7599-26964-2, 13 de julio de 1992.

Paul McCartney

• En vivo: Gira “Driving USA tour”; Estados Unidos y Canadá, 2002.
• En vivo: Gira “Back in the US tour”, Estados Unidos, 2002.
• En vivo: Conciertos “Driving Mexico”, México D.F. (México), 2, 3 y 5 de noviembre de 2002.
• En vivo: Gira “Driving Japan”, Japón, 2002.
• En disco: Back in the U.S. – Live 2002, 2 CDs, Estados Unidos, Capitol CDP 7243 5 42318 2 7, 26 de noviembre de 2002; Back in the world – Live, 2 CDs, Parlophone 07243 582835 2 5, 17 de marzo de 2003.
• En DVD: Back in the U.S., diciembre de 2002 (como Here today/Something).
• En vivo: Gira “Back in the world tour”; Francia, España, Bélgica, Reino Unido, Suecia, Italia, Rusia e Irlanda, 2003.
• En vivo: Concierto colectivo “The Liverpool sound”, Liverpool (Reino Unido), 1 de junio de 2008.
• En vivo: Concierto “Independence concert”, Kiev (Ucrania), 14 de junio de 2008. Emitido en directo por la televisión ucraniana.
• En vivo: Concierto “400^e anniversaire de Québec”, Quebec (Canadá), 20 de julio de 2008.
• En vivo: Concierto “Friendship first concert”, Tel Aviv (Israel), 25 de septiembre de 2008.
• En vivo: Festival “Coachella Valley Music and Arts Festival”, Indio (Estados Unidos), 17 de abril de 2009. El concierto fue emitido en vivo por internet.
• En vivo: Concierto “The New Joint at Hard Rock Hotel & Casino”, Las Vegas (Estados Unidos), 19 de abril de 2009.
• En vivo: Gira “Summer live ’09 tour”; Canadá y Estados Unidos, 2009.
• En disco y DVD: Good evening New York City, 2 CDs+DVD/2 CDs+2 DVDs, Mercury 723 1857/723 1884, 17 de noviembre de 2009.
• En vivo: Gira “Good evening Europe tour”; Alemania, Países Bajos, Francia, Irlanda y Reino Unido, 2009. Interpretada también habitualmente en las pruebas de sonido.
• En vivo: Gira “Up and coming tour”; Estados Unidos, México, Irlanda, Reino Unido, Canadá, Brasil, Argentina, Perú y Chile, 2010-2011. Interpretada también habitualmente en las pruebas de sonido.
• En vivo: Concierto “Live at the Apollo”, Londres (Reino Unido), 18 de diciembre de 2010.
• En vivo: Concierto “Live at the Academy”, Liverpool (Reino Unido), 20 de diciembre de 2010.
• En vivo: Concierto “HP Discover private show”, Las Vegas (Estados Unidos), 9 de junio de 2011.
• En vivo: Gira “On the run tour”; Estados Unidos, Canadá, Emiratos Árabes Unidos, Italia, Francia, Alemania, Reino Unido, Suecia, Finlandia, Rusia, Países Bajos, Suiza, Bélgica, Uruguay, Paraguay, Colombia, Brasil y México, 2011-2012. Interpretada también habitualmente en las pruebas de sonido.
• En vivo: Gira “Out there! tour”; Brasil, Estados Unidos, Polonia, Italia, Austria, Canadá, Japón, Uruguay, Chile, Perú, Ecuador, Costa Rica, Corea del Sur, Reino Unido, Francia, Países Bajos, Noruega y Suecia, 2013-2015. La canción fue interpretada en todos los conciertos excepto en el de Tokio (Japón) del 28 de abril de 2015.
• En vivo: Concierto “Robin Hood benefit”, Nueva York (Estados Unidos), 12 de mayo de 2015.
• En vivo: Festival “Firefly Music Festival”, Dover (Estados Unidos), 19 de junio de 2015.
• En vivo: Festival “Roskilde Festival”, Roskilde (Dinamarca), 4 de julio de 2015.
• En vivo: Festival “Lollapalooza”, Chicago (Estados Unidos), 31 de julio de 2015.
• En vivo: Concierto “2015 ATA Management Conference & Exhibition”, Filadelfia (Estados Unidos), 19 de octubre de 2015.
• En vivo: Gira “One on one tour”; Estados Unidos, Canadá, Argentina, Alemania, Francia, España, Chequia, Noruega, Dinamarca, Japón, Brasil, México, Australia y Nueva Zelanda, 2016-2017. La canción fue interpretada en todos los conciertos excepto en el de Tokio (Japón) del 25 de abril de 2017.
• En vivo: Festival “Pinkpop Festival”, Landgraaf (Países Bajos), 12 de junio de 2016.
• En vivo: Festival “Rock Werchter”, Werchter (Bélgica), 30 de junio de 2016.
• En vivo: Festival “SummerFest”, Milwaukee (Estados Unidos), 8 de julio de 2016.
• En vivo: Festival “Desert Trip”, Indio (Estados Unidos), 8 y 15 de octubre de 2016.
• En vivo: Gira “Freshen up”; Canadá, Japón, Francia, Dinamarca, Polonia, Austria, Reino Unido, Chile, Argentina, Brasil y Estados Unidos, 2018-2019.
• En vivo: Festival “Austin City Limits Music Festival”, Austin (Estados Unidos), 5 y 12 de octubre de 2018.
• En vivo: Gira “Got back”; Estados Unidos, Australia, México, Brasil, Uruguay, Argentina, Chile, Perú, Colombia, Costa Rica, Francia, España y Reino Unido, 2022-2024. La canción fue interpretada en todos los conciertos excepto en los de Adelaide (Australia) del 17 de octubre de 2023 y Brasilia (Brasil) del 28 de noviembre de 2023), de formato reducido.
• En vivo: Festival “Glastonbury Festival”, Pilton (Reino Unido), 25 de junio de 2022. Parte del concierto fue radiado y televisado, incluyendo en ambos casos esta canción.
• En podcast: Paul McCartney at Glastonbury 2022, BBC Sounds, 26 de junio de 2022.
• En streaming: BBC music at Glastonbury – Paul McCartney 2022, BBC iPlayer, 26 de junio de 2022.
• En vivo: “Paul McCartney rocks The Bowery”, Nueva York (Estados Unidos), 13 de febrero de 2025.

Paul McCartney y Ringo Starr

• En vivo: Concierto colectivo “Concert for George”, Londres (Reino Unido), 29 de noviembre de 2002.
• En disco: Concert for George, VV.AA., 2 CDs, Warner Strategic Marketing 8122 74546 2, 17 de noviembre de 2003 (atribuida a Paul McCartney and Eric Clapton).
• En DVD: Concert for George, VV.AA., 2 DVDs, 29 de noviembre de 2003 (atribuida a Paul McCartney and Eric Clapton).

Ringo Starr

• En televisión: Rowan & Martin’s laugh-in, NBC (Estados Unidos), 23 de febrero de 1970.

Versiones relevantes

Es una anécdota conocida, aunque ciertamente sorprendente: Joe Cocker grabó su propia versión de Something antes que los mismos Beatles. George, probablemente harto de esperar a que su banda hiciera honor a la extraordinaria composición, colaboró en la grabación de una demo del cantante blanco de soul, registrada a principios de la primavera de 1969 en el Apple Studio, tocando la guitarra, aunque la versión definitiva se grabó más tarde en Los Ángeles. Por suerte, los dioses quisieron que Joe Cocker tardara tanto en publicar su versión que The Beatles se le adelantaron por dos meses. La grabación del cantante nacido en Sheffield, que apareció en su álbum de noviembre de 1969 Joe Cocker! (Regal Zonophone SLRZ 1011), incluía variaciones en la letra:

Something in the way she smiles
reminds me that I’ll always think of her.
Something in the way she smiles for me.

Algo en su manera de sonreír
me recuerda que siempre pensaré en ella.
Algo en su manera de sonreírme.

Frank Sinatra, que llevaba años expresando públicamente su desprecio por The Beatles, sucumbió al encanto de Something y, además de incorporarla a su repertorio escénico (presentándola al inicio por error como una composición de Lennon y McCartney), la grabó en dos ocasiones: como cara B de su single Bein’ green (Reprise 0981, enero de 1971) y en su triple álbum Trilogy: Past present future (Reprise 3FS 2300, 26 de marzo de 1980). En 1987 George afirmó con sorna que la canción era música de elegante bar de noche, y que por eso le había gustado a Sinatra. La pasión del italoestadounidense por la música de The Beatles, que demostró versionando también Yesterday, era como decimos tardía: se rumorea que en 1964, y como reacción ante la expansión de la beatlemanía, el crooner estadounidense hizo planes junto a Bing Crosby, Sammy Davis Jr. y Dean Martin para crear una especie de parodia del grupo inglés llamada The Bumblers. A mediados del mes de noviembre de 1968, el día 12 o el 13, George Harrison y Mal Evans acudieron al estudio de grabación en el que trabajaba Frank Sinatra y cenaron con él horas más tarde en un restaurante.

Las versiones ya citadas de Something de Joe Cocker y Frank Sinatra no son ni mucho menos las únicas que existen de la canción. En realidad, si consideramos generalizables las conclusiones que se desprenden del recuento de remakes disponibles en los Estados Unidos en 1976 hecho por Nicholas Schaffner, la única pieza del grupo de la que se han hecho más versiones es Yesterday. Aquel año se podían adquirir en el mercado estadounidense la friolera de sesenta y cinco versiones diferentes de la composición de Harrison. Bill Harry apunta que se han publicado más de ciento cincuenta remakes de la pieza. El mismísimo Elvis Presley la incluyó en su repertorio escénico en los ’70. En 1973 la cantó en su especial televisivo Aloha from Hawaii via satellite y apareció subsecuentemente en el exitoso álbum del mismo título que recogió la actuación del Rey (RCA VPSX-6089, 4 de febrero de 1973). También se ha publicado una versión grabada en vivo en agosto de 1970 en Las Vegas: aparece en los álbumes Walk a mile in my shoes: The essential ’70s masters (RCA 07863 66670-2, 10 de octubre de 1995) y Live in Las Vegas (RCA/BMG 07863 69354-2, 10 de julio de 2001).

«Cuando la ha versionado hasta Liberace, ya sabes que va a ser una de esas que acaba sonando en un ascensor» (George Harrison, 1988).

Una de las satisfacciones que Something ha dado a Harrison es ser una canción que han recreado algunos de sus cantantes preferidos:

«Tiene una serie de cinco notas que probablemente encaja perfectamente con las tesituras de muchos cantantes. Esta es, supongo, mi canción más exitosa, con alrededor de ciento cincuenta versiones. Mi versión favorita es la de James Brown; esa era excelente. Cuando la escribí, yo oía en mi mente a Ray Charles cantándola, y de hecho lo hizo algunos años después. También me gusta la versión de Smokey Robinson» (George Harrison, 1980).

«La forma en la que la canta James [Brown] es simplemente increíble, y el arreglo es verdaderamente hermoso. La tengo en mi propia gramola en casa» (George Harrison).

«En su momento no me emocionó especialmente que Frank Sinatra cantara Something. Frank era de la generación anterior, y no me iba mucho. (…) En cambio ahora me siento muy complacido de que la canten, porque sé que lo que distingue una buena canción es que hayan hecho muchas versiones de ella» (George Harrison, 2000).

La versión de Smokey Robinson & the Miracles aparece en el álbum A pocket full of Miracles (Tamla S-306, 30 de septiembre de 1970) bajo el título Something/Something you got: se trata de un medley con la composición de Chris Kenner. El remake de Something de Ray Charles, el artista en el que Harrison pensaba cuando escribió la canción, apareció en su álbum Volcanic action of my soul (ABC ABCS 726, abril de 1971), que también incluye una versión de The long and winding road. El cover de James Brown ofició como cara B de su single Think (Polydor PD 14177, abril de 1973), que en la vuelta principal revisitaba una de sus grabaciones clásicas de los ’60.

Muy pocos meses después de la aparición de la versión de The Beatles (una gran triunfadora en las listas de éxitos gracias a su edición en formato de single), dos remakes se hicieron también con meritorios puestos en las listas a un lado y otro del Atlántico: Booker T. & the M.G.’s extrajeron Something de su álbum McLemore Avenue (Stax STA-0073, mayo de 1970) y llevaron el tema al puesto 76 de las listas estadounidenses el 15 de agosto de 1970. Hacía muy pocas semanas que la cantante galesa Shirley Bassey había empezado a triunfar con Something en el Reino Unido, aunque no fue hasta la novena semana en listas, también el 15 de agosto de 1970, que su versión alcanzó el cuarto puesto de las listas, empatando el resultado cosechado por The Beatles con su single. Fue el primer Top 10 para la cantante desde 1963. Bassey había lanzado su versión en forma de single (United Artists UP 35125, 29 de mayo de 1970) y tituló también Something su siguiente LP (United Artists UAS 29100, agosto de 1970). El remake de la cantante aguantó unas impresionantes veintiuna semanas en las listas y volvió a colarse en las mismas durante siete días el 23 de enero de 1971. En los Estados Unidos se aupó hasta el número 55 del Hot 100 el 7 de noviembre de 1970 y consiguió además una mención nada desdeñable en la lista especializada de “Easy listening” publicada por Billboard: escaló hasta el número 6.

El cantante texano de country Johnny Rodriguez publicó su propia versión de Something en marzo de 1974 (Mercury 73471) y consiguió auparla hasta el número 85 del Hot 100 de Billboard y hasta el número 6 de la lista especializada de su género.

En el especial televisivo The night that changed America: A Grammy salute to The Beatles, emitido por la cadena estadounidense CBS el 9 de febrero de 2014, Something fue interpretada por Jeff Lynne, Joe Walsh y Dhani Harrison, el hijo del difunto George.

The rain song (Page/Plant), de Led Zeppelin, incluida en el álbum Houses of the Holy (Atlantic K 50014, 30 de marzo de 1973), esconde un pequeño homenaje a Something. Jimmy Page decidió escribirla después de tener noticia de un comentario de Harrison dirigido a John Bonham, el batería de la formación, en el que criticaba a Led Zeppelin por no incluir baladas en su repertorio. A modo de homenaje, The rain song incorpora aposta algunas notas del pasaje instrumental inicial de la composición de George.

Dave Grohl también evocó el solo de guitarra de Something en su composición Oh, George, un tema que hasta en su título recordaba expresamente a Harrison. Es una canción que aparece en el álbum de debut de Foo Fighters, el disco homónimo compuesto y grabado en solitario por el antiguo batería de Nirvana antes de conformar una verdadera banda (Roswell/Capitol C1 7243 8 34027 1 7, 4 de julio de 1995).

[Continuará en la parte 3, en la parte 4, en la parte 5 y en la parte 6 de Abbey Road (LP)]